ملخص Masaccio
غالبًا ما يُنسب الفضل إلى Masaccio كأول فنان حقًا في عصر النهضة. أدت نهاية مأساوية مبكرة لحياته إلى قطع تقدمه ، لكن عمله الرائع غير مسار الفن الغربي. كان عصر النهضة المبكر فترة ازدهار ثقافي في فلورنسا ، وكان ماساشيو قادرًا على الاستفادة من الرعاية الكبيرة للفنون بين النبلاء ، الذين كانوا حريصين على التباهي بثروتهم ومكانتهم في شكل قطع بديلة وأفاريز تزين الكنائس الخاصة. لا يُعرف الكثير عن حياته ؛ ما نعرفه هو أن عمله كان مختلفًا عن عمل أي فنان آخر يعمل في فلورنسا في ذلك الوقت ، باتباع نهج عقلاني من شأنه أن يميز عصر النهضة الأوسع.
الإنجازات
- كان أحد أهم الابتكارات في الفن – وليس أقل من الهندسة المعمارية والهندسة – خلال عصر النهضة ، هو استخدام المنظور الخطي لخلق وهم العمق في عرض ثنائي الأبعاد. استوحى ماساتشيو الإلهام من الرسوم المعمارية لفيليبو برونليسكي ، الذي أعاد اكتشاف مفهوم المنظور ، الذي فقد منذ العصور الرومانية واليونانية القديمة ، وطبقه على الرسم ، مما أدى إلى تغيير مسار الفن الغربي.
- من خلال أخذ مبادئ المنظور من الهندسة المعمارية ، ودراسة الضوء والشكل من النحت ، وتطبيقها على الرسم ، ابتكر ماساشيو أعمالًا واقعية رائعة ، والتي كانت مختلفة تمامًا عن أي لوحة أخرى في ذلك الوقت. تظهر شخصياته الدينية كأشياء صلبة في فضاء ثلاثي الأبعاد. وبهذه الطريقة ، فإنهم يشغلون امتدادًا لعالم المشاهد ، كما لو كانوا خلف لوح زجاجي ، بدلاً من مستوى تصويري منفصل تمامًا كما هو الحال في فن العصور الوسطى.
- لا توضح واقعية لوحات ماساتشيو المبادئ العلمية التي كانت أساسية في تطور عصر النهضة فحسب ، بل إنها تقرب الأشخاص المقدسين من المشاهد وتجعلهم يبدون أكثر إنسانية ، مما يؤدي إلى إحداث تغيير في العلاقة بين الناس وإلههم. .
فن مهم من Masaccio
تقدم الفن
هذا هو أقدم عمل معروف لماساتشيو ، بتاريخ 23 أبريل 1422 في النقش الذي يمتد على طول الحافة السفلية للوحات الثلاثة. تم تكليفه من قبل عائلة فاني كاستيلاني في فلورنسا وأقاموا في الأصل في كنيسة سان لورينزو ، قبل أن يتم نقلهم إلى سان جيوفينالي. تم تصميمه ليكون بمثابة مذبح ، ويفترض أن يكون لمصلى ثانوي للكنيسة ، مع المشهد المعتاد للعذراء والطفل على لوحته المركزية. على الجناح الأيسر يوجد القديس بارثولوميو وسانت بليز ، وعلى اليمين يوجد القديس أنتوني وسانت جوفينال (أو سان جيوفينال) ، وجميعهم تم تحديدهم من خلال تسميات الأسماء في النقش أدناه.
تُظهر الطريقة التي تُصوَّر بها الأرقام التأثير العميق لجيوتو ، الفنان الذي كان في طليعة عصر النهضة قبل قرن من الزمان. ومع ذلك ، فإن الطريقة التي يتراجع بها عرش العذراء في الخلفية ، ووضع الأشكال في مساحة واقعية خلف مستوى الصورة تُظهر استخدامًا مبتكرًا للمنظور ، والذي كان حديثًا بشكل واضح في ذلك الوقت. تُظهر بساطة الأشكال والتكوين ، إلى جانب هذه المساحة الواقعية ، أن Masaccio كان يبتعد بالفعل عن الأسلوب القوطي الدولي ، رافضًا الزخرفة المتقنة والمساحة التصويرية غير المعقولة التي يفضلها فنانين مثل Lorenzo Monaco و Gentile da Fabriano. تحتوي هذه اللوحة المبكرة على عناصر من المنظور الخطي والوحدة التركيبية التي من شأنها أن تميز أعماله المستقبلية.
