الحركة التكلفية

ملخص التكلف

أطلقت Mannerism فترة خيالية للغاية في الفن بعد ذروة الكمال التي وصلت إليها اللوحة الطبيعية في عصر النهضة بإيطاليا. بدأ الفنانون في القرن ^السادس عشر في فلورنسا وروما في الابتعاد عن التأثيرات الكلاسيكية والتحرك نحو نهج أكثر فكرية وتعبيرية. أدى هذا إلى انحراف عن التصوير الحقيقي للأشكال والموضوعات ، ورفض الانسجام ، وتطوير أسلوب دراماتيكي جديد غير مقيد بالمستوى التصويري أو الواقع أو الدقة الحرفية. كما أن عدم التماثل الجذري ، والحيلة ، والزخرفة ، كانت مصدر إلهام لهذه الحركة. أدت الاكتشافات الجديدة في العلوم إلى ابتعاد المجتمع عن المُثُل الإنسانية ، ولم تعد اللوحات تصور الإنسان كمركز للكون ، بل كمشاركين منعزلين في الأطراف في أسرار الحياة العظيمة.

يقسم بعض العلماء المزيد من التكلف إلى فترتين. الأسلوب المبكر ، الذي عبر عن نهج معاد للتقليدية واستمر حتى عام 1535 ، تبعه أسلوب التصرف العالي حيث جذب أسلوب أكثر تعقيدًا ومصطنعًا إلى رعاة أكثر تطوراً ، ليصبح نوعًا من أسلوب المحكمة. في وقت لاحق ، استخدم لويجي لانزي ، مؤرخ الفن وعالم الآثار في القرن ^السابع عشر ، مصطلح Mannerism للإشارة إلى فترة معينة من تاريخ الفن . ستصبح الفترة سابقة لعصر الباروك.

الأفكار والإنجازات الرئيسية

• كان أحد العناصر الرئيسية في Mannerism هو استخدام المجاز السربنتيناتا ، أو “شخصية سربنتين” في تصوير الأجسام البشرية. بأطراف ممتدة ، وأشكال ممدودة ، ونعمة سائلة على شكل حرف S ، قدمت هذه الأشكال عالمًا آخر بعيدًا عن عمليات الترحيل السري الكلاسيكية.
• قدمت العديد من أعمال Mannerist أفرادًا أو مشاهد في أوضاع غير طبيعية ، في كثير من الأحيان دون أي أساس سياقي ، ودعت المشاهد إلى تجربة فلسفية أكثر من القراءة الحرفية للعمل.
• كان نطاق Mannerism واسعًا ، حيث ظهرت العديد من المدارس المهمة لتجربة هذا الشكل الجديد. ومع ذلك ، بينما اعتمدت كل مدرسة على ارتباطاتها الأصلية وتقاليدها الثقافية ، ظلت أساليب العرض كما هي إلى حد كبير.
• عززت موضوعات وموضوعات Mannerism أنواع مدرسة البندقية وشرحها. كانت الموضوعات الأسطورية والاستعارية ذات الطابع المثير ، والهندسة المعمارية ، والمناظر الطبيعية ، والرعاة من الأشكال الشائعة ، وإن كانت تطورت من خلال الجماليات الجديدة المتغيرة.

الفنانين الرئيسيين

• بارميجيانينو نظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية
• إل جريكو نظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية
• جوزيبي اركيمبولدو نظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية
• تيتيان نظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية
• برونزينو نظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية
• أرتميسيا جينتيليشين ظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية
• كارافاجيو نظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية
• باولو فيرونيزي نظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية
• سوفونيسبا أنجيسولان ظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية
• جورجيو فاساري نظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية

الأعمال الفنية والفنانين من Mannerism

تقدم الفن

ج. 1524

صورة شخصية في مرآة محدبة

الفنان: Parmigianino

تُظهر هذه الصورة الذاتية الأيقونية الفنان ، البالغ من العمر 21 عامًا ، وهو ينعكس وهو ينظر إلى ما يبدو أنه مرآة. يده المشوهة ، المخففة ، تملأ الجزء السفلي من الصورة ، وتدعو المشاهد إلى المشهد الحميمي. جميل ، تقريبًا ملائكي ، نظرته مستبطنة ومركزة بقوة ثابتة. أقمشة ملابسه ، والبقع متعددة الألوان من الفراء باهظ الثمن ، والهدب المزركش من كمه ، والأبيض من خط العنق ، كلها مزينة بتلاعب خفيف من الضوء يبدو دقيقًا على الرغم من أن ضربات الفرشاة تكاد تكون انطباعية.

قصد الفنان هذا باعتباره جولة القوةحيث كانت إحدى اللوحات التي أخذها معه إلى روما عندما كان يسعى لرعاية البابا كليمنت السابع. كان العمل مبتكرًا بشكل ملحوظ ، حيث رسم الصورة على لوحة محدبة. من المفترض أن يكون لديه نجار يصنع كرة خشبية ثم تُنشر إلى نصفين ، بحيث يشبه العمل مرآة الحلاق. اعتبر معظم فناني عصر النهضة المرآة أداة للمراقبة وتطبيع الصور المرسومة من الانعكاسات. لكن بارميجيانينو أبقى على التشوهات من أجل خلق مسرحية معقدة على طبيعة الإدراك نفسه.

كانت الانعكاسية الذاتية في العمل حديثة بشكل ملحوظ. كتب الناقد الفني مايكل جلوفر ، والنتيجة هي “واحدة من أكثر الصور غموضًا في القانون الغربي بأكمله.” بالإضافة إلى ذلك ، صرح مؤرخا الفن ديفيد جي ستورك وياسو فورويتشي أن “اهتمامه بالاستبطان النفسي ، والإيمان بالواقع المرئي المتغير غير الدائم ، والتجريب في العلوم المظلمة للكيمياء ، والذكاء ، ورغبة الشباب في إظهار براعته الفنية تجد جميعها تعبيرًا عنها . “

أصبح بارميجيانينو واحدًا من أكثر الشخصيات المؤثرة تأثيرًا ، على الرغم من وفاته عن عمر يناهز السابعة والثلاثين. امتد نفوذه إلى صناعة الطباعة وأطلق عليه “أبو النقش”. كتب جون آشبري ، الشاعر والناقد الأمريكي ، قصيدة طويلة في كتابه بعنوان Self-Portrait في مرآة محدبة(1975) ، مستوحى من هذه القطعة.

زيت على لوحة محدبة – متحف Kunsthistorisches ، فيينا

1525 – 28

ترسب من الصليب

الفنان: جاكوبو دا بونتورمو

يصور هذا المذبح دوامة من الشخصيات المنكوبة والحزينة أثناء قيامهم بإنزال جسد المسيح الميت ، وجذعه الشاحب الممدود المرسوم في منحنى أفعى يمتد عبر المركز السفلي للعمل. العذراء مريم ، مرتدية اللون الأزرق ، باهتة في أعلى اليمين. على الرغم من أنه يُعتقد أن العمل هو ترسب من الصليب ، فقد ترك الفنان بشكل مبتكر الصليب ، وأضف أيضًا عددًا من الشخصيات ، بما في ذلك الرجل الذي لمّح وجهه إلى أقصى اليمين ، ويُعتقد أنه صورة ذاتية لـ الفنان. نظرًا لأن تكوين اللوحة يؤكد على الإيماءات الدوامة للأشكال والأردية ، فإن كل وجه يشبه نقطة العزلة الثابتة ، وتعبيرها الأبيض الصادم يردد صدى وجه المسيح الميت.

