جيمس ويسلر

ملخص لجيمس أبوت ماكنيل ويسلر

يُعد جيمس أبوت ماكنيل ويسلر أحد أهم الشخصيات في الفن الحديث ورائد حركة ما بعد الانطباعية ، ويشتهر بأسلوبه المبتكر في الرسم وشخصيته الغريبة. لقد كان جريئًا وواثقًا من نفسه ، وسرعان ما اكتسب شهرة بسبب ردوده اللفظية والقانونية ضد نقاد الفن والتجار والفنانين الذين أهانوا عمله. تجسد لوحاته ورسوماته والباستيل الميل الحديث لخلق “الفن من أجل الفن” ، وهي بديهية احتفى بها ويسلر وآخرون في الحركة الجمالية . كما أنها تمثل واحدة من أولى التحولات من الفن التمثيلي التقليدي إلى التجريد الذي يقع في قلب الكثير من الفن الحديث.

الإنجازات

• تخلى ويسلر عن واقعية غوستاف كوربيه وطور أسلوب توقيعه الخاص الذي ، مثل إدوارد مانيه في ذلك الوقت ، بدأ في استكشاف إمكانيات وحدود الطلاء. من خلال الحد من لوحة الألوان والتباين اللوني أثناء تحريف المنظور ، عرض ويسلر نهجًا تركيبيًا جديدًا أكد على الجودة المسطحة والتجريدية للوحة.
• قام ويسلر بتسمية (أو إعادة تسمية) أعماله باستخدام مصطلحات مثل “سيمفونية” و “ترتيب” و “ليلية” لاقتراح ارتباط بين النوتات الموسيقية والاختلافات في درجات اللون. عملت هذه العناوين المجردة على تركيز انتباه المشاهد على تلاعب الفنان بالطلاء ، بدلاً من الموضوع الفعلي المصور.
• كان ويسلر مدافعًا مخلصًا عن الحركة الجمالية في ترويجه لعقلية “الفن من أجل الفن من أجل الفن” من خلال كتاباته مثل The Gentle Art of Making Enemies (1892) ، كما ساعد في تنمية مفاهيم جديدة للجمال باستخدام نماذج غير تقليدية تذكرنا من شخصيات ما قبل الرفائيلية ، وعلى الأخص ، من خلال دمج الجمالية اليابانية في مؤلفاته الخيالية.
• أبهر الفن الياباني بشدة العديد من الفنانين المعاصرين الأوائل الذين يعيشون في باريس. ولكن نظرًا لأن ويسلر كان من بين أوائل الفنانين الأمريكيين الذين عملوا في إنجلترا لدمج أنماط النسيج والدعائم الشرقية الرقيقة في أعماله ، فقد كان له الفضل في قيادة ما أطلق عليه الأسلوب الأنجلو ياباني في الفنون الجميلة. كانت أعمال مثل The Peacock Room جزءًا لا يتجزأ من إدخال الجمالية اليابانية إلى إنجلترا وأمريكا.
• تمامًا كما شكك جناح الواقعية في كوربيه في سلطة الصالون الفرنسي ، فإن دعوى التشهير التي رفعها ويسلر ضد جون روسكين بالإضافة إلى الإجراءات الدفاعية الأخرى ضد نقاد الفن الذين لم يشاركوا رؤيته ألهمت الفنانين المعاصرين ، مثل الانطباعيين ، للنظر إلى ما وراء المؤسسات الفنية التقليدية عند البحث عن مساحة عرض أو دعم لعملهم.

فن مهم لجيمس أبوت ماكنيل ويسلر

تقدم الفن

1862

السمفونية باللون الأبيض ، رقم 1: الفتاة البيضاء

تحمل هذه اللوحة في الأصل عنوان The White Girl ، وهي تصور امرأة شابة ، عشيقة ويسلر وعارضة الأزياء جوانا هيفرنان ، بشعر أحمر طويل متدفق وترتدي فستانًا أبيض بسيطًا من الكامبريك. إنها تقف على بساط من جلد الدب بنفس اللون وهي تمسك بزهرة بيضاء بجانبها ، ونظراتها البعيدة تضفي عليها جودة تشبه الدمية. في الواقع ، يعاملها ويسلر على أنها لعبة أو نوع من البيدق حيث أن هذا الفنان هنا أقل اهتمامًا بدقة البورتريه كما هو الحال مع استخدام اللوحة القماشية كوسيلة لاستكشاف الاختلافات اللونية. أعاد ويسلر لاحقًا تسمية اللوحة Symphony in White ، رقم 1: The White Girl لجذب الانتباه إلى درجات اللون الأبيض المتفاوتة للعمل واقتراح مقارنة بينها وبين النوتات الموسيقية ، يوضح هذا الهدف.