تمبرا على لوحة – متحف ماساتشيو ، فلورنسا
يُعتقد أن هذه اللوحة ، التي تُظهر العذراء والطفل مرة أخرى ، هذه المرة مع والدتها جالسة خلفها ، كانت بالتعاون مع ماسولينو. وفقًا لجورجيو فاساري ، كان المبنى قائمًا في الأصل في كنيسة سان أمبروجيو في فلورنسا بجوار مدخل حي الراهبات. يبدو هذا المكان المناسب لهذه اللوحة مع التركيز على السيدة العذراء ووالدتها القديسة آن ، حيث تم اعتبارهما نموذجًا لامرأة مسيحية مثالية. قد يشير النسيج الدمشقي المعقد خلف القديسة آن إلى الراعي المحتمل للوحة ، Nofri Buonamici ، الذي كان ينسج من الحرير.
في حين أن بعض أجزاء هذه اللوحة لا تزال تظهر اليد القوطية لماسولينو ، إلا أن أسلوب الرسم المبتكر لماساسيو واضح. إنه مرئي بشكل خاص في المسيح الطفل ، الذي لم يُصوَّر على أنه كروب قوطي ولكن كطفل رضيع واقعي. يمكن للمرء أيضًا أن يرى كيف رسم Masaccio الأشكال كما لو كانت مضاءة بمصدر ضوء حقيقي واحد إلى اليسار ، بدلاً من التوهج الشامل الموجود في الرسم القوطي. بينما تُظهر الأشكال المستديرة بعض التأثير من Donatello ، يمكن للمرء أيضًا أن يرى في هذه اللوحة تطور أسلوب Masaccio الفردي.
تمبرا على لوحة – معرض أوفيزي ، فلورنسا
هذا المشهد الجداري هو واحد من عدة مشاهد تصور من حياة القديس بطرس ، رسمها ماساتشيو بالتعاون مع الرسام ماسولينو في كنيسة برانكشي في سانتا ماريا ديل كارمين في فلورنسا. تخلى ماسولينو ، الذي كان يعمل بالفعل في الكنيسة لبضع سنوات ، عن العمل في النهاية ، كما فعل ماساتشيو عندما غادر إلى روما ، حيث توفي عام 1428 ، وأكمله فيليبيني ليبي في النهاية بين عامي 1481 و 1485. تسببت الحرائق والإضافات التي قام بها فنانون لاحقون في خسائر فادحة ، وتم التعرف على اللوحات الجدارية التي نجت على أنها من أهم اللوحات الجدارية في فلورنسا.
يُظهر هذا القسم المسيح وتلاميذه في كفرنيكوم ، حيث يُطلب منهم دفع الضرائب. في الوسط ، يواجه جابي الضرائب المسيح وتلاميذه ، وعلى اليسار يجمع الصياد بيتر الذهب من فم سمكة ، وفقًا لتعليمات المسيح ، وعلى اليمين يسلم بطرس المال.
