الحركة الجمالية

ملخص الحركة الجمالية

خلال منتصف القرن ^التاسع عشر ، هددت الحركة الجمالية الاستفزازية والحسية بتفكيك تقاليد بريطانيا الفيكتورية المتعجرفة والمتسلطة والمحافظة. أكثر من مجرد حركة فنية جميلة ، تغلغلت الجمالية في جميع مجالات الحياة – من الموسيقى والأدب إلى التصميم الداخلي والأزياء. كانت في جوهرها الرغبة في خلق “الفن من أجل الفن” وإعلاء الذوق والسعي وراء الجمال والتعبير عن الذات على حساب التوقعات الأخلاقية والتوافق التقييدي. أثارت حرية التعبير الإبداعي والشهوانية التي روجت لها الجمالية أتباعها ، لكنها جعلتهم أيضًا موضع سخرية بين الفيكتوريين المحافظين. ومع ذلك ، من خلال رفض الالتزامات التعليمية التقليدية للفن والتركيز على التعبير عن الذات ،الفن الحديث في القرن ^{ال .}

الأفكار والإنجازات الرئيسية

• تمرد الفنانين الجماليين على المادية الفيكتورية والصناعية الحديثة (لا سيما ما انتقدوه على أنه التصاميم الفقيرة والمتكررة للمنتجات الاستهلاكية التي ابتكرتها آلات “بلا روح” بثمن بخس) ، وأعطى الأولوية للحرفية عالية الجودة في ابتكار كل الفنون. حتى أن البعض أعاد إحياء تقنيات ما قبل الصناعة في هذه العملية.
• روّج الفنانون الجماليون القول المأثور “الفن من أجل الفن” ، حيث فصل الفن عن واجبه التقليدي في نقل رسالة أخلاقية أو اجتماعية – سياسية. بدلاً من ذلك ، ركزوا على استكشاف اللون والشكل والتكوين في السعي وراء الجمال.
• يتميز الفن الجمالي ، المتميز عن التفضيل الفيكتوري للديكور الناعم والأشكال الرشيقة والتفاصيل الوفيرة ، بألوان خافتة وتصميمات هندسية وأشكال خطية مبسطة. اتخذت الحركة مصادرها الأساسية للإلهام لوحات ما قبل رافائيليت للجمال ذي الشعر الأحمر المشتعل ، والتصاميم الهندسية في العصور الوسطى ، والزخارف والجماليات اليابانية.
• أكدت الحركة الجمالية أن الفن يجب ألا يقتصر على الرسم والنحت والعمارة ، بل يجب أن يكون جزءًا من الحياة اليومية. تحقيقا لهذه الغاية ، احتضنت الجمالية ليس فقط الفنون “الرفيعة” ، ولكن أيضا السيراميك ، والأعمال المعدنية ، والأزياء ، وصناعة الأثاث ، والتصميم الداخلي. العديد من الجماليات ، وأبرزهم أوسكار وايلد ، تبنوا شخصيات عامة عاشوا من خلالها وفقًا للمبادئ الجمالية.

الفنانين الرئيسيين

• جيمس ويسلر نظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية
• دانتي جابرييل روسيتي نظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية
• أوسكار وايلد نظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية
• اللورد فريدريك لايتون نظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية

الأعمال الفنية وفناني الحركة الجمالية

تقدم الفن

1872-1875

الموسيقى الهادئة: الأزرق والذهبي – جسر باترسي القديم

الفنان: James Whistler

يصور هذا العمل منظرًا ليليًا لجسر باترسي على نهر التايمز في لندن. كان الجسر مصنوعًا من الخشب ، ومنذ ذلك الحين تم استبداله بجسر حديث. تم رسم المنظر عند الغسق ، مع ضباب على النهر ، وأضواء مبهمة من المباني في المسافة وألعاب نارية في السماء وراءها. التأثير هادئ ورومانسي يخفي تلوث النهر والواقع الصاخب للحياة الحضرية. غير مهتم بإنشاء تصوير واقعي ، ركز ويسلر بدلاً من ذلك على إثارة استجابة عاطفية في المشاهد من خلال لوحة ألوان مهدئة ، وفرشاة ناعمة ، وتناغم الأشكال.

قام Whistler ، وهو معجب قديم برسام Ukiyo-e ، Katsushika Hokusai ، بتأليف الجسر بطريقة تشاركت أوجه التشابه التركيبية مع Hokusai’s Under the Mannen Bridge في Fukagawa(ج 1830-34). من خلال صور مثل هذه ، قدم ويسلر خصائص الجمالية اليابانية ، بما في ذلك الأشكال المظللة ، وفرشاة التنفس ، والتركيبات المسطحة ، إلى البريطانيين المنتمين إلى الحركة الجمالية.

يشير العنوان “nocturne” إلى مقطوعة موسيقية مستوحاة من الليل. تصور ويسلر ارتباطًا عميقًا بين الرسم في الأسلوب الجمالي والموسيقى ، حيث قام بتمليك لوحاته بعد الأشكال الموسيقية لإبراز أوجه التشابه “اللوني” (مقارنة النوتات الموسيقية بالألوان) والتركيز على طبيعتها المرئية بدلاً من التركيز على محتواها السردي. في الواقع ، أنتج ويسلر هذه اللوحة خلال دعوى التشهير التي رفعها ضد روسكين وطلب من هيئة المحلفين اعتبار عمله ليس لوحة تقليدية ، بل ترتيبًا فنيًا. وجادل بأن “الفن يجب أن يكون مستقلاً عن كل هراء – يجب أن يقف بمفرده وأن يجذب الحس الفني للعين أو الأذن دون الخلط بين هذا وبين المشاعر الأجنبية تمامًا …”