تتميز اللوحة بكونها أول عمل يحقق شهرة حقيقية للفنان. تم رفض اللوحة من قبل الأكاديمية الملكية في لندن وصالون الأكاديمية الفرنسية بسبب موضوعها غير المناسب الذي يبدو أنه يشير إلى فقدان البراءة ، وظهرت اللوحة في Salon des Refusés في عام 1863 ، حيث حظيت بإعجاب كبير من إدوارد مانيه ، وغوستاف كوربيه ، وتشارلز بودلير ، من بين أمور أخرى. يشير Symphony in White إلى تحول Whistler من محاكاة واقعية Courbet إلى تطوير أسلوبه التجريدي المميز الذي ركز فيه على استخدام اختلافات الألوان الدقيقة ، والملمس ، والتوازن الدقيق بين الأشكال أو الأشكال لنقل الحالة المزاجية التي من شأنها أن تروق للحواس.

زيت على قماش – المتحف الوطني للفنون ، واشنطن العاصمة

1865

الانسجام باللونين الأزرق والفضي: تروفيل

في هذا العمل ، واحد من خمس لوحات على الأقل رسمها ويسلر في تروفيل ، يقف شخص منعزل على الشاطئ ، ينظر عبر الامتداد الواسع للمياه أمامه. توجهنا نظرة الشكل نحو مركبين شراعيين يظهران يمين الوسط على طول خط الأفق المرتفع. الرجل الملتحي الذي تم تصويره على الشاطئ هو صديق الفنان والرسام الواقعي غوستاف كوربيه ، الذي رافق ويسلر إلى تروفيل في عام 1865 عندما تم إنشاء هذه اللوحة. في الأصل بعنوان Courbet – on Sea Shore ، قام Whistler في وقت لاحق بتغيير العنوان ليعكس اهتمامه المتزايد بربط لوحاته المرسومة بالتركيبات الموسيقية. يختفي الشكل والمناظر الطبيعية التي يقيم فيها تقريبًا في غسلات لون Whistler الذي تم تطبيقه بدقة من خلال ضربات الفرشاة الكاسحة للطلاء الرقيق.

تشيد اللوحة بكوربيه ، التي أثرت بعمق في التطور الفني المبكر لـ Whistler ، ومع ذلك فهي تشير أيضًا إلى حركة Whistler بعيدًا عن واقعية Courbet تجاه الجمالية. تروفيلليس له معنى واضح أو رسالة أخلاقية. بدلاً من ذلك ، فهو يمثل تجربة Whistler مع درجات الألوان وطرق تطبيق الطلاء على سطح القماش وذلك لتعزيز التحفيز البصري أو الحسي. كانت هذه الفكرة القائلة بأن تناغم الألوان والمزاج وجمال الشكل أكثر أهمية من الموضوع نفسه في قلب “الفن من أجل الفن” ، وهو الشعار الفخور للحركة الجمالية ، التي أصبح ويسلر من أبرز المؤيدين لها. كما أن الألوان الناعمة والجودة الحالمة في الغلاف الجوي التي تم إنشاؤها من خلال استخدام Whistler لضربات الفرشاة الواسعة والواسعة تمثل أيضًا هذه اللوحة باعتبارها مقدمة مهمة لحركة Tonalist الأمريكية في ثمانينيات القرن التاسع عشر.

زيت على قماش – متحف إيزابيلا ستيوارت جاردنر ، بوسطن ، ماساتشوستس

1871

الترتيب باللونين الرمادي والأسود رقم 1: صورة لأم الفنان

تُعرف آنا ماكنيل ويسلر باسم صورة والدة الفنانة ، وهي ترتدي فستانًا أسود طويلًا بقبعة بسيطة من الدانتيل الأبيض ، وتجلس بشكل جانبي ، وتحدق بثبات إلى الأمام ، وتحمل منديلًا أبيض في حجرها. يظهر على الحائط خلفها نسخة طبق الأصل من منظر ويسلر لنهر التايمز . تشير الزخرفة الزهرية المستوحاة من اليابان على الستارة المعلقة إلى اليسار إلى اهتمام الفنان المشهور بالجمالية اليابانية. يمكن رؤية توقيع فراشة ويسلر المنمق في الزاوية اليمنى العلوية من هذه الستارة. يبدو ترتيب الأشكال بسيطًا عندما يكون هناك في الواقع توازن دقيق للأشكال في اللعب. على سبيل المثال ، تساعد الأشكال المستطيلة للصورة على الحائط والستارة على اليسار والأرضية على استقرار شكل الحاضنة.