شهد هذا العمل وصول أسلوب Mannerist بلوحة ألوانه غير العادية ، وشكله الممدود في أوضاع مشوهة ، وخلقه لمساحة تصويرية غير واقعية. ربما كان تأثير بونتورمو أعظم على برونزينو ، على الرغم من أنه أثر أيضًا على فاساري وإل جريكو ، بالإضافة إلى فنانين آخرين أقل شهرة في ذلك الوقت مثل مورانديني ونالديني وسلفاتي.

زيت على قماش – كنيسة سانتا فيليسيتا ، فلورنسا

1535-40

مادونا ذات العنق الطويل

الفنان: Parmigianino

يركز هذا العمل على مادونا ، التي تملأ وسط اللوحة بأطرافها المخففة ومقياسها الضخم. طفل عاري يسوع يتكئ في حضن أمه بينما تتجمع الملائكة حولهم. شكله الشاحب وذراعيه العرجاء وعيناه المغلقتان تخلق تأثيرًا مقلقًا يذكرنا ببيتا المحزن. تعبير ماري هو أيضًا غير تقليدي. نظرًا لأنها تمسك بأصابعها الأنيقة ولكن الطويلة جدًا على قلبها ، وتنظر إلى الأسفل بابتسامة خفيفة ، فإنها تبدو مرتبكة وبعيدة. ينتج تنافر بين الصورة الدينية المؤلمة وصورة ما يمكن أن يكون أرستقراطيًا عصريًا ولكنه منفصل عاطفياً. الملائكة أكثر حيوية ، لكنها تثير فضول وحيوية الأطفال العاديين أكثر من الوجود الإلهي. الإعداد المعماري ، مع نقل التأثير “الكلاسيكي” ، لا يتم تقديمه بشكل كلاسيكي مع منظور خطي ، ونتائج الغموض المقلقة. على يمين العمود ، تمثال صغير جدًا للقديس جيروم ، أطرافه ممدودة ، وهو يحمل لفافة بينما ينظر للخلف من فوق كتفه.

كان عنوان العمل شائعًا “مادونا ذات العنق الطويل” ، حيث يستحضر خط ماري الرشيق البجعة. في عام 1534 تم تكليف هذا العمل بمصلى فرانشيسكو تاغليفيري الجنائزي في بارما لكنه ترك غير مكتمل في عام 1540 عندما توفي الفنان. ربما ، لم يأت أي عمل آخر لتمييز نهج Mannerist ، حيث قام الفنان بسحب كل المحطات في خلق معالجة غير تقليدية للفضاء والشكل. كما كتب إي إتش جومبريتش ، “بدلاً من توزيع شخصياته في أزواج متساوية على جانبي مادونا ، حشر حشدًا من الملائكة في زاوية ضيقة ، وترك الجانب الآخر مفتوحًا على مصراعيه لإظهار الشكل الطويل للنبي ، لذلك تقلص حجمه من خلال المسافة التي لا يكاد يصل فيها إلى ركبة مادونا. لا يمكن أن يكون هناك شك ، إذا كان هذا جنونًا فهناك طريقة فيه “.

زيت على خشب – معرض أوفيزي ، فلورنسا

ج. 1545

إليانور توليدو

الفنان: Bronzino

تُظهر هذه الصورة إليانور توليدو ، الزوجة الإسبانية لكوزيمو الأول دي ميديشي ، ثم دوق توسكانا الأكبر ، وأحد أبنائها على يمينها. يناقش العلماء أي من الأبناء الثلاثة للزوجين يصور ، على الرغم من أن معظمهم يرى أنه وفقًا لتاريخ اللوحة ، يجب أن يكون ابنهما الأوسط ، جيوفاني. تقع يد إليانور على كتف ابنها ، وتشير الإيماءة ، جنبًا إلى جنب مع ارتدائها ثوبًا برمز الرمان الذي يرمز إلى الأمومة ، إلى دورها كنوع من مادونا العلمانية.

كانت هذه الصورة جزءًا من زوج ، والآخر هو صورة برونزينو لكوزيمو الأول. كان القصد من اللوحة أن تكون صورة مثالية ، تعكس استقرار الحاكم وثروة عائلته وكرامتها ، لكن التأثير العام غامض. المسافة ، كما كتب الفنان ، الشاعر البارز ، “صلب من الداخل وجليد من دونه”. تعبير إليانور غير مقروء ، مظهرها ، قناع يخلق حضورًا اجتماعيًا لا يمكن اختراقه. كما لاحظ الناقد الفني جيمس هول ، في العمل ، “يتم كبح المذهب الطبيعي بألوان وخطوط وأنماط وأشكال شبه معلومة. نساءه اللواتي يرتدين ملابس قوية يغرين ويذهلن”.

يتم التركيز بشكل كبير على الفستان الحريري الباهظ الثمن ، المكسو بالأرابيسك الأسود وحلقات اللحمة الذهبية ، مما دفع بعض النقاد إلى القول بأن العمل كان أيضًا ، في الواقع ، استخدامًا رائدًا لوضع المنتجات ، ويدعو إلى صناعة الحرير الفلورنسي التي كوزيمو أنا قد أحيت. كتب الناقد الفني رودريك كونواي موريس ، “الأكثر شهرة هي الصورة المهيبة التي تشبه مادونا لقرينة كوزيمو ، إليونورا من توليدو ، والتي يعتبر فيها فستانها المزركش الرائع والمراقب بدقة ، من الناحية المالية ، يستحق عشرات اللوحات ، هو بطل الرواية بقدر ما الدوقة نفسها “.

أثرت الصورة على فناني ^{القرن العشرين} ، كما رأينا في لوحة فريدا كاهلو لأليسيا جالانت (1927).

زيت على لوحة – معرض أوفيزي ، فلورنسا

ج. 1545

رمزية مع فينوس وكوبيد

الفنان: Bronzino

تصور هذه اللوحة المجازية ، ولكن الغامضة ، كوكب الزهرة في المنتصف ، وقد انحرفت صورتها لتحويل جذعها الناعم المرمر نحو المشاهد. كيوبيد عارية ، وهو ابنها من علاقة زانية مع المريخ ، يحتضنها بينما تلامس يده اليمنى صدرها ويساره يدير رأسها نحوه لتقبيل. يمثل كيوبيد الرغبة عالميًا ، وقد صور الفنان بشكل صادم الاثنين على أنهما عاشقان ، على الرغم من أن العمل يبدو أيضًا وكأنه عرض مسرحي مع أقنعيه ، على غرار تلك التي ترمز إلى المأساة والكوميديا ​​، ملقاة في أسفل اليمين. إضافة إلى الغموض ، على يسار كيوبيد ، تمسك رأسها بشخصية صقر قريش ، بينما ، في الأعلى ، يطفو وجه في الملف الشخصي ، ويداها تكشفان القماش الأزرق الملتف للخلفية. على اليمين يحمل باقة من الزهور الوردية الزاهية في يديه المرفوعتين ، خطوة مبهجة إلى الأمام. وخلفه عبارة عن وهم يجمع بين وجه الفتاة وجسم مفكك يبدو جزءًا منه حيوانًا وجزءًا طائرًا ، وشوكة عقرب على ظهرها ، تحمل قرصًا عسلًا. لقد نوقش معنى الأشكال كثيرًا ، حيث يصف بعض العلماء الوهم بالمتعة والاحتيال ، والشخص الموجود على اليسار يمزق شعره بالغيرة ، والبوتو بالحماقة. يبدو أن الرجل الغاضب الذي يلوح رأسه في أعلى اليمين ، وذراعه وكأنه يمزق قطعة القماش الزرقاء المحجبة ، بينما يمكن رؤية ساعة زجاجية خلفه ، هو الوقت. يقدم العمل لغزًا شهوانيًا يورط المشاهد. كما يعرف بعض العلماء الوهم بالسرور والاحتيال ، والشخص الموجود على اليسار يمزق شعره بالغيرة ، والبوتو بالحماقة. يبدو أن الرجل الغاضب الذي يلوح رأسه في أعلى اليمين ، وذراعه وكأنه يمزق قطعة القماش الزرقاء المحجبة ، بينما يمكن رؤية ساعة زجاجية خلفه ، هو الوقت. يقدم العمل لغزًا شهوانيًا يورط المشاهد. كما يعرف بعض العلماء الوهم بالسرور والاحتيال ، والشخص الموجود على اليسار يمزق شعره بالغيرة ، والبوتو بالحماقة. يبدو أن الرجل الغاضب الذي يلوح رأسه في أعلى اليمين ، وذراعه وكأنه يمزق قطعة القماش الزرقاء المحجبة ، بينما يمكن رؤية ساعة زجاجية خلفه ، هو الوقت. يقدم العمل لغزًا شهوانيًا يورط المشاهد.