زيت على قماش – مجموعة تيت ، المملكة المتحدة

1873

لا غيرلانداتا

الفنان: Dante Gabriel Rossetti

يُفهم عمومًا أن لا غيرلانداتا (التي تعني “السيدة المنتفخة”) هي “تجسيد للحب والجمال”. تختلف هذه الصورة عن لوحات روسيتي السابقة لما قبل رافائيليت ، وتتميز بتخفيف الخط الذي يشير إلى ما تم وصفه بالمرحلة الحسية للفنان ، وهو أسلوب له قواسم مشتركة أكثر مع رسامي الحركة الجمالية. تعرض اللوحة تركيبة متوازنة وشبه متناظرة. في المنتصف ، امرأة تعزف برفق على قيثارة ، وكان شكلها محجوبًا تحت ستائر متدفقة وطبقات من نباتات الأزهار. تنعكس ملامح المرأة الرقيقة في وجه وجهين ملائكيين في الأعلى. تتميز لوحة الألوان بالحيوية والتناغم ، حيث يمتزج اللون الأخضر لباسها مع أوراق الشجر ، بحيث تنبثق نغمات اللحم الدافئة التكميلية وأقفال الشعر المشتعلة.

نموذج الشخصية المركزية هو Alexa Wilding ، الذي رسمه روسيتي عدة مرات. كان وايلدنج واحدًا من ثلاثة عارضين (الآخرون هم جين موريس وليزي سيدال) الذين ألهموا رؤية الفنان لمعيار جديد من الجمال. تشير عيون وشفاه ويلدينج الكبيرة والمحددة جيدًا وشعرها الأحمر المورق إلى شهوانية متأصلة في العمل. يمثل مظهرها تباينًا واضحًا مع ملامح الوجه الصغيرة التي يعتبرها الفيكتوريون تقليديًا علامة على الجمال. قام روسيتي أيضًا بتمجيد شعر نماذجه الفاخر باللون البني الفاتح ، وهي سمة مرتبطة بالفجور الجنسي في إنجلترا الفيكتورية ، على أنها جميلة وجذابة. أصبحت جمالات روسيتي ذات الشعر الأحمر عنصرًا مهمًا في الجمالية ، مع ظهور اختلافات في اللوحات الجمالية وكذلك في شوارع لندن ، باعتبارها واحدة من الموت.

زيت على قماش – غيلدهال ارت غاليري ، لندن

1876-1877

الانسجام باللونين الأزرق والذهبي: غرفة الطاووس

الفنان: James Whistler

دعا قطب الشحن فريدريك ليلاند المهندس المعماري الداخلي توماس جيكل لتصميم غرفة طعام لمنزله في لندن والتي من شأنها أن تكمل لوحة في الموقع من قبل ويسلر بعنوان الأميرة من أرض البورسلين (1863-1865) وتعرض مجموعة المستفيد باللونين الأزرق والأبيض. الخزف. غير قادر على إنهاء اللجنة بسبب المرض ، سرعان ما تم استبدال Jekyll بـ Whistler ، الذي طُلب منه وضع اللمسات الأخيرة على الغرفة. ومع ذلك ، فسر ويسلر هذا على أنه تفويض مطلقوأعاد تصميم المساحة بالكامل بالشكل الذي يراه مناسبًا. قام بتغطية الجدران بلوحات جدارية باللون الأزرق الفيروزي والذهبي ، ورسم السقف باللون الذهبي ، وزينه بتصميم من ريش الطاووس الأزرق (نموذج جمالي نموذجي). أوضح ويسلر لاحقًا ، “لقد رسمت للتو. واصلت – بدون تصميم أو رسم – نمت كما أرسم. وفي النهاية وصلت إلى […] نقطة الكمال.” تجسد غرفة ويسلر النهائية ، كما وصفها ، “الانسجام باللونين الأزرق والذهبي”.

ومع ذلك ، لم يتأثر ليلاند عندما اكتشف الحرية التي أخذها ويسلر. تجادل الاثنان بشكل مكثف حول تعويض الفنان. غاضبًا ، عاد ويسلر إلى الغرفة على ما يبدو ورسم لوحة جدارية لطاووسين من الذكور يتقاتلان – في إشارة إلى سقوط الفنان والراعي. أطلق ويسلر على اللوحة اسم “الفن والمال ؛ أو قصة الغرفة”.

تُعرف غرفة الطاووس بأنها أهم مثال على الجمالية المطبقة على التصميم الداخلي من أجل خلق بيئة ملهمة. رفعت هذه الغرف الجمالية التصميم الداخلي إلى عالم الفنون الجميلة. كما أن أشكاله المبسطة والمظللة والزجاج الغني والإشارة إلى الزخارف اليابانية المميزة ، مثل الطاووس والخيزران ، تجعله أيضًا مثالًا مهمًا على الطراز الأنجلو ياباني.

طلاء زيتي وأوراق ذهبية على قماش كتاني وجلد وخشب – معرض فرير ، واشنطن العاصمة

1879

ابريق الشاي

الفنان: كريستوفر دريسر

هذا هو واحد من العديد من أباريق الشاي التي صممها كريستوفر دريسر بأسلوب جمالي بين عامي 1878 و 1879. تتناقض خطوطه النظيفة وزاويته مع التصميم الفيكتوري التقليدي ، والذي وصفه Aesthetes بأنه صعب الإرضاء ومعقد. كان دريسر من أوائل من أدركوا أهمية التصميم الصناعي للأدوات المنزلية وأنه يمكن تحقيقه بأسلوب فني وعصري. يتم التعرف على الأعمال المعدنية للفنان على وجه الخصوص باعتبارها مقدمة مهمة للتصميمات الحديثة في باوهاوس. يصف متحف فيكتوريا وألبرت دريسر بأنه “مصمم صناعي قبل اختراع المهنة ، رجل وجد طرقًا جديدة للتصميم للإنتاج لم يكن يتصورها سوى القليل من معاصريه.