كانت آنا ماكنيل ويسلر ، وهي امرأة متدينة دينياً ، تعيش مع ابنها في منزله بلندن لمدة سبع سنوات عندما طلب منها أن تقف أمامه بعد أن ألغت عارضة أزياء جلسة مقررة. وجدت والدة ويسلر ، البالغة من العمر 67 عامًا ، صعوبة في الوقوف لفترات طويلة من الوقت ، ولذلك غيرت الفنانة الوضع إلى وضع الجلوس من أجل راحتها.

في عام 1891 أصبحت اللوحة أول عمل أمريكي تشتريه الحكومة الفرنسية. أدى هذا إلى رفع سمعة ويسلر وساعده في تأمين الرعاة الأمريكيين الأثرياء. تعتبر لوحة صورة والدة الفنان واحدة من اللوحات القليلة جدًا ، بما في ذلك The Scream لإدفارد مونش و Grant Wood’s American Gothic، يمكن تقدير ذلك من قبل النخبة التي تشاهد الفن بينما يتردد صداها أيضًا مع الجماهير بأقل قدر ممكن من الشرح المطلوب. يتم تفسيره بشكل كبير على أنه رمز للأمومة أو الحداد (بسبب الألوان المستخدمة) أو الرواقية الأمريكية البيوريتانية (بسبب ملابس الحاضنة). كانت هذه الصورة بالذات مصدر إلهام للعديد من اللوحات الأخرى ، بما في ذلك بورتريه بيسي لألبرت هيرتر (1892) وصورة هنري أوساوا تانر لوالدته. طورت لوحة ويسلر منذ ذلك الحين حضورًا كبيرًا في ثقافة البوب ​​، حيث تمت الإشارة إليها في العديد من الأفلام والرسوم المتحركة والإعلانات.

زيت على قماش – متحف أورسيه ، باريس

ج 1872-75

الموسيقى الهادئة: الأزرق والذهبي – جسر باترسي القديم

الخامس في سلسلة Whistler’s Nocturnes التي تضمنت عددًا لا يحصى من النقش والباستيل واللوحات التي تم إنشاؤها خلال سبعينيات القرن التاسع عشر ، Nocturne: Blue and Gold – Old Battersea Bridge يوفر إطلالة ليلية على نهر التايمز في لندن. يلوح رصيف جسر باترسي في مقدمة اللوحة مع برج كنيسة تشيلسي القديمة وجسر ألبرت المبني حديثًا المرئي من بعيد. وراء الجسر ، تظهر الألعاب النارية على شكل بقع ملونة في السماء. لإنشاء هذه اللوحات ، سافر ويسلر بالقارب على طول النهر في وقت مبكر من المساء ، وهو يرسم أثناء ذهابه. لقد اعتمد على ذاكرته وتلك الرسومات التقريبية لإنشاء هذه المشاهد الجوية ذات الألوان الرقيقة من الهدوء الهادئ.

يتجلى إعجاب الفنان بالجمال الياباني في أوجه التشابه التركيبية التي تشترك فيها اللوحة مع Under the Mannen Bridge في Fukagawa (حوالي 1830-34) بواسطة Katsushika Hokusai ، أحد رسامي Ukiyo-e المفضلين في Whistler. يعتبر هذا العمل “الأكثر يابانية” من “الليالي” لويسلر بسبب أشكاله المبسطة والمظللة التي خلقت تسطيحًا ثنائي الأبعاد للتكوين. تم إنتاج جسر باترسي القديم في دعوى تشهير ويسلر ضد جون روسكين كدليل على نجاح الفنان في تقديم انطباع فني أو ذكرى لحظة عابرة. على هذا النحو ، جادل ويسلر ، فإن الموضوع نفسه يصبح غير منطقي والعلاقة بين اللون والشكل لها أهمية قصوى.

نظرًا للقب “nocturne” بعد أن وصفه قطب الشحن الأثرياء والراعي فريدريك ليلاند على هذا النحو ، فإن Old Battersea Bridge يتميز بأشكال مختلفة من البلوز الممزوج بالذهب. إن ولع ويسلر بتمويه الأشكال والتأكيد على الفروق اللونية الدقيقة ، يجعل “ملاحاته” من أولى التجارب في مجال التجريد. لقد أثاروا اهتمام أصدقائه الانطباعيين المهتمين باستكشاف العلاقة بين الألوان المختلفة وأثروا على الملحن الفرنسي الحديث كلود ديبوسي الذي أنشأ في عام 1899 تركيبة أوركسترالية بعنوان Three Nocturnes .