يُعتقد أن كوزيمو الأول أمر بتقديم العمل إلى الملك فرانسيس الأول ملك فرنسا. كان القصد منه جذب الأذواق المثيرة للمحكمة ونجح برونزينو من خلال أسلوبه البارد للزهرة كتمثال ثمين من المرمر ، بينما تستحضر الأقمشة الفاخرة والأقنعة المهملة العديد من الكرنفالات في ذلك الوقت ، مما خلق بيئة أرستقراطية ، والتي كان جزءًا من جاذبية العمل.

أدان النقاد اللاحقون مثل جون روسكين وبرنارد بيرينسون العمل على وجه التحديد بسبب اصطناعيته وانحرافه. ومع ذلك ، فإن الفنانين مثل جاك لويس ديفيد ، وبابلو بيكاسو ، وهنري ماتيس ، وجورجيو دي شيريكو ، استلهموا لاحقًا من “سيد المشهد الجنسي المهذب” ، كما وصف موريس برونزينو. كانت اللوحة أيضًا حضورًا ثقافيًا ، مشار إليها في روايات إيريس مردوخ وروبرتسون ديفيز ، في مانجا ياسوكو أويكي من Eroica with Love (1976-2010) ، وفيلم Lina Wertmüller Seven Beauties (1975).

زيت على خشب – المتحف الوطني ، لندن

ج. 1544-45

الرحلة إلى مصر

الفنان: جاكوبو باسانو

يصور هذا المشهد المتحرك العائلة المقدسة يقودها ملاك إلى مصر. مادونا تركب على حمار وتحمل الرضيع يسوع في الوسط ، حيث يشكل وجهها محاطًا باللون الأبيض قمة الهرم. يمشي جوزيف إلى الأمام ، وتتدلى حوله أردية برتقالية. يؤكد القطر المائل من اليسار إلى اليمين على الحركة الديناميكية لرحلتهم. تشير يد الملاك اليمنى إلى أسفل إلى شجرة نبتت حديثًا ، رمزًا للقيامة ، بينما تتجه يده اليسرى إلى الأعلى كما لو كانت تنقل إرشاد السماء. في الوقت نفسه ، فإن التصوير الفردي للملاك على النقيض من المعالجات الترابية للشخصيات الأخرى يؤكد وجوده في العالم الآخر.

ولد باسانو في قرية صغيرة باسانو ديل جرابا حيث كان لوالده ، وهو فنان أيضًا ، ورشة عمل صغيرة. ومع ذلك ، كان الفنان الشاب مدركًا للفن الفينيسي في عصره ، وتأثر عمله بلوحة ألوان تيتيان ، بالإضافة إلى مطبوعات ألبريشت دورر. كما كتب الناقد الفني رودريك كونواي موريس ، فإن “أسلوبه المميز على نحو متزايد [ولد] من مزيج معقد من الاستيعاب والابتكار … ومع ذلك كان راضياً بالبقاء في مسقط رأسه ، وبالتالي الحفاظ على درجة من العزلة … التي سمحت له الأصالة في الازدهار “.

كان باسانو رائدًا في مشاهد النوع ، وتحديداً مع رعاة الكتاب المقدس مثل هذا الذي تضمن عناصر من الإعدادات المعاصرة. جعله أسلوبه الخلاب والأصلي واحداً من أكثر رسامي البندقية شهرة وتأثيراً في منتصف القرن السادس عشر. في وقت لاحق ، طغت بظلاله على عمله ، ويرجع ذلك جزئيًا إلى انتشار النسخ المتواضعة من عمله بعد وفاته ، ولكن تم إحياؤه مؤخرًا مع المعارض الكبرى في عام 2010.

زيت على قماش – متحف نورتون سيمون ، باسادينا ، كاليفورنيا

1545-54

فرساوس مع رأس ميدوسا

الفنان: Benvenuto Cellini

يصور هذا التمثال البرونزي البطل الأسطوري اليوناني برساوس وهو يرفع رأس ميدوسا في إيماءة انتصار بينما يقف على جسدها الملتوي والمنهار. التأثير الكلي هو الهيمنة القوية والشراسة العاطفية المنقولة ببلاغة من خلال تعبيرات وجه بيرسيوس.

كلف كوزيمو هذا العمل للإدلاء ببيان سياسي ، حيث كان بيرسيوس يرمز إلى هيمنة ميديشي على فلورنسا. وُضِع العمل داخل الساحة المركزية ، وكان يُقصد به أن يكون جزءًا من عرض سردي للأعمال الفنية ، يرمز إلى تاريخ ميديشي ، والذي شمل أيضًا ديفيد لمايكل أنجلو ( 1501-1504) ، وباندينيلي هرقل وكاكوس (1525-1534) ، وجوديث دوناتيلو وهولوفرنيس(1455-1460). كان تمثال تشيليني أول مصبوب من البرونز الضخم منذ خمسين عامًا وأول تمثال منذ العصور القديمة يحتوي على منحوتة تصويرية تشكل جزءًا من القاعدة. وهكذا دلت هذه الابتكارات على حقبة جديدة من الإتقان الفني وشهادة أخرى على قوة الأسرة الحاكمة.

كان للتمثال تأثير كبير حيث قام أنطونيو كانوفا والنحات الروسي فيودوسي فيودوروفيتش شيدرين من القرن ^الثامن عشر بعمل نسختهما الخاصة من فرساوس. ألقى السريالي سلفادور دالي عددًا من المنحوتات التي تشير إلى تمثال تشيليني ، من الأعمال الصغيرة التي تم إنشاؤها في سلسلة ، إلى التماثيل الكبيرة مثل تلك المعروضة في أفينيدا ديل مار في ماربيا بإسبانيا.