كان دريسر مهتمًا بشكل خاص بالفن والتصميم اليابانيين ، وسافر كثيرًا في الشرق. إن بساطة تصميم إبريق الشاي ، والأشكال الهندسية والأقطار ، ومقبضه المصنوع من خشب الأبنوس ، دليل على افتتان دريسر بالجمالية اليابانية. في النهاية ، سعى دريسر ، مثل ويليام موريس وغيره من المصممين الجماليين ، إلى إدخال الجمال والتصميم العملي الجيد في كل مجال من مجالات الحياة. لقد أوضح هذا الهدف المشترك بشكل أفضل عندما قال: “دعونا نحصل على أشياء مفيدة ، ولكن اجعلها جميلة أيضًا”. أصبح واحدًا من أكثر المصممين تأثيرًا الذين ساعدوا في إدخال الجمالية في منازل الطبقات الوسطى.

الفضة والأبنوس – متحف فيكتوريا وألبرت ، لندن

1880

الدرج الذهبي

الفنان: Edward Burne-Jones

تم إنشاء The Golden Stairs لمعرض Grosvenor Gallery في عام 1880 ، وهي لوحة Burne-Jones التي تتناسب بشكل وثيق مع المثل العليا للحركة الجمالية. على الرغم من أن العديد من لوحات الفنان تتضمن محتوى سرديًا ورسائل أخلاقية ، في The Golden Stairsيتجنب هذا لإنشاء تركيبة تعتمد كليًا على الجماليات. ترتدي كل امرأة تمشي على المنصة الأنيقة للسلالم الذهبية ثوبًا كلاسيكيًا مشابهًا ، وتتناسب كل منهن ليكون طويلًا ونحيفًا ، مرددًا شكل اللوحة نفسها. فساتين الشخصيات مختلفة بشكل طفيف ، حيث توفر تفاصيل زخرفية تجذب انتباه المشاهد دون إغراقها. يحمل كل منها أيضًا آلة موسيقية مختلفة حيث ينزلون بشكل إيقاعي السلالم التي تم وصفها بأنها مرجع مرئي للمقاييس الموسيقية. مما لا شك فيه إشارة إلى تأكيد والتر باتر الشهير بأن “كل الفنون تتطلع إلى حالة الموسيقى” ، كان العنوان الأصلي للوحة هو موسيقى على السلالم .

كان بيرن جونز شخصية رئيسية ساعدت في سد الفجوة بين ما قبل الرفائيلية والجمالية ، حيث ابتكر أعمالًا تندرج تحت قواعد كلتا الحركتين. في هذه اللوحة ، على الرغم من أن وجوه وملابس شخصياته متشابهة جدًا مع بعض أعماله السابقة وتحمل تشابهًا مع العديد من نساء ما قبل الرفائيلية التي رسمها دانتي غابرييل روسيتي ، فإن التكوين يشير أكثر إلى قيم الحركة الجمالية . على عكس لوحات ما قبل رافائيليت ، فإن الدرج الذهبي ليس له مصدر أدبي. تدل لوحة الألوان الدقيقة والمتناغمة ، فضلاً عن عدم وجود محتوى سردي أو أخلاقي معقد ، على الجمالية. علاوة على ذلك ، فإن اللوحة الطويلة الرفيعة ، بقياس 9 × 4 أقدام ، تستدعي شكل لوحة الحائط المزخرفة بدلاً من قماش السرد التقليدي.

زيت على قماش – مجموعة تيت ، المملكة المتحدة

1884

القراءة بصوت عالي

الفنان: Albert Moore

غالبًا ما تصور لوحات ألبرت مور النساء في لحظات الفراغ ، مرتديات فساتين كلاسيكية متقنة. في هذا المثال ، تتكئ امرأتان على أريكة منجدة بشكل باهظ بينما تستمعان باهتمام إلى امرأة أخرى مستلقية تقرأ كتابًا. الجو هو جو من الكسل والاسترخاء ، حيث تقع النساء في بيئة شبه غريبة مع ذلك ترقى إلى مستوى المعايير الفيكتورية للسلامة واللياقة. يفتقر المشهد إلى أي زخم سردي بحيث يكون تأثير التركيب الخطي المسطح زخرفيًا بحتًا. في الواقع ، كثيرًا ما أطلق مور على لوحاته اسمًا بعد الانتهاء من العمل ، مشيرًا إلى تصميمه على رسم المشاهد التي كانت في الأساس تزيينية وليست سردية.

مستوحاة من الفن الكلاسيكي ، ولا سيما رخام إلجين في المتحف البريطاني ، فإن لوحة مور ليست تكرارًا لأي مصدر قديم محدد. استعار الفنان فقط تلك الجوانب التي يحتاجها لصنع صورة مرضية. وبهذا المعنى ، تغلب الجمالية على كلاسيكيته. غير مهتم بالدقة التاريخية أو السرد الدرامي ، ركز الفنان ، مثل صديقه ويسلر ، على التناغم اللوني والتأثير الجمالي. كان مور مهتمًا بشكل خاص بتصوير الأقمشة. تشهد وفرة النسيج في هذا المشهد على إتقانه لخلق ألوان دقيقة وحركة وتنوعات تركيبية. طور مور سمعة لمثل هذه الصور الكلاسيكية ، مما ساعد على ترسيخ هذا الموضوع في الفن الجمالي وإلقاء الضوء على الحركة “