لوحة زيتية على قماش – مجموعة تيت ، المملكة المتحدة

1875

الموسيقى الهادئة باللونين الأسود والذهبي: سقوط الصاروخ

آخر أحداث Whistler الليلية وواحدة من ستة فقط تصور حدائق Cremorne في لندن ، الموسيقى الهادئة باللونين الأسود والذهبي: The Falling Rocket (1875) تمثل انفجارًا للألعاب النارية في سماء الليل. بدلاً من تقديم صورة محددة ، ينقل الفنان تأثيرات الألعاب النارية فوق النهر. وبذلك ، نجح في التقاط شعور بالإثارة والاحتفال. تم رسم التركيبة بشكل غير محكم بضربات فرشاة كاسحة من الأزرق الداكن والأخضر المتقطع بواسطة رشقات نارية صغيرة من الألوان الزاهية ، وهي تجسد المبدأ الجمالي “الفن من أجل الفن” من خلال نقل ما وصفه ويسلر بأنه “مزاج حالم متأمل” ، بدلاً من سرد واضح.

على الرغم من أنه يعتبر الآن أحد أهم الأمثلة على تجريد Whistler ، The Falling Rocketلم يتم استقباله جيدًا عند عرضه لأول مرة. شكك بعض المشاهدين في مزايا الموضوع الذي يبدو معقدًا ؛ بينما كره الآخرون ما اعتبروه أسلوبه المتهور والمهمل في الرسم. عندما أنتج جون روسكين مراجعة سلبية لهذه اللوحة في عام 1877 ، رفع ويسلر دعوى قضائية ضد الناقد الفني بتهمة التشهير ، وقدم هذه اللوحة ، إلى جانب لوحاته الليلية الأخرى ، كدليل. كانت إدانة روسكين لعمل الفنان كممثل لـ “المدرسة الحديثة” دقيقة في الواقع. طريقة ويسلر في تحريك الطلاء على القماش لإنشاء الألعاب النارية في The Falling Rocket تم اعتمادها من قبل الفنانين المعاصرين اللاحقين ، وعلى الأخص جاكسون بولوك.

زيت على لوحة – معهد ديترويت للفنون ، ديترويت ، ميشيغان

1876-1877

الانسجام باللونين الأزرق والذهبي: غرفة الطاووس

على الرغم من أن ويسلر اشتهر بلوحاته ، فقد تلقى طلبًا من راعيه فريدريك ليلاند للتشاور بشأن التصميم الداخلي للمهندس المعماري توماس جيكيل لغرفة الطعام في منزل ليلاند في لندن. تم تصميم الغرفة خصيصًا لعرض مجموعة Leyland المثيرة للإعجاب من الخزف الصيني وتكليف مبكر من Whistler ، The Princess from the Land of Porcelain (1863-64) ، والتي احتلت مكانة الشرف على الوشاح. كانت تعديلات Whistler أكثر شمولاً مما توقعه Leyland وأصبحت الغرفة تُعرف باسم: Harmony in Blue and Gold: The Peacock Room .

اختار ويسلر أن يجعل رسمه المستوحى من اليابان موضوعًا للغرفة ، ويزين القوالب ونقش الزخرفة بنمط زخرفي ويعيد صياغة تعليق الحائط الجلدي بقليل من الطلاء الأصفر لتعزيز الألوان في لوحته. تمت الموافقة على هذه التعديلات الطفيفة من قبل Leyland ، ولكن بمجرد مغادرة قطب الشحن إلى ليفربول ، قام Whistler بعمل المزيد ، بما في ذلك رسم ال 16 ^th– أغطية جدران من جلد قرطبة القرن الماضي باللون الأزرق البروسي مع وضع ورق الذهب المعدني على الأرفف. تم إجراء هذه التحسينات اللاحقة دون موافقة ليلاند وأثارت خلافًا بين الفنان والراعي حول التعويض المناسب للمشروع. أعرب ويسلر عن إحباطه من ليلاند من خلال إنشاء لوحة جدارية تصور اثنين من الطاووس المتقاتلين ، يعتقد أنهما يمثلان الفنان والراعي. لم ير ويسلر الغرفة مرة أخرى ولم تتعافى علاقته مع ليلاند أبدًا.

يتحدث التصميم الداخلي المزخرف بشكل متقن عن فهم ويسلر العميق للجمالية اليابانية ، مع ترسيخ الفنان باعتباره رائدًا لأسلوب فن الآرت نوفو الذي لم يتطور إلا بعد بضعة عقود. احتفلت غرفة الطاووس بأنها مثال جوهري على الجمالية الأنجلو يابانيةأسرت لاحقًا الرسام التعبيري التجريدي ، مثل روبرت مذرويل وديفيد سميث ، اللذين سعيا إلى فهم أفضل للمفهوم الشرقي عن “وحدانية الإنسانية مع الطبيعة العالمية”. من خلال جدارية الطاووس القتالية بعنوان Art and Money ، أصبح إنشاء Whistler أيضًا مهمًا كدليل بصري على شغف الفنان الشديد بالدفاع عن عمله وعملية الإبداع ، غالبًا على حساب علاقته مع الرعاة والنقاد.