تجسد هذه اللوحة استخدام Masaccio الماهر للمنظور – منظور الغلاف الجوي في الجبال إلى اليسار ، والمنظور الخطي في المبنى إلى اليمين ، وهي تقنية سيكون لها تأثير كبير على فناني عصر النهضة اللاحقين مثل Piero della Francesca و Paolo Uccello. تمت دراسة الامتياز الفني لهذه اللوحة ورسمها من قبل عدد لا يحصى من الفنانين ، من مايكل أنجلو إلى فيليب جوستون. كان Masaccio من أوائل الفنانين الذين استخدموا المذهب الطبيعي والمنظور بهذه الطريقة ، مما خلق مساحة واقعية جدًا بحيث يظهر مستوى الصورة كنافذة أكثر من كونه سطحًا مستويًا. تحاكي أوضاع الشخصيات التماثيل الكلاسيكية ، وتذكر ملابسهم المكسوة بالتي كان يرتديها الفلاسفة الكلاسيكيون. على الرغم من أن اللوحة لها موضوع سردي ، ركز Masaccio على الترتيب المتناغم للأرقام بدلاً من القصة. يشير مؤرخ الفن ريتشارد أوفنر إلى أن معنى اللوحة موجود “في الدرجة التي تعكس فيها [الأشكال] نظامًا عالميًا” ؛ بعبارة أخرى ، يعكس التكوين التوازن والتنظيم اللذين منحهما الله للطبيعة.
فريسكو – سانتا ماريا ديل كارمين ، فلورنسا
واحدة من أشهر المشاهد التي رسمها Masaccio ، تشكل هذه اللوحة الجدارية جزءًا من الدورة التي رسمها في Brancacci Chapel. يصور اللحظة التي طرد فيها آدم وحواء من جنة عدن بعد ارتكاب الخطيئة الأصلية.
على عكس العديد من لوحات Masaccio الأخرى ، لا تركز هذه اللوحة الجدارية على المساحة والمنظور بل على الوزن العاطفي للمشهد. كان الشعور بالألم في وجوه وطرح آدم وحواء مبتكرًا لمشهد عومل دائمًا بجاذبية بلا تعبير في صور العصور الوسطى. على عكس لوحة إغراء آدم وحواء ، التي رسمها ماسولينو في نفس الكنيسة ، تؤكد لوحة ماساشيو على حقيقة الألم البشري الضمني للقصة. تكتب الأكاديمية سالي مونت عن اللوحة ، “أجد فيها أملًا غريبًا وغريبًا تقريبًا ، يمكن رؤية تلميحات الجمال وسط هذا الألم”. جعل التعبير الجديد عن العاطفة في هذه اللوحة تأثيرًا كبيرًا خلال عصر النهضة ، حتى أنه ألهم تصوير مايكل أنجلو للمشهد في كنيسة سيستين. هذه “الحيوية الجميلة في شبه الطبيعة” ، كما وصفها جورجيو فاساري ، مأخوذة جزئيًا من دراسة النحت الكلاسيكي. وضع حواء هو الكلاسيكيفينوس بوديكا ، امرأة عارية تظهر يديها وتغطي أجزاءها الخاصة ، في حين أن جذع آدم قد يكون مستوحى من تمثال أبولو بلفيدير الشهير في الفاتيكان. توضح اللوحة مشاركة ماساتشيو في الحركة الإنسانية الجديدة في فلورنسا والتي قدَّرت دراسة الفنانين والفلاسفة القدامى. استمرت هذه اللوحة في جذب اهتمام الفنانين حتى يومنا هذا ، مع ظهور الشخصيات مرة أخرى في أعمال مثل طرد فريد توماسيلي ( 2000).
فريسكو – سانتا ماريا ديل كارمين ، فلورنسا
هذه لوحة من الحافة السفلية لمذبح ، تُعرف باسم “بريدلا” ، تم تكليفها بكنيسة سانتا ماريا ديل كارمين في بيزا. لسوء الحظ ، تم تفكيك المذبح ، وحتى الآن لا يمكن أن يُنسب إليه بشكل قاطع سوى أحد عشر لوحة. اللوحة المركزية تصور العذراء والطفل. يُظهر هذا القسم مشهدين دراماتيكيين وعنيفين للاستشهاد من العهد الجديد. يفصل بين كل مشهد شريط من أوراق الذهب. على اليسار ، يُسمَّر القديس بطرس على الصليب. طلب أن يُصلب رأسًا على عقب حتى لا يُقارن بشكل غير مستحق بالمسيح. على اليمين ، يوشك رجال الملك هيرودس على قطع رأس القديس يوحنا المعمدان بناءً على طلب سالومي.