زيت على قماش – غاليري كيلينجروف للفنون ، غلاسكو

ج. 1888

الشاحن

الفنان: William de Morgan

تحتوي هذه اللوحة الكبيرة على طاووس متقن بعمود كامل. يعكس الانتشار المنحني لريش الطاووس انحناء الصفيحة. يقدم عرض الطاووس الملون مقابل تصميم نباتي أكثر هدوءًا ولكن ليس أقل تعقيدًا تركيبة متناغمة ومتوازنة بعناية. كان ذكر الطاووس دافعًا رئيسيًا في الحركة الجمالية. في مظاهرهم الاحتفالية ، ارتدى الجماليات الذكور ملابس متقنة مثل نظرائهم من الإناث ، مما يدعو إلى الأذهان الطاووس الذكر المبهرج الذي أصبح ريش ذيله بالتالي رمزًا لمظاهر Aesthetes التعبيرية.

من خلال أعمال السيراميك مثل الشاحن، أحيا ويليام دي مورغان تقنية بريق القرون الوسطى. لقد جرب على نطاق واسع طرق التزجيج وإطلاق النار ، ووصل في النهاية إلى التقنيات الحرفية اللازمة لترجمة الجمالية إلى وسط السيراميك. وبذلك ، ساعد في الارتقاء بالفنون الزخرفية إلى عالم الفنون الجميلة. قبل تأسيس شركته الخاصة ، عمل دي مورغان مع زميله المصمم والصديق ويليام موريس ، في ابتكار بلاط وألواح جمالية لشركة موريس. ولكن ، بينما اعترض موريس على الالتزامات الأخلاقية لطلاق الجمالية ونأى بنفسه تدريجياً عن الحركة ، حافظ دي مورغان على اهتمامه بسعي الجمالية إلى الجمال المثالي.

الخزف المصقول – متحف برمنغهام ، برمنغهام ، المملكة المتحدة

1889-90

حمام النفس

الفنان: اللورد فريدريك لايتون

من المعجبين بالفن الكلاسيكي ، يصور فريدريك لايتون Psyche من أسطورة كيوبيد و Psyche الشهيرة ، متخذًا وضعية تحاكي تلك الخاصة بالنحت اليوناني القديم Venus Callipyge (الذي تم صنعه في وقت مبكر من 300 قبل الميلاد). يبدو أن الشكل كان يخلع ملابسه قبل الاستحمام ، مفتونًا بانعكاسه في الماء أدناه. إن ارتباط Psyche بالانعكاسات المنعكسة يتحدث عن تركيز الجمالية على المرئي ، وعلى وجه الخصوص ، تقديرها للجمال المثالي.

أعاد لايتون إحياء نوع العراة في إنجلترا الفيكتورية من خلال لوحات مثل The Bath of Psyche. كانت الحكمة الفيكتورية والانشغال بالأخلاق الجنسية تعني أنه بحلول عام 1850 ، اختفى العري المثالي إلى حد كبير من الفن البريطاني. أثار ظهوره في اللوحات التي رسمها لايتون ورفاقه الجماليون غضبًا أخلاقيًا وساخنًا في الجدل العام في ثمانينيات القرن التاسع عشر. بالإضافة إلى التهديد على الأخلاق الأخلاقية ، تعرضت شخصيات لايتون العارية لانتقادات إضافية بسبب تشابهها مع الشكل الأنثوي الحقيقي (وليس المثالي) بالإضافة إلى مظهرها الشمعي غير الدموي.

كان من المفترض أن تكون هذه اللوحة في الأصل واحدة من عدة لوحات طلبها الرسام الكلاسيكي السير لورانس ألما تاديما لمنزله في شمال لندن. طلبت ألما تاديما من فنانين مختلفين رسم لوحة بارتفاع 32 بوصة وعرض 6.5 بوصة. ومع ذلك ، أصر لايتون ، رئيس الأكاديمية الملكية في ذلك الوقت ، على أن هذا مستحيل. تشير إحدى القصص إلى أنه حمل سكينًا ، وأشار إلى الشفرة الرفيعة ، وسأل ، “عزيزتي تيديما ، ما نوع الموضوع الذي تتوقع مني أن أرسمه على هذا؟” كان العرض النهائي أقرب إلى 24 بوصة ، لكن اللوحة لا تزال طويلة ورفيعة ، وهو شكل غير معتاد للقماش الفني الجميل. تشير أبعادها إلى الذوق الجمالي لاستخدام الفنون الجميلة كعنصر زخرفي ، وفي هذه الحالة لوحة جدارية لغرفة ما ، في محاولة لإيجاد تناغم بين الهندسة المعمارية والزخرفة.

زيت على قماش – مجموعة تيت ، المملكة المتحدة

1864-95

بيت لايتون

الفنان: فريدريك لايتون وجورج أيتشيسون

في عام 1864 ، كلف فريدريك لايتون المهندس المعماري جورج أيتشيسون ببناء استوديو ومنزل له على قطعة أرض في منطقة تشيلسي بلندن. كان المبنى الأصلي متواضعا الحجم نسبيا بواجهة كلاسيكية أنيقة. ومع ذلك ، على مدار الثلاثين عامًا التالية ، طلب لايتون من أيتشيسون تمديد المنزل ومراجعته ، مما أدى إلى إنشاء مبنى فريد يمثل ذروة العمارة الجمالية والتصميم الداخلي. تم تصميم Leighton House ليكون “قصرًا فنيًا خاصًا” ، وقد عرض الفن والمنسوجات والمفروشات مرتبة مع الاهتمام بتأثيرها الجمالي مع مراعاة قليلة للأهمية التاريخية أو الثقافية للأشياء.