زيت وطلاء وأوراق ذهبية على قماش ، وجلد ، وخشب – معرض فرير للفنون ، معهد سميثسونيان ، واشنطن العاصمة

1880

ليتل فينيس

يبلغ طول وعرض البندقية الصغيرة (1880) أقل من قدم ، وهي واحدة من أكثر من خمسين نقشًا رسمها ويسلر لتصوير المدينة خلال إقامته التي استمرت أربعة عشر شهرًا في إيطاليا ، في عام 1879. كان قد أسس شهرته بالفعل كرسام ماهر عند هذه تم عرض النقوش في لندن. لقد تم استقبالهم بشكل جيد وأظهروا كفاءته في وسائل الإعلام الفنية المتعددة. هنا ، يصور ويسلر العناصر الطبيعية للماء والهواء التي تهيمن على الامتداد الحضري الضئيل نسبيًا. يعكس النقش نهجه الحداثي في ​​الرسم فيما يتعلق باستخدامه لخطوط معبرة فضفاضة لالتقاط الجمال الأثيري ، بدلاً من التصيير الطبوغرافي للمدينة.

ليتل فينيس، والتي ظهرت كجزء من سلسلة من النقوش بعنوان “أول مجموعة فينسيا” في معرض جمعية الفنون الجميلة في لندن عام 1880 ، ساعدت ويسلر في إعادة بناء سمعته بعد دعوى التشهير Ruskin. اختار الفنان تجنب مناطق الجذب السياحي ، مفضلًا بدلاً من ذلك الاستيلاء على قنوات المدينة الصغيرة والأحياء المشتركة – “فينيسيا البندقية”. من خلال القيام بذلك ، رفع ويسلر القيمة الفنية لهذه المشاهد وساعد في إنشاء أيقونة جديدة للمدينة. إن تجارب ويسلر مع الأحبار والنغمات والورق ، بالإضافة إلى استخدامه الاقتصادي للخط وعاداته في مسح اللوحة المحفورة لإحداث تأثير في الغلاف الجوي ، هي تقنيات اعتمدها الفنانون المعاصرون لاحقًا ، مثل مورتيمر مينبس وجون مارين ، في أعمالهم الخاصة .

النقش – متحف المتروبوليتان للفنون ، نيويورك ، نيويورك

سيرة جيمس أبوت ماكنيل ويسلر

الطفولة والتعليم

كان جيمس أبوت ماكنيل ويسلر الابن الأكبر للمهندس جورج واشنطن ويسلر وزوجته الثانية الأسقفية المتدينة آنا ماكنيل. عندما كان طفلًا ، كان ويسلر مزاجيًا وعرضة لتقلبات المزاج. سرعان ما اكتشف والديه أن الرسم هدأه وشجعوا ميوله الفنية. عندما جند القيصر نيكولاس الأول والد ويسلر في عام 1842 لتصميم خط سكة حديد ، انتقل جيمس مع والده ووالدته وشقيقه الأصغر ويليام (الذي أصبح لاحقًا جراحًا للجيش الكونفدرالي) إلى سانت بطرسبرغ في روسيا. هناك ، أصر الشاب المبكر على عرض رسوماته للسير ويليام آلان ، رسام اسكتلندي استأجره القيصر لرسم صورة لبطرس الأكبر. شجع ألان الشباب على تنمية مواهبه وفي عام 1845 ، في سن الحادية عشرة ، التحق ويسلر بالأكاديمية الإمبراطورية للفنون الجميلة. هذا ، ويسلر

Whistler’s mother strove to keep her children morally grounded and to give them every opportunity, despite their precarious financial situation. She sent James to Christ Church Hall School and read Bible verses to him every morning in the hope that he would pursue a career as a minister. But her son would not be deterred from pursuing art. Whistler enrolled in the United States Military Academy at West Point in 1852, where he studied drawing under Robert W. Weir, but his aversion to authority and poor academic performance led to his expulsion shortly thereafter. Map-making, a skill developed at West Point, helped Whistler acquire his first job upon leaving school as a topographical draftsman for the U.S. Coast and Geodetic Survey. During his brief two-month tenure, the artist learned about the etching process, a skill that he would later use to create 490 etchings, drypoints, and mezzotints. Intent on pursuing art as a profession, Whistler left for Europe in 1855. He would never return to the United States.