يوضح المشهد الموجود على اليسار استخدام Masaccio الماهر للمنظور الخطي ، وصولاً إلى تقصير هالة القديس بطرس. يبدو أن الإجراء يحدث في مساحة خلف مستوى الصورة ، وتظهر الأشكال داخل هذا الفضاء ككائنات صلبة ثلاثية الأبعاد. يبدو أن الرجلين على جانبي القديس بطرس يميلان إلى الأمام في الفضاء ، نحو المشاهد ، وهما يدقان المسامير على الصليب.
تمبرا على لوحة – Staatliche Museen ، برلين
تعتبر هذه اللوحة الجدارية ، المرسومة على جدران سانتا ماريا نوفيلا في فلورنسا ، من روائع ماساتشيو. يظهر الرعاة الذين كلفوا بالعمل راكعين في مقدمة اللوحة ، لكن لا يمكن تحديدهم على وجه اليقين. تصور اللوحة صلب المسيح ، مع الأشكال العرفية للعذراء والقديس يوحنا عند سفح الصليب. ومع ذلك ، فإن المشهد يتحدى تقاليد عصر النهضة من نواح كثيرة لدرجة أنه ظل لغزًا ، على الرغم من دراسته من قبل العلماء لمئات السنين. تُعرف اللوحة باسم الثالوثبسبب تصويرها للمسيح مع الله ورائه ، والحمامة البيضاء للروح القدس تحوم بين رؤوسهم. على الرغم من أن التصوير المجازي لله لم يكن من المحرمات الدينية في ذلك الوقت ، إلا أنه عادةً ما كان يُصوَّر في عالم غير أرضي ، ويمثل السماء ، وليس في الفضاء الملموس للكنيسة.
غالبًا ما يُنظر إلى تجسيد الفضاء ثلاثي الأبعاد في هذه اللوحة على أنه يمثل قمة إتقان ماساتشيو التقني. المنظور دقيق للغاية لدرجة أن العلماء المعاصرين تمكنوا من إنشاء الفضاء الخيالي الموضح في اللوحة كنموذج ثلاثي الأبعاد رقميًا. إن فن الرسم الرائع الذي سمح لماساتشيو بإنشاء مثل هذه المساحة الواقعية يعطي إحساسًا بأن الصلب يحدث أمام أعين المشاهد مباشرةً ، في الكنيسة نفسها. هذا يضفي على الصورة طابعًا فوريًا يربط المشاهد على الفور بآلام المسيح ، ليس فقط كإله ولكن كشخص زميل.
تعكس الصورة لوحة سابقة ، العذراء والطفل مع القديسة آن، حيث تظهر والدة الإله مع والدتها تقف خلفها. إن تصوير الله كأب ، يقف وراء ابنه ، يسمح للمشاهد بالتواصل مع الثالوث الأقدس على مستوى أكثر إنسانية ، وهو فعل جذري في وقت كان للكنيسة الكاثوليكية تسلسل هرمي صارم أصر على أن الجمهور لا يمكنه الاتصال إلا بالثالوث الأقدس. مع الله بواسطة كهنة اختارتهم الكنيسة. إنه يوحي بمرحلة إنسانية جديدة في الفن والفلسفة كانت قد بدأت مع بداية عصر النهضة. ومع ذلك ، فإن العمارة الخيالية للفضاء تتضمن درجات من الفصل. الله فوق وخلف يسوع ، الذي هو فوق القديسين ، والمتبرعون قريبون من الله بحكم كرمهم للكنيسة ، والمشاهد يقف أسفل المشهد ناظرًا إلى الداخل. على مستوى العين ، و “تحت” الأرض الخيالية للوحات و هي صورة طبيعية لمقبرة به هيكل عظمي ملقى فوقها. محفورة في القبر باللغة الإيطالية عبارة “كنت ذات مرة ما أنت عليه ، وما أنا سأكون عليه”. هذا يتحدث مباشرة إلى المشاهد عن فنائهم ، وهم ينظرون إلى صورة المسيح وهو يحتضر من أجل خلاصهم.