يشتهر المنزل ب “القاعة العربية” المكونة من طابقين والمستوحاة من قصر لازيسا في باليرمو ، صقلية. تم تصميم الغرفة لتحتوي على مجموعة لايتون من البلاط والسيراميك والسجاد التي حصل عليها خلال رحلاته إلى تركيا وسوريا ومصر ، وتتميز الغرفة بقبة من ورق الذهب مؤطرة بإفريز من الفسيفساء صممه والتر كرين ، ونوافذ شبكية خشبية جميلة ، ومقاعد عثمانية كبيرة. منجد في أقمشة ويليام موريس. في عام 1895 ، ظهرت الإضافة النهائية لمعرض الصور المعروف باسم غرفة الحرير. تذكرنا بهياكل عصر النهضة الإيطالية ، هذه الغرفة المليئة بالضوء تتميز بإفريز كلاسيكي ومعرض مينستريلز. كان من الممكن أن تمتلئ بلوحات لايتون الخاصة بالإضافة إلى أعمال الأصدقاء ، بما في ذلك جون إيفريت ميليه وجون سينجر سارجنت.

في تناقض مثير للاهتمام مع المفروشات الفاخرة في أي مكان آخر ، تحتوي غرفة النوم الوحيدة في المنزل على سرير Leighton الصغير ذو الإطار الحديدي. ربما يشير هذا إلى حقيقة أن المسرات الحسية للحركة الجمالية بالنسبة لكثير من الناس يجب أن يتم اختبارها بطريقة بصرية فقط ، ولم تُترجم بالضرورة إلى حياة حقيقية. ومع ذلك ، يجسد The Leighton House الازدهار والوضع الاجتماعي الذي يتمتع به بعض الفنانين الفيكتوريين الناجحين.

12 شارع هولاند بارك ، لندن

1897

رداء – روب

الفنان: Liberty of London

هذا الرداء الطويل والمتدفق بأكمام ممتلئة منتفخة يذكرنا بفساتين العصور الوسطى ، والتي كانت مصدرًا مهمًا للإلهام لعائلة ما قبل الرفائيلية. ظهرت الملابس الفضفاضة بشكل بارز في لوحات ما قبل رافائيل لفنانين مثل روسيتي. احتضنت النساء هذا النوع من الأزياء المتدفقة ومفهوم ما قبل رافائيليت لجمال الأنثى المثالي في العقود التالية.

تم تصميم الملابس وإنتاجها بواسطة Liberty of London ، وهي واحدة من أوائل المتاجر متعددة الأقسام التي تلبي الذوق المعاصر للجماليات العصرية. كانت درجات اللون البني والذهبي اللطيفة تعتبر “فنية” في ذلك الوقت ، بينما تم الاحتفال بالصورة الظلية الفضفاضة المتدفقة باعتبارها أكثر صحة من الكورسيهات الضيقة والمقيدة التي كانت على الموضة خلال العصر الفيكتوري. تعد شعبية هذه الملابس دليلاً على مدى تأثير الحركة الجمالية على التصميم في مجال المستهلك.

الديباج من الحرير والقطن ، مبطّن بالتفتا ، مع لوحة أمامية من الساتان الحريري – متحف فيكتوريا وألبرت ، لندن

بدايات الحركة الجمالية

شكل المعرض الكبير لعام 1851 نقطة تحول للفنون البصرية في بريطانيا. على الرغم من أن الحدث عرض ابتكارات حديثة ومهمة ، بما في ذلك الوسيلة الجديدة للتصوير الفوتوغرافي ، إلا أن الكثير من الأعمال المعروضة تتوافق مع أسلوب التصميم البسيط والضحل للعصر الفيكتوري. والأسوأ من ذلك هو ميكنة عملية الخلق ، والتي كانت تعني ، حسب الناقد الشهير جون روسكين ، تجريد التصميم من إنسانيته. هذه التصاميم التي يمكن التنبؤ بها والمتكررة إلى جانب المعايير الفيكتورية الصارمة للفن والتي أعطت أهمية أكبر للرسالة الأخلاقية المنقولة أكثر من جودة العمل التي عززت بيئة خانقة كان العديد من الفنانين يائسين للهروب منها.

جذور ما قبل الرفائيلية

بعد فترة وجيزة من اختتام المعرض الكبير ، شرعت مجموعة من الفنانين في إنشاء جمالية جديدة وأبسط – واحدة مستوحاة من التفاصيل المعقدة والألوان الشديدة لفن وتصميم العصور الوسطى. اكتسب فن ما يسمى جماعة الإخوان المسلمين Pre-Raphaelite شعبية بحلول ستينيات القرن التاسع عشر بفضل المراجعات الإيجابية التي أجراها جون روسكين. انقسمت المجموعة بعد ذلك عندما انضم فنانين أصغر ، بما في ذلك ويليام موريس وإدوارد بورن جونز ، إلى دانتي غابرييل روسيتيلخلق “عبادة الجمال” ، ووضع الأساس للجمالية. قدمت صور روسيتي الحسية لنساء جميلات بشكل غير تقليدي بعيون كبيرة وشعر أحمر ملتهب مزين بعباءات فضفاضة متدفقة نموذجًا جديدًا للجمال الأنثوي الذي تحدت الروابط الفيكتورية بين النساء ذوات الشعر الأحمر غير المشدات والفسق الجنسي. وأصبحت في النهاية فكرة مهمة للحركة الجمالية.