التدريب المبكر

قدمت باريس أرضية تدريب صلبة لـ Whistler بأكثر من طريقة – كان الشاب الواثق لفترة وجيزة طالبًا في مدرسة Ecole Imperiale قبل حضور ورشة الرسام السويسري Charles Gabriel Gleyre ، الذي أصبح فيما بعد مدرسًا للانطباعيين كلود مونيه وكاميل بيسارو . وجد نفسه بعيدًا عن التأثير الديني لوالدته ، وسرعان ما وقع الشاب البالغ من العمر 21 عامًا في أسلوب الفنان البوهيمي. لقد تبنى الهواء غير الرسمي من flâneur المصمم بعناية، يتجول مكتوفي الأيدي على طول الجادات الباريسية ويأخذ في الاعتبار كل تفاصيل محيطه الحضري. “جيمي” ، كما كان معروفًا لأصدقائه ، أنفق أمواله بسخاء على الملابس والتبغ والطعام والشراب ومستلزمات الفن. غالبًا ما كان يتحول إلى رهن الممتلكات أو الاعتماد على كرم الأصدقاء لتغطية ديونه المتزايدة. كان ويسلر معجبًا بأساتذة القرن ^{السابع عشر} الهولندي والإسباني ، وقام بنسخ أعمالهم في متحف اللوفر وباعها للمساعدة في تخفيف العبء المالي عليه.

بدأ التطور الفني الحقيقي لـ Whistler في عام 1858 عندما أصبح صديقًا للرسام الفرنسي Henri Fantin-Latour ومن خلاله التقى بالرسامين الواقعيين غوستاف كوربيه وألفونس ليجروس وإدوارد مانيه ، بالإضافة إلى الشاعر والناقد الفني تشارلز بودلير الذي يُنسب إليه تحديد مصطلح “الحداثة” باعتباره عابرة للتجربة الحضرية. تأثر أسلوب رسم ويسلر في هذا المنعطف المبكر بشدة بواقعية كوربيه ، كما يتضح من الألوان الترابية والأسطح المزخرفة بدقة في At the Piano (1859). أنشأ في نفس العام الفنان انتقل إلى لندن ، في البيانوتصور أمًا وطفلًا ، أخت الفنان غير الشقيقة وابنة أخته ، في غرفة الموسيقى بمنزلهم بلندن. لقيت اللوحة استقبالًا جيدًا عندما عُرضت في الأكاديمية الملكية عام 1860. ومع ذلك ، في غضون بضع سنوات ، تخلت ويسلر عن هذا المنظور الواقعي لصالح أسلوب غريب الأطوار يتماشى بشكل وثيق مع الجمالية من حيث الجودة الزخرفية. إن إدماجه للدعائم الشرقية والتزامه بالمبادئ الجمالية اليابانية فصله عن الواقعيين ، بينما دفعه إلى آفاق جديدة داخل الحركة الجمالية.

فترة النضج

استقر ويسلر بشكل دائم في لندن عام 1859 ، لكنه زار وعرض أعماله في أوروبا القارية ، وخاصة فرنسا ، بشكل متكرر ، وإن لم يكن دائمًا مع النجاح الذي سعى إليه. على سبيل المثال ، تم رفض صورة عشيقته جوانا هيفرنان بعنوان Symphony in White ، رقم 1: The White Girl (1862) من قبل كل من الأكاديمية الملكية في لندن والصالون الفرنسي. ظهرت اللوحة المرفوضة بدلاً من ذلك تحت عنوان The White Girl in the Salon des Refusés في عام 1863 ، جنبًا إلى جنب مع أعمال الفنانين الرائدين الآخرين ، بما في ذلك إدوارد مانيه. على الرغم من سخرية المشاهدين الأكثر تحفظًا في ذلك الوقت ، The White Girl ، مثل Le dejeuner sur l’herbe من Manet(1863) ، يعتبر الآن مثالًا مبكرًا مهمًا للفن الحديث. إنه الأول من بين العديد من أعمال ويسلر التي اعتمدت على اللون لاستكشاف العلاقات المكانية والشكلية بطريقة محفزة بصريًا تتفق مع الاعتقاد الجمالي في “الفن من أجل الفن”.

كان الرسام مغامرًا في أسفاره كما كان بفرشاة. في عام 1866 أبحر ويسلر بشكل غير متوقع إلى فالبارايسو ، تشيلي. تكهن بعض العلماء أنه كان متعاطفًا مع الجيش التشيلي في ذلك الوقت في حالة حرب مع إسبانيا وغامر هناك لدعم المجهود الحربي التشيلي. بغض النظر عن سبب قيامه بالرحلة ، قام ويسلر بمجرد وصوله برسم ثلاثة مناظر بحرية تمثل تحولًا في مخزونه الفني. كانت هذه المشاهد في المرفأ المسائية بعنوان في البداية “ضوء القمر” ثم تغيرت لاحقًا إلى “ليلية” ، مستوحاة من المناظر الانطباعية التي تحمل عنوانًا مماثلًا لنهر التايمز وحدائق كريمورن التي تم إنشاؤها عند عودة الفنانة إلى لندن.