أطلق عليه مؤرخ الفن ريتشارد فيلاديسو “أحد الأعمال الرائدة في أوائل عصر النهضة” ، وقد استمر هذا العمل في جذب انتباه الفنانين منذ أن تم رسمه لأول مرة ، حيث استوحى فرانسيس بيكون من تكوينه لوحته (1946).
سيرة ماساتشيو
الطفولة والسنوات الأولى
ولد ماساتشيو توماسو دي سير جيوفاني دي سيموني كاساي في شتاء عام 1401 في بلدة قريبة من فلورنسا. كان والده Ser Giovanni di Simone Cassai ، كاتب عدل ، ووالدته Monna Iacopa ، ابنة صاحب نزل. أصبح ماساتشيو وشقيقه جيوفاني رسامين ، على الرغم من أن أياً من والديهما لم يكن فنانين. ومع ذلك ، كان جدهم صانع خزانات خشبية ( كاسوني ) ، والتي غالبًا ما كانت مطلية ، واسم العائلة كاساي مشتق من كلمة “نجار” في الإيطالية. واصل جيوفاني العمل على مثل هذه الأشياء طوال مسيرته الفنية ، مما أكسبه لقب Lo Scheggia (المنشق) بسبب هذا ، بالإضافة إلى بنيته النحيلة.
يبدو أن ماساتشيو كان يميل فنياً منذ الطفولة. أصبح يُعرف بـ “Masaccio” ، بمعنى “أخرق توم” ، لأنه لم يعر أي اهتمام للناس أو السياسة أو مظهره الشخصي ، مفضلاً التركيز على فنه. مع من تدرب ماساشيو غير معروف ، على الرغم من أنه من المحتمل أنه كان سيحصل على تدريب مهني في سنوات مراهقته ، كما كان معتادًا بالنسبة للفنانين الشباب في ذلك الوقت. بعد قرن من الزمان ، ادعى مؤرخ الفن المبكر جورجيو فاساري أن “ بعض الشخصيات التي رسمها في طفولته المبكرة لا تزال على قيد الحياة في مسقط رأس ماساتشيو ، على الرغم من فقدان أي من هذه اللوحات الآن.
فترة النضج
في عام 1422 انضم إلى نقابة فلورنتين للرسم ، فلورنتين آرتي دي ميديسي إي سبيتسيالي ، مشيرًا إلى أنه كان يعمل كفنان مستقل في المدينة بحلول هذا الوقت. التاريخ الدقيق لانتقال ماساتشيو إلى فلورنسا غير معروف ، ويمكن أن يكون في وقت مبكر مثل مناسبة زواج والدته الثاني في عام 1412.
لم يُعرف الكثير حتى عام 1423 ، سافر إلى روما مع ماسولينو ، وهو فنان كان يتعاون معه طوال حياته المهنية. هناك درس التماثيل الكلاسيكية ، التي سيبدأ في دمج أشكالها في لوحاته عندما ابتعد عن النمط القوطي الشهير آنذاك . عند عودته ، بدأ العمل في عدد من لوحات مذبح الكنائس في فلورنسا ، بعضها مع Masolino. كانت الفنون في فلورنسا مزدهرة ، وخلال هذا الوقت تعرض ماساشيو لعمل فنانين مثل برونليسكي ودوناتيلو. برونليسكي ، مهندس معماري ، “اكتشف” مفهوم المنظور الخطي ، والذي كان له تأثير كبير على عمل ماساتشيو ، وتأثير منحوتة دوناتيلو واضح في التصوير “النحت” للأشكال في أعمال ماساتشيو الناضجة.