التأثير الياباني

عندما بدأت اليابان في عام 1854 التجارة بشكل علني مع القوى الأجنبية ، أغرقت منتجاتها السوق البريطانية. الفنانون والمستهلكون على حدٍ سواء كانوا مفتونين بالزخارف العضوية والتصاميم الدائرية والأنماط الهندسية التي ميزت هذه الجمالية الجديدة. تتناقض بساطة وأناقة الشكل بشكل حاد مع التصاميم الفيكتورية المكتظة والمزدحمة. بدأ المستهلكون البريطانيون في جمع الشاشات اليابانية والمراوح والبورسلين ، بالإضافة إلى تلوين خشب الأبنوس لأثاثهم تقليدًا للورنيش الياباني. بدأ الرسامون ، مثل جيمس أبوت ماكنيل ويسلر ، بدمج هذه العناصر في عملهم ، مع تعديل تركيباتهم أيضًا لتعكس الجمالية الأصلية. المصممان إي دبليو جودوين وكريستوفر دريسركانت مستوحاة بالمثل. ظهر تدريجياً أسلوب جديد داخل الحركة الجمالية المعروف باسم النمط الأنجلو ياباني.

فن من أجل الفن

أعطى الفنانون الجماليون ، مثل أسلافهم قبل الرفائيلية ، أهمية كبيرة للتكوين البصري للعمل. ولكن في حين احتوى فن ما قبل الرفائيلية دائمًا على درجة من المحتوى السردي ، تجنب الفنانون الجماليون عمومًا أي قصة أو رسالة واضحة. بدلاً من ذلك ، سعوا جاهدين لاستحضار حالة مزاجية ، واستكشاف تناغم الألوان ، أو إعادة اكتشاف التفاصيل المعقدة التي ارتبطوا بها مع الحرفية الفائقة. بالاعتماد على مصادر متنوعة ، مثل الفن اليوناني القديم والياباني والعصور الوسطى ، أعلنوا بصوت عالٍ شعارهم: “الفن من أجل الفن” ، مأخوذ من رواية الناقد والشاعر الفرنسي ثيوفيل غوتييه مادموزيل دي موبين(1836). أصبحت هذه الفكرة الحديثة القائلة بأنه يجب تقييم الفن على أساس معاييره الخاصة بدلاً من أهمية الموضوع أو تصويره الصادق ، صرخة حاشدة للفنانين المتحمسين لفصل الفن عن المادية الفيكتورية. أصبح والتر باتر أحد أهم أصوات الحركة الجمالية عندما دافع عن أولوية تجربة المشاهد الجمالية للفن في دراسات تاريخ عصر النهضة (1873). وفقًا لباتر ، “من بين هذه الحكمة ، فإن الشغف الشعري ، والرغبة في الجمال ، وحب الفن لذاته ، هو أكثر شيء. لأن الفن يأتي إليك ويقترح عليك بصراحة عدم إعطاء أي شيء سوى أعلى جودة لحظاتك أثناء مرورها. ، وببساطة من أجل هذه اللحظات “.

معرض جروسفينور

عندما افتتح معرض جروفنر في شارع بوند في عام 1877 ، أتاح مساحة للفنانين ، ولا سيما الفنانين الجماليين ، لعرض أعمال تتعارض مع التوقعات الكلاسيكية للأكاديمية الملكية. على وجه الخصوص ، روجت لمهن جيمس أبوت ماكنيل ويسلر وألبرت مور وجورج فريدريك واتس وإدوارد بورن جونز. لم يكن معرض جروسفينور هو الأول من نوعه الذي يحتوي على مصابيح كهربائية فحسب ؛ كما قدمت طريقة جديدة للعرض (أصبحت الآن الطريقة القياسية للمعارض والمتاحف) حيث تم تعليق اللوحات بمسافات واسعة لتسهيل استيعاب المشاهد ، كما وصفها والتر باتر. تم تصميم مساحة المعرض لتقليد معرض للصور في مسكن خاص ، وكانت محاطة بغرف أخرى مزينة بشكل فاخر تلتزم بالقواعد الجمالية للتصميم.الصبر .

إدانة روسكين

أشاد الناقد الملحوظ جون روسكين بالتعبير الإبداعي لأبناء ما قبل رافائيل ووافق على أن معايير التصميم للفنون الزخرفية المنتجة آليًا قد تراجعت كثيرًا لدرجة أنها أصبحت متكررة ، وتفتقر إلى الروح والجودة الحرفية. ومع ذلك ، فقد دعا أيضًا إلى المنفعة الاجتماعية للفن ، والتي تتعارض بشكل مباشر مع عقلية “الفن من أجل الفن” للحركة الجمالية. بالنسبة لرسكين ، لم يكن الفن مجرد مسألة ذوق ، ولكنه أيضًا ناقل للفكر والشعور والأخلاق والمعرفة. عندما افتتح معرض Grosvenor في عام 1877 بمعرض لأعمال Burne-Jones و Whistler ، نشر Ruskin مراجعة لاذعة لـ Nocturne الأخير في Black and Gold: The Falling Rocket(1874). اعتراضًا على ما اعتبره محتوى لا معنى له تم إنشاؤه بلا مبالاة ، كتب روسكين ، “لقد رأيت وسمعت الكثير من وقاحة كوكني من قبل ؛ لكنني لم أتوقع أبدًا أن يطلب coxcomb مائتي جنيه لرمي وعاء من الطلاء في وجه الجمهور … “رفع ويسلر دعوى تشهير ضد روسكين في العام التالي ، وعلى الرغم من أن انتصار الفنان لم يسفر إلا عن ضرر ضئيل ، فقد ثبت أنه ضار بمهنة روسكين الحرجة ، والتي لم تتعافى تمامًا. وجد روسكين ، الذي كان مسؤولاً عن الارتقاء بالمهن المهنية للعديد من رسامي ما قبل رافائيليت خلال خمسينيات القرن التاسع عشر ، نفسه الآن غير متزامن مع حركة الفن الحديث الصاعدة والقادمة.