برونزية – لوجيا دي لانزي ، فلورنسا

1563

وليمة الزفاف في قانا

الفنان: باولو فيرونيزي

تصور هذه اللوحة الضخمة والنابضة بالحياة وليمة الزفاف في قانا حيث قام السيد المسيح ، المصور في الوسط السفلي ، بهالة تضيء رأسه ، بأداء معجزته الأولى ، حيث قام بتغيير الماء إلى نبيذ ، بعد أن أبلغته والدته أن الحشد قد نفد من النبيذ. تستبعد الرواية التوراتية أي معلومات عن هوية الزوجين المتزوجين في قانا وتؤكد فقط على المعجزة بناءً على طلب والدته. نتيجة لذلك ، أصبح الحدث مرتبطًا ببداية خدمته العامة ، وأكدت الصور على اللقاء بين معجزة المسيح المقدسة والعالم الدنس. لذلك ، هنا ، يتم تصوير حشد جماعي ، يحتوي على العديد من اللوحات المشهورة حيث أن مجموعة الموسيقيين الجالسة في الوسط السفلي هم الفنانين جاكوبو باسانو ، مع الفلوت ، وتيتيان بالكمان ، وتينتوريتو بالفيولا ، وبيترو أريتينو ، شاعر مشهور يقف بجانب تيتيان. من بين الضيوف معظم ملوك العصر بما في ذلك فرانسيس الأول ملك فرنسا وسليمان العظيم من الإمبراطورية العثمانية والإمبراطور الروماني المقدس تشارلز الخامس. ونتيجة لذلك ، فإن العمل هو تصوير حي لوقته ، بينما يلتقط في نفس الوقت إحساس مناسبة ديناميكية واحتفالية.

تم تكليف العمل من قبل الرهبان السود من وسام القديس بنديكت في قاعة طعام الدير ، التي صممها المهندس المعماري الشهير أندريا بالاديو. كان الغرض من الشكل الكبير بأشكاله بالحجم الطبيعي تقريبًا هو العرض من الأسفل ، مما يجعل وليمة اللوحة امتدادًا ترومبي لويل لمنطقة تناول الطعام الخاصة بالرهبان. من الناحية الأسلوبية ، يجمع العمل الطموح بين العديد من العناصر التي تحمل توقيع ذلك الوقت. وهذا يشمل مدينة البندقية، مع التركيز على لوحة ألوان زاهية ، وخط فلورنسا ، ملحوظًا في منظورها المعماري ، واهتمام Mannerist بالحركة الديناميكية ، والسرد المتقارب ، والتقصير الشديد في الأوضاع المتنوعة للغاية للأشكال. جعلت قدرة Veronese على نسج هذه العناصر بسلاسة معًا عمله مبتكرًا بين Mannerists ، كما فعل إحساسه المتطور بالتكوين والمعاصرة الحية.

جعل تضمين الكثير من صور الحياة العلمانية العمل فاضحًا إلى حد ما للجمهور في وقته ، لكن فاساري سرعان ما أشاد بعمل فيرونيز. كما كتبت الناقدة الفنية لورا كومينغ ، “المثير للدهشة هو تماسك فنه. يمكن أن يكون هناك 10 ، 20 ، وأحيانًا 30 شخصًا على مستوى الأرض من فيرونيز ، ثم جمهور متناثر من المتفرجين يحدقون من درجات السلم والشرفات ، ومع ذلك ، فإن كل شبر مما يجب أن يكون متنوعًا بشكل محير هو بنفس القدر من القوة والوضوح والأهمية “.

استمرت فيرونيز في التأثير على الثقافة الحديثة ، كما كتب الروائي هنري جيمس ، “لم يستمتع أي فنان أبدًا بالحياة ، حيث رأى كل ذلك على أنه نوع من المهرجانات المبهجة”. في عام 2009 ، ابتكر بيتر غريناواي “رؤية” وسائط متعددة لهذا العمل في بينالي البندقية في سلسلته “

زيت على قماش – متحف اللوفر ، باريس

1581-83

اغتصاب نساء سابين

الفنان: Giambologna

يصور تمثال Mannerist الشهير والمؤثر الصراع العنيف بين ثلاث شخصيات عارية: رجل روماني ، ظهره معرق يدل على قوته ، وامرأة عارية يمسكها وهي تنحرف للخلف ، محاولًا الهرب ، ورجل كبير السن يجلس تحت الرومان في يخاف. على الرغم من كل علاجاته الكلاسيكية التي تجمع بين اللمسات النهائية المكررة والطبيعية التشريحية ، فإن العمل ينقل بقوة العدوان الجنسي من خلال تركيزه على الشكل الأفعواني والتعبير عن الرعب والعجز.

تخلق الأشكال دوامة لولبية مما يؤدي إلى أن منظور العمل يتغير باستمرار بينما يتجول المشاهد حوله. كان تعدد وجهات النظر ، الذي يفتقر إلى وجهة نظر أمامية مركزية واحدة ، بمثابة ابتكار جذري.

في عام 1579 ، أعطى فرانشيسكو الأول ، ابن كوزيمو الأول دي ميديسي ، جيمبولونيا كتلة رخامية كبيرة لنحت عمل مع مجموعة معقدة من الشخصيات. كان النحات ينوي في الأصل إنشاء شخصين ، لكنه أضاف لاحقًا ثالثًا. يصور عنوان العمل ، الذي تم تعيينه لاحقًا فقط عند التثبيت في Loggia dei Lanzi ، سردًا أسطوريًا من التاريخ الروماني عندما كان الرومان ، الذين وصلوا بعد ذلك حديثًا إلى إيطاليا ، يبحثون عن زوجات من قبائل سابين الأصلية. رفض سابين ، لذلك أقام الرومان مهرجانًا لتكريم الإله نبتون ودعوا القبيلة من أجل اختطاف النساء.

مثل الفنان هرقل ضرب القنطور نيسوس(1599) ، الذي يصور البطل اليوناني وهو يضرب القنطور الذي حاول اغتصاب زوجته ، عكست مواجهة هذا العمل العنيفة حالة عدم اليقين العميقة في ذلك الوقت ، حيث كان العنف الجنسي واسع النطاق في حروب العصر العديدة. كان للكثافة الدراماتيكية والابتكار التكنولوجي للقطعة – معالجتها المعقدة لثلاث شخصيات داخل كتلة واحدة من الرخام – تأثير كبير على الفنانين اللاحقين ، وعلى وجه الخصوص ، برنيني ، زعيم فترة الباروك ، كما رأينا في كتابه The Rape of بروسيربينا (1621-1622).

الرخام – معرض أكاديميا ، فلورنسا

1586

دفن كونت أورجاز

الفنان: El Greco

يصور هذا العمل الأيقوني دفن كونت أورجاز ، الموقر في توليدو لتقواه والمعجزة التي حضرت وفاته عندما ظهر القديس ستيفن والقديس أوغسطينوس لدفنه ونقل روحه إلى الجنة. ينقسم العمل إلى عالمين ، السماوات حيث يشكل المسيح قمة الهرم مع مريم على اليسار والقديس يوحنا المعمدان على اليمين ، والجنازة الأرضية للطائرة السفلى. تنتج الحركة الديناميكية من التباين بين الخط الأفقي المظلم للرجال ، وكلهم يرتدون أطواق سوداء وبيضاء تؤكد على وجوههم ، والأشكال الدوامة للسحب والأشكال السماوية ، التي يتردد صداها في الجلباب الذهبي والأحمر للقديسين في المقدمة . الانحناء وهم يمسكون بجسد الموتى ، درعه المظلم يعكس الضوء ،

كلف Andrés Núñez ، كاهن كنيسة أبرشية El Greco في سانتو تومي ، بالعمل كجزء من مشروع تجديد كنيسة الدفن في Orgaz. يُعد العمل تحفة بارزة في تصوير Mannerist ، حيث يصور نونيز ، الملك فيليب الثاني ملك إسبانيا ، وصورة ذاتية للفنان ، وصورة لابنه خورخي مانويل ، بالإضافة إلى علماء ورجال دين مشهورين. ومع ذلك ، ما يهم هنا هو التجمع الروحي ، حيث أن العديد من الذين تم تصويرهم كانوا أولئك الذين كرموا كونت أورجاز تقوى.