الفترة المتأخرة
وصلت مكانة Masaccio المتنامية إلى ذروتها في عام 1425 ، حيث انضم إلى Masolino لرسم سلسلة من اللوحات الجدارية لتزيين كنيسة Brancacci الصغيرة في كنيسة Santa Maria del Carmine في فلورنسا. ستثبت هذه اللوحات الجدارية الضخمة أنها بعض من أهم أعماله المهنية ، حيث تعرض مشاهد من الكتاب المقدس الذي رسمه لمرافقة تلك التي قام بها ماسولينو. عندما سافر ماسولينو إلى المجر في وقت لاحق من ذلك العام ، تُركت الزخرفة لماساتشيو وحدها. واصل العمل عليها لبعض الوقت ، حتى عاد إلى الكنيسة بين العمل في اللجان الأخرى. خلال هذا الوقت ، بدأ Masaccio في تلقي اللجان المرموقة الأخرى ، وعلى الأخص للجص في كنيسة سانتا ماريا نوفيلا.
سافر ماساتشيو إلى روما عام 1428 ، حيث توفي في النصف الثاني من العام عن عمر يناهز 26 عامًا فقط. لا تزال الظروف المحيطة بوفاته غامضة. يشير حساب درامي إلى حد ما إلى أنه قد تم تسميمه من قبل فنان منافس (ليس مستحيلًا بالنظر إلى القدرة التنافسية الشديدة لعالم الفن في ذلك الوقت) ، على الرغم من أن الكثيرين يعتقدون الآن أنه مات بسبب الطاعون. على أية حال ، كما قال برونليسكي ، في وفاة ماساتشيو “لقد تعرضنا لخسارة كبيرة للغاية”.
تراث ماساتشيو
على الرغم من مسيرته القصيرة ، أثبت Μassacio أنه أحد أهم فناني عصر النهضة المبكر. غالبًا ما يُنظر إليه على أنه واحد من أوائل فناني عصر النهضة ، وقد تمت دراسة أعماله واستخدامها كمصدر إلهام لمن هم في الحركة من بعده مثل Fillipo Lippi و Fra Angelico و Andrea del Castagno. تأثر بييرو ديلا فرانشيسكا بشكل خاص باستخدامه للمنظور الخطي ، ولاحقًا في عصر النهضة ليوناردو دافنشي ورافائيل ومايكل أنجلوتأثروا جميعًا بتصويره النحتي للشكل البشري. تم الإعلان عن Masaccio كواحد من أهم الشخصيات في تاريخ الرسم الغربي ، حيث قدم المنظور والطبيعية التي من شأنها أن تميز فن عصر النهضة ، واستمرت في الهيمنة على الفن الأوروبي الغربي حتى أواخر القرن التاسع عشر.
إنها شهادة على براعة ماساتشيو أن تأثيره لم يتلاشى مع عصر النهضة ، أو مع الاضطرابات الفنية في أواخر القرن التاسع عشر وأوائل القرن العشرين ، والتي بدأت في تحدي الطبيعة والمنظور. قام العديد من أعضاء مجموعة بلومزبري ، وهو مجتمع فني متماسك نشط في النصف الأول من القرن العشرين ، برسم أعماله في كنيسة برانكاكسي ، ودرسوا استخدامه للضوء لخلق أشكال نحتية صلبة. من مجموعة بلومزبري ، يمكن رؤية تأثيره بشكل أكثر وضوحًا في اللوحات التصويرية لدانكان جرانت ، الذي قضى عامين في إيطاليا بين 1902 و 1903 لنسخ ماساتشيو. ستانلي سبنسر وفيليب جوستون واستلهم منه بالثوس أيضًا ، كما فعل فنانو بيتورا ميتافيسيكا ، وهو سلف إيطالي للسريالية ، والذي تطلع إلى ماساتشيو لاستخدامه الشكل والمنظور الخطي ، فضلاً عن دوره في تراثهم الفني الإيطالي. يظهر هذا بشكل أفضل في لوحات جورجيو دي شيريكو ، الذي دمج منظور النقطة الواحدة و “الأشكال النحتية” – التي تظهر كمنحوتات حرفية – من ماساتشيو إلى عمله الخاص.