الحركة الجمالية: المفاهيم والأنماط والاتجاهات

تلوين

مستوحاة من صور روسيتي الأنثوية الحسية ، ظهرت الجمالية لأول مرة في اللوحات. من خلال هذا الوسيط ، توغلت الحركة وقيمها في مجالات أخرى. من بين جميع الفنانين الجماليين ، ربما كان الرسامون أفضل تجهيزًا لتحقيق هدف الحركة المتمثل في خلق الفن من أجل الفن. وذلك لأن اللوحات ، على عكس الفنون الزخرفية والأزياء ، على سبيل المثال ، يمكن فصلها عن الوظائف النفعية بسهولة تامة. وهكذا ، تمكن الرسامون مثل Moore و Whistler و Leighton من التركيز كليًا على إنشاء تراكيب جميلة ترضي الحواس. نظرًا لأن الدهانات الزيتية تسمح بتغييرات طفيفة في الدرجة اللونية ، يمكن للرسامين الجماليين استخدام الوسط لاستكشاف تناغم الألوان وتنوع الألوان. قام العديد من هؤلاء الفنانين ، ولا سيما ويسلر ، بدمج الزخارف اليابانية (الطاووس ، المشجعين ،

موسيقى

على الرغم من أن بعض الموسيقيين الفيكتوريين ، أبرزهم إدوارد هانسليك ، دافعوا عن الشكليات وفصل الموسيقى عن أي التزام بالتعبير عن شيء يتجاوز نفسه ، يبدو أنه لم يكن هناك موسيقيون جماليون على وجه التحديد. ومع ذلك ، كان الوسيط مصدرًا مهمًا لإلهام العديد من الرسامين الجماليين. في سبعينيات القرن التاسع عشر ، أكد الناقد والتر باتر بشكل مشهور أن “كل الفنون تتطلع إلى حالة الموسيقى”. أخذ هذا الأمر على محمل الجد من قبل الفنانين الجماليين الذين اعتقدوا أن الموسيقى توفر شكلاً مثاليًا للفن يمكن للرسم أن تحاكيه. تضمنت هذه العملية القضاء على المحتوى السردي لصالح خلق انطباع أو استحضار من خلال “تناغم” الألوان والتكوين. حتى أن الرسامين ، مثل ويسلر وفريدريك ليتون ، قاموا بتسمية لوحاتهم بعد الأشكال الموسيقية.

هندسة عامة

تم تصميم المنازل والاستوديوهات من قبل Aesthetes وأقيمت تحت إشرافها ، والتي انحرفت عن التقاليد الأكاديمية الكلاسيكية من خلال الجمع بين مصادر الإلهام التي تبدو متباينة لإنشاء تخطيط هيكلي فريد. منزل فريدريك لايتون ، على سبيل المثال ، يضم مراجع شرقية وشرق أوسطية وإيطالية من عصر النهضة. بدلاً من البهو البريطاني التقليدي أو غرفة الشاي ، يدخل الضيوف إلى ما يسمى “القاعة العربية” ، وهي غرفة مقببة مزينة بشكل متقن تمزج بين العديد من عناصر التصميم الشرق أوسطية المختلفة. في هذه الأثناء ، صمم ويسلر غرفة الطاووس الشهيرة لقطب الشحن فريدريك ليلاند ، والتي كانت مستوحاة من صندوق ورنيش ياباني. غالبًا ما تطلبت هذه المنازل الانتقائية التعاون بين الفنانين الصناعيين ، مثل ويليام موريس وتشارلز فويسي. للمهندسين المعماريين والمصممين الجماليين ،

تصميم

شهدت الحركة الجمالية ، لأول مرة ، تكريم المصممين وحتى شهرتهم بسبب مهارتهم الممتازة. قبل الجمالية ، نادرًا ما يُنسب الفضل إلى المصممين. ولكن بفضل المصمم والشاعر الاشتراكي ويليام موريس ، اكتسب التصميم كمهنة شرعية باعتباره شكلاً من أشكال الفن. كان من بين المصممين المشهورين في ذلك العصر كريستوفر دريسر وإدوارد جودوين وويليام موريس نفسه. ابتكر هؤلاء الفنانون أثاثًا وأعمالًا معدنية ومنسوجات وسيراميكًا تتميز بتصميمات هندسية وزخارف نباتية ونباتية وحيوانية مستوحاة من جماليات العصور الوسطى واليابانية. قدمت هذه التصميمات خطوطًا نظيفة وبساطة في الشكل المقصود به أن يكون ترياقًا لضجيج معظم المنتجات الفيكتورية. أنشأ بعض المصممين ، مثل موريس ، علامتهم التجارية الخاصة. آخرون ، بما في ذلك والتر كرين وكريستوفر دريسر ، تعاونت مع المتاجر والمصنعين لإنشاء منتجات لمنازل الطبقة المتوسطة. شكرا لازدهرت فكرة أوسكار وايلد عن “المنزل الجميل” ، والتي أكدت أن المنزل الداخلي يجب أن يكون جميلًا قدر الإمكان بهدف توفير بيئة ملهمة لسكانه ، وازدهرت المتاجر الجمالية التي تقدم مثل هذه المنتجات. أشهرها كان Arthur Liberty’s of London ، الذي افتتح في عام 1875 وباع منسوجات من الشرق الأوسط واليابان بالإضافة إلى سلع استهلاكية مصممة خصيصًا على الطراز الجمالي.