كان ابتكار El Greco في Mannerism هو إضفاء الروحانية على الأسلوب ، وخلق صور أصبحت رؤى داخلية رمزية للغاية. نتيجة لذلك ، يأخذ العمل جودة الرؤية غير المرئية ، التي يدركها المشاهد وعدد قليل فقط بين الحاضرين. إن إغفال الفنان المبتكر لأي إحساس بالمكان – لا يصور أي أفق أو أرضية أو شعور بالمنظور – يضعنا داخل الرؤية نفسها.

جمع أسلوبه الفريد التقليد البيزنطي الذي تدرب فيه لأول مرة في موطنه الأصلي اليونان واللون الفينيسيورشة عمل تيتيان حيث عمل لاحقًا. كما كتب مؤرخ الفن M. Lambraki-Plaka عن العمل ، “يضع El Greco أمامنا ، بشكل مضغوط للغاية ، الحكمة التي جلبها إلى فنه ، ومعرفته ، وخبرته ، وخياله المركب وقوته التعبيرية. الموسوعة الحية لفنه دون أن تتوقف عن أن تكون تحفة ذات استمرارية عضوية وإلهام “.

من بين جميع الفنانين ، كان لـ El Greco التأثير الأكبر على الفن الحديث ، حيث أعاد Eugène Delacroix و Edouard Manet و Paul Cézanne اكتشاف أعماله في القرن التاسع عشر. أثر عمله على تطور التعبيرية ، وعلى الأخص كان له تأثير فريد على بابلو بيكاسو وتطور التكعيبية.

زيت على قماش – Iglesia de Santo Tomé ، توليدو ، إسبانيا

ج. 1599-1600

منظر توليدو

الفنان: El Greco

يصور هذا المشهد الرائع منظرًا لمدينة طليطلة ، حيث يتدفق نهر تاجوس من أسفل اليمين إلى أعلى عبر مركز العمل ، حيث يتردد صدى منحنى سربنتين من خلال المنحنيات الخضراء للتلال المحيطة. يتقاطع جسر Alcántara مع المركز المنخفض ، ويربط قلعة سان سيرفاندو على اليسار ، بخط المدينة المائل للمباني التي تصعد على اليمين ، وأبراجها وأبراجها التي تحددها سماء عاصفة ، وغيومها الرمادية تنفتح على بقع بيضاء و ازرق غامق. بدلاً من تصوير المدينة بشكل طبيعي ، أعاد الفنان تشكيل المدينة ، ونقل بعض المباني لخلق نوع من المنظر الرمزي. الأشكال الإيقاعية المنحنية والتفاعل بين اللون الأخضر الداكن المتوهج ، المتناقض مع الأفق الأسود تقريبًا ، والرمادي المضيء للمباني والحواف البيضاء للسحب ، يخلق إحساسًا بالمناظر الطبيعية الحية ، ينبض بالتصوف الكئيب. يكاد يكون غير محسوس المشهد بالسكان. يتجمع الرهبان أمام الدير على اليسار أسفل الوسط. يعبر رجل على ظهور الخيل النهر ، حيث يقوم ثلاثة رجال على طول الضفة بالصيد بالرمح ويتجمع عدد من الأشخاص على الشاطئ. يتم تقديم هذه الأشكال بدقة ، أحيانًا بضربة فرشاة واحدة ، ولكن من حيث نشاطها الدوري بدلاً من فرديتها ، حيث تنقل الوجود البشري على أنه مجرد جزء من المشهد الطبيعي نفسه.

في الوقت الذي رسم فيه هذا العمل ، كان الإصلاح المضاد في عام 1563 في مجلس ترينت قد قصر الفن على الموضوعات والأغراض الدينية وحظر رسم المناظر الطبيعية. في تحدي الحظر ، كانت El Greco رائدة في رسم المناظر الطبيعية الإسبانية ، لكنها أظهرت أيضًا أنه يمكن التعبير عن الروحانية العميقة في هذا النوع. إن الكآبة المظلمة للعاصفة الوشيكة تلقي بظلالها على المناظر الطبيعية وتضيءها ، كما لو أن هذه المدينة التي استقر فيها إل جريكو وقام بالكثير من أعماله كانت في ظل غضب إلهي قاتم يحظره. دييغو ريفيرا ، وإغناسيو زولواغا ، وديفيد بومبرغ ، وشايم سوتين ، وأندريه ماسون ، كلها مناظر طبيعية مرسومة تشير إلى هذا العمل ، كما رأينا في منظر ماسون الرمزي لتوليدو (1942).

زيت على قماش – متحف متروبوليتان ، نيويورك

بدايات التكلف

بدأ تطوير Mannerism في فلورنسا وروما حوالي عام 1520 ، مما يعكس “عاصفة كاملة” من الظروف التي أثرت على عالم الفن في ذلك الوقت. سمحت صناعة الطباعة بانتشار الصور الشعبية لفنانين مثل مايكل أنجلو وألبريشت دورر للتسلل إلى الوعي الجماعي في إيطاليا (والبلدان الشمالية) ، مما جعل الفنانين هم المبدعون الإلهيون بدلاً من مجرد موظفين لدى رعاة وكنائس أثرياء. في عام 1517 ، أطلقت أطروحات فيتنبرغ لمارتن لوثر (1517) ، التي شجبت ممارسات الكنيسة ودعت إلى الإصلاح ، الإصلاح البروتستانتي. وبسبب هذا ، لم تعد المثالية الهادئة والكلاسيكية للجمال المميز لعصر النهضة العالي تبدو قابلة للاستمرار.

في الوقت نفسه ، شعر الفنانون الشباب أن أسلوب رافائيل وليوناردو كان متقنًا لدرجة أنه لم يكن هناك المزيد من التطوير أو التعبير عن الفردية.

كما أن الاكتشاف العلمي ، بما في ذلك اكتشاف العالم الجديد ، وإثبات كوبرنيكوس أن الشمس ، وليس الأرض كما كان يعتقد عمومًا ، كانت مركز النظام الشمسي ، تحدى الاعتقاد الإنساني بأن الإنسان هو مركز الكون.

تسبب هذا في إحساس بالغربة والانفصال تم نقله في علاجات Mannerist ، حتى أن الشخصيات التي تتفاعل مع عاطفة شديدة بدت معزولة عن بعضها البعض. بدلاً من إنشاء تراكيب متناغمة تصور مساحة واقعية ، بدأ الفنانون في استكشاف إمكانية وضع الصورة داخل مساحة فكرية. نتيجة لذلك ، أصبحت معالجة المساحة والشكل أقل عقلانية ، حيث تم ضغط عدد من الأشكال في مستوى واحد مسطح ، مما أدى إلى إنشاء إعدادات معمارية غريبة أو معقدة ، وإطار وصورة غير واضحة في تأثير زخرفي واحد.

لاكون وأبناؤه

كان تأثير التمثال الروماني الكلاسيكي Laocoön وأبناؤه (40-30 قبل الميلاد) ، الذي تم العثور عليه في روما عام 1506 أثناء عمليات إعادة البناء المكثفة ، بمثابة مقدمة مهمة لـ Mannerism . يصور التمثال بشكل دراماتيكي اللحظة التي أرسلت فيها الآلهة ثعابين عملاقة لقتل النبي وابنيه لمحاولة تحذير إخوانهم من أحصنة طروادة من جلب الحصان الخشبي اليوناني إلى المدينة. قدم التمثال نظرة جديدة على الفن الكلاسيكي ، مجسدًا الأسلوب الهلنستي بتركيزه على الحركة الدرامية والعاطفة الشديدة ، بدلاً من الانسجام المثالي المرتبط سابقًا بالإغريق والرومان. يعتقد أن المجازي سربنتيناتا، أو “شخصية اعوج” ، التي أصبحت عنصرًا ملحوظًا في Mannerism ، تم استخلاصها من الأشكال المتعثرة لهذه التحفة الفنية.