أصبح ويسلر مدركًا للانطباعية بفضل زملائه الفنانين كلود مونيه وكاميل بيسارو ، الذين انتقلوا مؤقتًا في عام 1870 إلى لندن لتجنب الحرب الفرنسية البروسية. خلال هذه السنوات ، ابتكر ويسلر “الليلي” من خلال وضع طبقات رقيقة من الطلاء تتخللها بقع من الألوان الزاهية للإشارة إلى الأضواء أو السفن البعيدة. كانت المبادئ الجمالية اليابانية ، مثل الأشكال المبسطة والخطوط التعبيرية ، الواضحة في هذه اللوحات ، بمثابة اكتشاف للفنانين الجماليين الإنجليز الذين ليسوا على دراية بمطبوعات Ukiyo-e Woodblock والخزف الآسيوي الذي جمعه Whistler ومعاصروه الفرنسيون. على غرار صوره ومتسقة مع المبادئ الانطباعية الفرنسية ، “ليلية” لويسلريظهر أيضًا انشغاله الحداثي بإحداث تأثير شامل على حساب التفاصيل المحددة والتمثيل الدقيق. في الواقع ، دعا إدغار ديغا ويسلر للانضمام إلى المعرض الجماعي الأول للانطباعيين في عام 1874 ، لكن ويسلر رفض.

على الرغم من أن ويسلر رسم “ليلية” بحرية خلال السنوات العشر القادمة ، إلا أن إنتاجه للصور لم يتضاءل. خلال هذه الفترة ، ابتكر أكثر أعماله شهرة ، وهي صورة لوالدته بعنوان الترتيب باللون الرمادي والأسود أو صورة والدة الفنان (1871). حققت اللوحة نجاحًا كبيرًا ، لكن وصول والدته في عام 1864 أدى إلى تجعيد شديد في الحياة الخالية من الهموم التي كان يعيشها في لندن. عندما علم بخططها للبقاء معه ، أُجبر ويسلر البالغ من العمر تسعة وعشرين عامًا على تقويم حياته ، والتي تضمنت نقل عشيقته جوانا هيفرنان من منزله إلى شقة.

كما نما ويسلر في الاعتراف كفنان ، وكذلك سمعته كرجل بارع وآراء. لقد تفوق مرة واحدة على أوسكار وايلد في إحدى الحفلات من خلال لفت الانتباه إلى عادة المؤلف في سرقة العبارات الذكية (بما في ذلك بعض عبارات ويسلر). لكن الفنان عانى أيضًا من تقلبات مزاجية متقلبة ومزاج كبير ، وأمراض كان يعاني منها منذ الطفولة. في الواقع ، كان الغضب والغيرة هو الذي تسبب في انهيار علاقة ويسلر بعشيقته جوانا هيفرنان بعد أن كانت عارية أمام صديقه غوستاف كوربيه.

أثرت شخصية ويسلر المهيمنة في بعض الأحيان سلبًا على حياته المهنية كفنان. يُحتفل الآن باعتباره أعظم مثال على الاندماج الفني الأنجلو-ياباني وأهم مساهمة في التصميم الداخلي الجمالي ، تسبب Whistler’s Harmony in Blue and Gold: The Peacock Room (1876-77) في حدوث صراع كبير بين الفنان وراعيه فريدريك ليلاند. كان ويسلر جامعًا متحمسًا للمطبوعات والخزف الياباني. لذلك عندما طلب منه ليلاند إجراء بعض التغييرات الطفيفة على غرفة طعامه المصممة لعرض مجموعته الخاصة من الخزف ، قبل ويسلر بشغف. ومع ذلك ، أثبتت تعديلات الفنان أنها أكثر شمولاً مما كان متوقعًا وتبع ذلك نزاع بشأن الدفع.

كما جادل ويسلر مع نقاد الفن. من خلال شرح نهجه في الرسم ، طور نظريته الخاصة في الفن التي وصفها في عام 1873 بأنها “علم اللون و” نمط الصورة “. منزعجًا مما اعتبره هجومًا على Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket (1874) في شكل مراجعة ضعيفة من قبل John Ruskin ، رفع Whistler دعوى قضائية ضد الناقد الفني بتهمة التشهير. على الرغم من فوز الفنان ، إلا أن قرار القاضي بفارثنج واحد ، أي ما يعادل البنسات فقط ، قد أدلى ببيان قوي حول القيمة التي وضعتها المحكمة على القضية. اضطرته حاجة ويسلر إلى دفع تكاليف المحكمة الباهظة إلى الانهيار المالي.