موضة

بحلول تسعينيات القرن التاسع عشر ، كانت المتاجر الجمالية تسوّق المنتجات الاستهلاكية لإشباع رغبة الجمهور في لعب دور Esthete. بالنسبة للبعض ، كان هذا يعني تلبيس الجزء. تخلت النساء عن الكورسيهات والأقمشة الثقيلة للحصول على مزيد من الفساتين “البوهيمية” الفضفاضة غير المنظمة والمزينة بتطريز الأزهار الرقيق. حتى أن البعض عزز لون شعرهم بالحناء. ارتدى الرجال ، المستوحى من الطاووس الذكر الباهظ (فكرة شائعة للحركة الجمالية) ، جزء من المتأنق الفخم ، مفضلين السترات المخملية ، وربطات العنق المتدفقة ، والمؤخرات. أصبح الكاتب المسرحي والروائي أوسكار وايلد ، المتأنق المطلق ، رمز المشاهير الأكثر ارتباطًا بالحركة. مثل العديد من الرجال الجماليين الآخرين ، سخر وايلد من إحساسه بالأزياء.

المؤلفات

بالنسبة للأدب الجمالي ، كما في الفنون المرئية ، فإن جمال الشكل يتفوق على نقل رسالة اجتماعية أو أخلاقية. مستوحاة من مقالات والتر باتر في أواخر ستينيات القرن التاسع عشر ، قام الكتاب الجماليون ، وأبرزهم أوسكار وايلد وألجيرنون تشارلز سوينبورن ، بتأليف قصائد ونثر حسي ومليء بالاقتراحات بدلاً من التصريحات الواضحة. تعرضت القصائد الجمالية والكتاب للسخرية من أقرانهم الفيكتوريين ، بما في ذلك جيلبرت وسوليفان بالإضافة إلى محرري مجلة بانش .

التطورات اللاحقة – بعد الحركة الجمالية

بدا النجاح الشعبي للجماليات مضمونًا عندما أصبح الرسام الجمالي فريدريك لايتون رئيسًا للأكاديمية الملكية في عام 1878. جعل لايتون مهمته التأكد من أن اللوحات التي رسمها غير الأكاديميين تحظى بالاهتمام المتساوي ويتم عرضها بشكل بارز في معرض الربيع السنوي. كما رشح فنانين جماليين آخرين ، بما في ذلك ألبرت مور وإدوارد بورن جونز ، لانتخابهم للأكاديمية.

على الرغم من أن الجمالية كانت شائعة لدى الكثير من الناس ، إلا أنها أصبحت أيضًا موضوعًا للسخرية. في عام 1881 ، كتب جيلبرت وسوليفان Patience ، أوبرا كوميدية سخرت من Aesthetes ومثلهم العليا ، بينما أنتج George du Maurier رسم كاريكاتوري شهير يصور زوجين أنيقين “جماليين” قلقين بشأن ما إذا كان بإمكانهما الارتقاء إلى نموذج إبريق الشاي الجميل.

إن عدم وجود فلسفة واحدة متماسكة لربط أعضاء الحركة معًا يعني أن بعض الفنانين انجذبوا في اتجاهات مختلفة. اشتكى الاشتراكي ويليام موريس ، على سبيل المثال ، من “خدمة الرفاهية الفاسدة للأثرياء” وسعى إلى جعل عمله متاحًا للجماهير ، وليس للأرستقراطيين التقدميين فقط. جمعت أفكاره قوة وأصبح موريس من أبرز المؤيدين لحركة الفنون والحرف اليدوية. في بريطانيا ، ألهمت مشاركته المصممين لإحياء تقنيات ما قبل الصناعة للتمييز بين براعتهم والمنتجات المصنوعة آليًا. في ألمانيا ، حيث لم يكن الاستغناء عن الآلات الحديثة منتشرًا ، تمكنت حركة باوهاوس من التوفيق بين ما لم يستطع موريس القيام به. لقد قاموا بدمج المفاهيم الجمالية للحرف والتصميم مع التكنولوجيا الحديثة لإنتاج تصاميم عالية الجودة للأدوات المنزلية ،

لا يزال الجماليات الآخرون ، وعلى الأخص أوسكار وايلد وأوبري بيردسلي ، يتعمقون أكثر في المجتمع الفيكتوري المروع من رضاه. تطورت جهودهم إلى الحركة المنحلة ، والتي سرعان ما تلاشت شعبيتها عندما أصبحت مرتبطة بالفجور والانحلال الجنسي ، جزئيًا بسبب محاكمة أوسكار وايلد وسجنه بتهمة “الفاحشة الفادحة” مع الرجال.

على الرغم من أن الإدراك العام لانخراط وايلد في الحركة الجمالية كان يعني أنها عانت أيضًا ، فقد أكدت الفكرة الحديثة “للفن من أجل الفن” مكانة الحركة في تاريخ الفن. إن فكرة أن للفن قيمته الجوهرية قد حررته من الالتزام بالحصول على معنى أخلاقي أو تاريخي. أصبح هذا الرفض للماضي (للروايات التاريخية أو الأسطورية) أمرًا حيويًا للرسامين المعاصرين. كان يعتقد أن الفنان يجب أن يتمتع بحرية التعبير – من حيث اختيار الموضوع والتمثيل الأسلوبي. هذا المفهوم للتعبير عن الذات جنبًا إلى جنب مع الرغبة في استكشاف الجوانب الشكلية للرسم (اللون والشكل والتكوين) ، بلغ ذروته في الحركة التعبيرية التجريدية في منتصف القرن ^{العشرين .}القرن ولا يزال أساسًا للاستكشاف الإبداعي للعديد من الفنانين المعاصرين في القرن ^الحادي والعشرين.