جذبت Laocoön وأبناؤه انتباه كبار فناني عصر النهضة ورعاته. أرسل البابا يوليوس الثاني ، الراعي الأقوى للعصر وجامع الأعمال الكلاسيكية الشهير ، مايكل أنجلو للإشراف على استعادة التمثال. يمكن رؤية تأثيره على الفنان في كل من منحوتاته مثل Dying Slave (1513-1516) بالإضافة إلى رسوماته لأشكال مختلفة في سقف كنيسة سيستين (1508-1512) ، حيث كان يتجه نحو معالجة Mannerist. أثر Laocoön أيضًا على فناني عصر النهضة العالي الآخرين ، حيث استخدم رافائيل وجه Laocoön في لوحة Parnassus الجدارية (1509-1511) وردد تيتيان الشخصيات المتعثرة في كتابه Averoldi Polyptych (1520-1522).

روسو فيورنتينو وجاكوبو دا بونتورمو

اثنان من الفنانين الفلورنسيين ، جيوفاني باتيستا دي جاكوبو ، المعروف باسم روسو فيورنتينو أو إل روسو ، وجاكوبو دا بونتورمو كان رائدا في Mannerism. تم تدريب كلاهما في ورشة عمل Andrea del Sarto ، التي وظفت مبادئ عصر النهضة العالية مع تبني لوحة ألوان زاهية بشكل متزايد ومجموعة متنوعة من الأوضاع التصويرية. أثرت تعديلاته على تطوير بونتورمو وروسو لأسلوب فني يرفض المعالجة الكلاسيكية للفضاء والشخصية البشرية.

بالإضافة إلى ذلك ، أثر كل من مايكل أنجلو وألبريشت دورر على بونتورمو. وجد بونتورمو تركيز دورر على المشاعر الشديدة أثناء توظيف مجال مزدحم من الشخصيات المتعاطفة مع أهدافه الفنية الخاصة.

قام بونتورمو أيضًا برحلة إلى روما لدراسة أعمال مايكل أنجلو ، مما أدى إلى تركيز أسلوبه على الحركة الديناميكية. بحلول عام 1515 ، كان قد بدأ في تطوير أسلوب Mannerist الخاص به كما رأينا في كتابه Joseph in Egypt (1515-1518) من خلال إنشائه مساحة معقدة ولكن غير طبيعية ، حيث تتجول حشود مرتدية أردية ملونة تدور حول شخصياتهم في أوضاع مبالغ فيها. والنسب. أصبح بونتورمو ، وهو أيضًا مدرسًا مشهورًا ، مرشدًا مدى الحياة لبرونزينو ، الرائد في إدارة الجيل القادم.

أظهر أول عمل مشهور لروسو ، ترسب (1521) ، أيضًا خروجًا جذريًا عن نسبة عصر النهضة والتناغم لصالح معالجة Mannerist لكل من الفضاء التصويري والشكل البشري. لقد تأثر أيضًا بسقف كنيسة سيستين لمايكل أنجلو (1508-1512) عند انتقاله إلى روما ، حيث تم الجمع بين اللوحات الجدارية والأشكال المرسومة على الأقواس المحيطة لخلق تأثير فريد. ذهب روسو لقيادة المدرسة الأولى في فونتينبلو ، والتي أثرت على تطور الأسلوب الشمالي.

التصرفات العالية

غالبًا ما يوصف الأسلوب الرفيع بأنه أسلوب بلاط ، وقد تم إنتاج أعماله في المقام الأول للحكام الأقوياء في تلك الحقبة وتعكس أنماط حياتهم ومواقفهم الأرستقراطية. تجسد أعمال جيامبولونيا الأداء العالي في النحت ، في حين أن أعمال Agnolo di Cosimo di Mariano ، المعروفة ببساطة باسم Bronzino ، تجسد الأسلوب في الرسم. كان إعدام برونزينو المكرر ، والتطور الفكري ، ومعالجته التصويرية التي أكدت على الأطراف الممدودة والشعور بالانفصال البارد تجسيدًا لمحكمة ميديشي. في عام 1539 ، كلف Cosimo I de ‘Medici برونزينو بتصميم الزخارف الفخمة لزواج الدوق من إليانورا دي توليدو. بعد ذلك أصبح رسام المحكمة الرسمي لكوزيمو الأول ، وهو المنصب الذي شغله لبقية حياته.صورة لوكريزيا بانشياتيتشي (1545) ، لكنها كانت الأكثر شهرة ، ربما ، لمعالجته الجليدية والمعقدة للموضوعات المثيرة المجازية كما في فينوس ، كيوبيد ، فولي والوقت (1545).

على الرغم من ولادته في فلاندرز ، درس جيامبولونيا في روما حيث اعتبر أيضًا مايكل أنجلو له تأثير كبير. في عام 1563 تم تعيينه في Accademia delle Arti del Disegno ، التي أسسها كوزيمو للتو في فلورنسا ، وأصبح فنانًا رسميًا في محكمة ميديشي. حتى أنه مُنع من مغادرة فلورنسا ، حيث كان ميديشي يخشى أن يغريه راعي البلاط الآخر. من خلال العمل في الرخام ، ابتكر Giambologna أعمالًا ملحوظة مثل Samson Defeating a Philistine (1562) التي كان من المفترض أن تنقل رسالة سياسية تؤكد على قوة Medici. أصبح مشهورًا بنفس القدر بسبب أعماله البرونزية ، ومعظمها يعيد إنتاج أعماله الكبيرة ، والتي كانت مطلوبة في جميع أنحاء أوروبا.

الأسلوب: المفاهيم والأنماط والاتجاهات

على الرغم من أن Mannerism لوحظ لأسلوب البلاط المميز ، إلا أنه تم تكييفه على نطاق واسع من قبل الفنانين في مواقع جغرافية مختلفة مع الموضوعات والزخارف التقليدية لمنطقة معينة. تم تحديده من خلال المصطلح العام الشمالية Mannerism ، وقد اشتمل على المراكز المعروفة لمدرسة Fontainebleau في فرنسا ، ورسومات البلاط الإليزابيثي واليعقوبي في إنجلترا ، ومحكمة الإمبراطور الروماني المقدس رودولف الثاني في براغ ، والمدن الهولندية أنتويرب وأوتريخت.

فرنسا: مدرسة فونتينبلو (1530-1630)

في عام 1530 ، دعا ملك فرنسا ، فرانسيس الأول ، راعي الفن المتحمسين للنهضة الإيطالية ، روسو فيورنتينو إلى البلاط الفرنسي. اغتنم روسو الفرصة بعد خسارة كل شيء في كيس روما عام 1527 ، وانتقل إلى فونتينبلو حيث أقام لبقية حياته. أصبح قائد المدرسة الأولى في فونتينبلو في عام 1530 وطور أسلوبًا مميزًا في البلاط. اشتهرت التصاميم الفرنسية بتصميماتها الداخلية حيث خلقت اللوحات والأثاث والعناصر الزخرفية والمعمارية وحدة منمقة للغاية. كانت روسو رائدة في استخدام النقوش الجصية الكبيرة لاستخدامها كإطارات للوحات الداخلية. غالبًا ما حملوا صورًا للحوريات أو كتل الفاكهة وأثروا على استخدام الزخرفة في جميع أنحاء أوروبا. في الوقت نفسه ، تم نسخ لوحاته على نطاق واسع وتأثيرها على الفنانين الفرنسيين الآخرين.

في الرسم ، أدت رعاية فرانسيس الأول إلى التركيز على الموضوعات الأسطورية والاستعارية ذات الموضوع الإيروتيكي. قاد روسو التطوير جنبًا إلى جنب مع مانيريريس الإيطاليين فرانشيسكو بريماتيكيو ونيكولو ديل أباتي ، الذين تمت دعوتهم إلى المحكمة في أربعينيات القرن الخامس عشر. اشتهر Dell’Abbate بشكل خاص بلوحاته الأسطورية ، مثل اغتصاب Proserpine(1552-1570) ، والتي جمعت بين الأنواع العارية والمناظر الطبيعية التي كانت شائعة من قبل مدرسة البندقية. ابتكر Primaticcio تصميمات نسيجية حول مواضيع مماثلة ، بالإضافة إلى إنتاجات مسرحية واحتفالية واسعة النطاق للمحكمة ، على الرغم من فقد الكثير من هذا العمل. تجسد بعض الزخارف ، مثل صور الإلهة الرومانية ديانا ، حب الملك الفرنسي للجمال الأنثوي المثالي وأصبحت موحدة لدرجة أنها أنتجت على نطاق واسع من قبل العديد من الفنانين المجهولين في المدرسة.

كلف فرانسيس الأول أيضًا عددًا من الأعمال المشهورة ، وأشهرها قبو الملح بينفينوتو تشيليني (1543). في الأصل ، تم تكليف العمل من قبل الكاردينال إيبوليتو ديستي ، الذي رفض المشروع لكنه قدم النموذج إلى فرانسيس الأول. أعجب الملك جدًا لدرجة أنه أمر بعمل العمل من الذهب. هذا العلاج الفني الرائد لعنصر منزلي شائع يصور إلهة تمثل الأرض وإلهًا يمثل البحر بأرجلهما متشابكة. لقد جسدت الثروة والسلطة وأسلوب الحياة اللذيذ للمحكمة.

نظرًا لأن المدرسة كانت معروفة أيضًا بالطباعة ، فقد تم نشر معظم أعمالها الفنية وتصميماتها في مطبوعات وصلت إلى جمهور واسع في جميع أنحاء أوروبا. نتيجة لذلك ، اعتمد فنانون فرنسيون مثل جان كوزان الأكبر ونحاتون مثل جيرمان بيلون أسلوب Mannerist ، والمدرسة الثانية في Fontainebleau ، التي أعقبت وفاة روسو وبريماتيكيو ، وترأسها الفرنسي توسان دوبرويل والفلمنكي أمبرواز. دوبوا.

لوحة البلاط الإليزابيثي واليعقوبي (1558-1625)

أثرت الطريقة الفرنسية أيضًا على رسم البلاط البريطاني في عهد الملكة إليزابيث الأولى وخليفتها جيمس الأول ، وذلك في المقام الأول من خلال تركيزها على فن البورتريه الأنيق والمنمق. بعض رسامي البورتريهات المتخصصين في الصور المصغرة ، وهو نوع من التذكارات الحميمة ، مثل نيكولاس هيليارد كما رأينا في صورة رجل شاب ، ربما روبرت ديفيروكس (1566-1601) ، إيرل إسكس الثاني (1588) ، يصور مفضلًا خاصًا للملكة . اشتهر فنانون آخرون مثل روبرت بيك الأكبر وماركوس غييرتس الأصغر بصورهم على نطاق واسع ، كما رأينا في الفلمنكية غيريرتس الملكة إليزابيث الأولى ، لوحة ديتشلي (حوالي 1592).

براغ ورودولف الثاني (1576-1612)

وصف مؤرخ الفن مارتن بول رعاية الإمبراطور الروماني المقدس رودولف الثاني بأنها “انفجار في الصور الأسطورية … لم نشهدها منذ فونتينبلو.” كان رودولف مهتمًا بشكل خاص بالمشاهد الأسطورية العارية وتصوير هرقل ، الذي تعرف عليه. أسلوب المحكمة الذي تطور في براغ روج للإمبراطور ، ومن خلال تصوير الموضوع الأسطوري ، تجنب الجدل الدائر حول الصور الدينية. عمل عدد من الفنانين المشهورين في لجان المحكمة ، بما في ذلك جيامبولونيا في فلورنسا وباولو فيرونيزي في البندقية. رعى رودولف فنانين رائدين آخرين في ذلك اليوم بما في ذلك هانز فون آخن ، وجوزيبي أرسيمبولدو ، ورولانت سافري ، وأدريان دي فريس ، وإيجيديوس سادلر. أصبح جمع رودولف وتأثيره ملحوظًا لدرجة أن المصطلح “

في براغ ، قاد رسام البلاط بارثولوميوس سبرينجر Mannerism. عكس تدريبه النكهة الدولية الحقيقية لسلوك البلاط ، حيث وُلد وتدرب لأول مرة في أنتويرب ، ولكن بعد ذلك تأثر على نطاق واسع بكل من النهضة الأوروبية الشمالية والإيطالية ، وخاصةً من قبل الرومان. غالبًا ما كانت لوحاته الكبيرة عبارة عن مشاهد أسطورية ، تجمع بين المعالجة الفاسقة للعراة مع التسهيلات الفنية التي أكدت على التأثيرات الزخرفية الفخمة. نُشرت مطبوعات من أعماله في جميع أنحاء أوروبا وكان لها تأثير ملحوظ على تطوير الأسلوب في هولندا.

التصرف في هولندا (1580 – 1620)

استلهمت الطريقة في هولندا من تقاليد شمال أوروبا في صناعة الطباعة ، والتي أصبح هندريك غولتز قوة رائدة فيها. ابتكر تقنيات حفر جديدة بما في ذلك طريقة “النقطة والمعين”. كانت الطريقة مبتكرة للعملية التي يقوم فيها الفنان بوضع النقاط داخل شبكة من المساحات في معينات (أو حاوية تهدف إلى الاحتفاظ بشكل مألوف مثل عضلة الجسم أو التواجد في وسط الرسوم المتحركة) ، ويقصد بها احتواء صورة ، وتعمد ترك النقاط خارج المناطق الأخرى داخل الشبكة مما يجعل التدرجات اللونية الدقيقة ممكنة بشكل مرئي. تقنية أخرى لـ Goltz هي “الخط المنتفخ” حيث يمكن للفنان إنشاء خطوط متفاوتة العرض باستخدام منشاره، أداة نقش ، للتلاعب بإدراك المشاهد النهائي للعمق. لقد ابتكر المئات من المطبوعات ، بعضها من أبرز الموضوعات التوضيحية الأسطورية والاستعارية ، مثل إيكاروس (1588) ، وكذلك عددًا من المطبوعات بعد رسومات أو لوحات بارثولوميوس سبرينجر. أثر Spranger أيضًا على Goltzius van Mander و Cornelis van Haarlem ومجموعة الفنانين المعروفة باسم Haarlem Mannerists.

تأثر الفنانون الآخرون في هولندا بشكل أساسي بالآداب الإيطالية ، كما رأينا في أعمال يواكيم فتويل ، بعد إقامته في إيطاليا في ثمانينيات القرن الخامس عشر. لقد جمع الموضوعات الأسطورية مع التركيز التقليدي لأوروبا الشمالية على المناظر الطبيعية والتفاصيل الرمزية. أصبح نهجه هو الاتجاه الرائد بين الفنانين المتمركزين في أوتريخت ، ولا سيما كما يظهر في أعمال أبراهام بلوميرت.

بالإضافة إلى ذلك ، قام فنانو هولندا أيضًا بتكييف أسلوب Mannerist مع الموضوعات التقليدية في أوروبا الشمالية عندما أصبح Mattijs و Paul Bril و Hans Rottenhammer و Adam Elsheimer مشهورين بمناظرهم البانورامية للمناظر الطبيعية. رسم فنانون آخرون مثل ألبريشت التدورفر وجيليس فان كونينكسلو ما أسموه “المناظر الطبيعية النقية” ، وعادة ما يصورون غابة كثيفة بطريقة التقريب. أثر هذا النهج على الفنانين اللاحقين مثل تلميذ Altdorfer Roelandt Savery ، الذي تعتبر غاباته مع الغزلان (1608-1610) حديثة تقريبًا في تأثيرها التعبيري.

هندسة عامة

أشهر مهندسي Mannerist هما مايكل أنجلو وجوليو رومانو. كان تصميم مايكل أنجلو الأكثر شهرة هو مكتبة Laurentian (1523-1568) ، التي بدأها في عام 1523 بعد تلقيه عمولة من البابا كليمنت السابع ، أحد أفراد عائلة ميديتشي. تتركز دهليز المكتبة على الدرج الذي يجمع بشكل جذري الأشكال البيضاوية للخطوات السفلية الثلاث ، والأشكال الرباعية الزوايا للخطوة الخارجية ، والأشكال المحدبة للخطوات المركزية لإنشاء حركة رأسية ديناميكية في غرفة القراءة العلوية. تم التأكيد على تأثير Mannerist بشكل أكبر من خلال الزخارف الزخرفية التي تشبه الموجة أسفل أزواج من الأعمدة الصاعدة. بالإضافة إلى ذلك ، فإن تطوير مايكل أنجلو لـ “النظام الهائل” أو “النظام العملاق” باستخدام الأعمدة التي امتدت لقصتين أو أكثر كان له تأثير أيضًا ،^{القرن العاشر} ).

كان قصر Palazzo del Te (1524-1534) لجوليو رومانو بمثابة جولة قوية في فن العمارة Mannerist وجعله مشهورًا. تخيل نوعًا من قصر المتعة ، كلف Federico Gonzaga بتصميم منزله العائلي حيث قام بتربية الخيول. كتلة مربعة مع محكمة مركزية ، استخدم Palazzo del Te أبوابًا ونوافذًا مزيفة ، وتجاور دراماتيكي ، كما يظهر في الواجهات الأربع المختلفة في الفناء الداخلي ، واللوحات الجدارية للفنان. تم تخصيص غرفة واحدة للمشاهد الأسطورية المثيرة ، والأخرى للتصوير بالحجم الطبيعي لخيول غونزاغا ، والثالثة ، وهي Sala dei Giganti الشهيرة ، أظهرت عمالقة يحاولون غزو جبل أوليمبوس في مشهد مرسوم من الأرض إلى السقف باستخدام trompe l’oeil .تأثير. كما كتب مؤرخو الفن Marvin Trachtenberg و Isabelle Hyman “تم إطلاق العنان للخيال الخيالي الغريب لجوليو بشكل كبير في لوحاته الجدارية الوهمية … لكن الهندسة أيضًا مليئة بالتأثيرات المعقدة وغير المتوقعة.”

التطورات اللاحقة – بعد التكلف

بدأ الأسلوب في التدهور حوالي عام 1600 عندما كان الفنان الشهير كارافاجيو ، الملقب بـ “والد الباروك” ، رائدًا لمقاربة ثورية تجمع بين التشياروسكورو والتينبريسم ، وكلاهما يؤكد على مسرحية الظلام والضوء ، مع واقعية جديدة في المشاهد الدرامية. بحلول عام 1620 ، هيمنت فترة الباروك ، على الرغم من أن تركيز الحركة على العمل الدرامي والمشاهد العاطفية المكثفة يمكن اعتباره تطورًا من علاجات Mannerist. في الفنون الزخرفية ، استمر تأثير Mannerist في منتصف القرن السابع عشر ، لا سيما في محاكم أوروبا.

أثرت Mannerists على الجيل اللاحق من الفنانين ، حيث واصل طلاب Giambologna Adriaen de Vries و Pietro Puget و Pietro Francavilla الترويج لأسلوبه في شمال أوروبا. الأهم من ذلك ، كان لأعمال جيامبولونيا تأثير ملحوظ على برنيني وأليساندرو ألغاري ، النحاتين البارزين في عصر الباروك. أثرت أعمال تشيليني على أنطونيو كانوفا ، وفيودوسي فيودوروفيتش شيشيدرين ، وفي ^{القرن العشرين} ، سلفادور دالي . ولكن ، بشكل عام ، لم يعد Mannerism مفضلاً ، كما فعل العديد من كبار الفنانين ، في القرون التالية وكان يُنظر إليه عمومًا على أنه فترة تدهور وانحطاط بعد عصر النهضة العالي.

تم نسيان عصر النهضة الإسبانية وفنان Mannerist El Greco بشكل عام (باستثناء إسبانيا) في القرن التاسع عشر من قبل فنانين فرنسيين مثل Eugène Delacroix و Édouard Manet . ذهب بول سيزان إلى أبعد من ذلك ورسم نسخته الخاصة من El Greco’s Lady in a Fur Wrap (1882). أصبح عمله لاحقًا تأثيرًا أساسيًا على بابلو بيكاسو وتطور التكعيبية ، بالإضافة إلى التأثير على تطوير التعبيرية في أعمال بيكمان وماكي وكوكوشكا وهوفر وشتاينهاردت وكورتيويغ . كما أثر على سوتينوشاجال ، وكذلك السرياليين ماسون ودومينجيز. استفاد الفنانون الأسبان البارزون إجناسيو زولواغا وسانتياغو روسينول وخواكين سورولا من أعماله ، كما فعل الفنانون المكسيكيون ريفيرا وأوروزكو . في الولايات المتحدة ، أشار توماس هارت بينتون وجاكسون بولوك وروبرتو ماتا إلى عمله.

تمت إعادة اكتشاف أعمال برونزينو أيضًا من قبل الكلاسيكي الجديد جاك لويس ديفيد ، ثم من قبل فناني ^القرن العشرين مثل بيكاسو وماتيس ودي شيريكو وفريدا كاهلو . أشار الكتاب المشهورون مارسيل بروست وويليام سومرست موغام وإيريس مردوخ إلى عمله. جذبت أعماله مجموعة متنوعة من الفنانين المعاصرين من مانجا ياسوكو أويكي من Eroica with Love (1976-2010) إلى فيلم Lina Wertmüller Seven Beauties (1975) وسلسلة صور المصور كريستيان تاغليافيني 1503 (2010).

أثرت العمارة العصرية على العمارة الباروكية ، وبالتالي على حركة Neo-Palladian وعمارة الفنون الجميلة . أثر هذا الأسلوب أيضًا على المهندس المعماري الشهير روبرت فينتوري في ^{القرن العشرين} الذي أعاد إحياء المصطلح ، وكتب ، “الأسلوب في الهندسة المعمارية في عصرنا الذي … يكسر النظام التقليدي لاستيعاب التعقيد والتناقض.” تستمر الأهمية والتقييم المستمر لأسلوب Mannerism من خلال عدسة معاصرة كما رأينا في رؤية Peter Greenaway للوسائط المتعددة لعام 2009 لعمل Paolo Veronese ، وفي المعرض الرئيسي لعام 2010 لأعمال Jacopo Bassano.