الفترة المتأخرة

في عام 1879 ، أجبر ويسلر المفلس على مغادرة منزله في لندن. سافر هو وعشيقته الجديدة ، مود فرانكلين ، إلى البندقية حيث أنجز عمولة من جمعية الفنون الجميلة لإنشاء سلسلة من النقوش. خلال إقامته التي استمرت أربعة عشر شهرًا ، ابتكر ويسلر أيضًا العديد من لوحات الباستيل والألوان المائية جنبًا إلى جنب مع أكثر من خمسين نقشًا لمشاهد من البندقية. لقيت رسوماته للمدينة الإيطالية استقبالًا جيدًا عندما عُرضت في لندن في عامي 1880 و 1883 وتزايد الطلب على ألوان الباستيل الخاصة به.

خلال السنوات الأخيرة من حياته ، استمر في رسم الصور الشخصية ، وجرب التصوير الفوتوغرافي الملون والطباعة الحجرية ، ونشر كتابين ؛ محاضرة الساعة العاشرة (1885) والفن اللطيف لصنع الأعداء(1890). كان ويسلر مدركًا لشخصيته العامة ، وعمل بجد لتنمية صورته كفنان ناجح. غالبًا ما كان يمكن رؤيته وهو يرتدي عصا أحادية من الخيزران في يده ، ويرتدي ناصية بيضاء واحدة في شعره البني ، وهو تمييز يُنسب إلى أصدقائه “شره”. يسعى دائمًا إلى السيطرة ، وكان معروفًا أنه ينصح النساء بما يرتدينه في معارضه حتى لا تتعارض ملابسهن مع الألوان في أعماله. بحلول تسعينيات القرن التاسع عشر ، ابتكر ويسلر أيضًا توقيعه الفريد: فراشة تشكلت من الأحرف الأولى من اسمه مع ذيل – ربما إشارة إلى لمسته الرقيقة ولسانه الحاد.

في عام 1888 تزوج ويسلر من تلميذه السابق وصديقه بياتريكس جودوين. امرأة حسنة السمعة ، ساعدته علاقاتها في الحصول على المزيد من العمولات للعمل. انتقل الزوجان في نهاية المطاف إلى باريس حيث أسس ويسلر استوديوًا وكان له فترة من الإنتاج الإنتاجي قبل أن يعاني من فقدان زوجته بسبب السرطان في عام 1896. في وقت لاحق ، أسس ويسلر مدرسة للفنون ولكن تدهور حالته الصحية جعل المشروع غير قابل للإدارة. أغلقت المدرسة في عام 1901 ، قبل عامين فقط من وفاة ويسلر في عام 1903.

تراث جيمس أبوت ماكنيل ويسلر

تبنى ويسلر ، مثل كوربيه ، شخصية فنية ودافع بقوة عن عمله بطريقة تلهم الأجيال اللاحقة من الفنانين لتحدي السلطات الفنية. على الرغم من أن أسلوب رسمه كان جذريًا للغاية بالنسبة للعديد من الفيكتوريين ، إلا أنه بحلول وقت وفاته ، كان للفنان الفضل في إدخال الرسم الفرنسي الحديث إلى إنجلترا ، كما هو مذكور في صحيفة ديلي كرونيكل بلندن : “لقد مرت خمسة وعشرون عامًا على الحالة الشهيرة ،” Whistler مقابل Ruskin “. في تاريخ الفن قد يستغرق الأمر مائتي عام ، لذلك تغيرت وجهة نظر النقاد والجمهور تمامًا ، وهكذا تغيرت العبقرية اللامعة للرجل الذي وصفه روسكين بـ” coxcomb ” “تم تبرئته”.

بعيدًا عن الانطباعية البريطانية ، يظهر تأثير أعمال ويسلر بشكل أكثر وضوحًا في لوحات معاصريه الأمريكيين والأجيال اللاحقة من الفنانين المعاصرين. جون سينجر سارجنت ، هنري أوساوا تانر ، وألبرت هيرتر من بين الرسامين الأمريكيين الآخرين الذين أعجبوا بل وقلدوا أحيانًا أسلوب ويسلر في الألوان وحتى ترتيب الأشكال في صوره. كانت الموسيقى الهادئة للفنان بمثابة بداية لحركة الفن نحو التجريد ، والتي ستبلغ ذروتها في لوحات الحركة الإيمائية للخبراء التعبيريين التجريديين جاكسون بولوك ومارك روثكو. من خلال تصور أعماله وتمليكها بمصطلحات موسيقية مجردة ، ساعد ويسلر في قيادة نهج حديث جديد للرسم حيث يكون الوسط نفسه هو الموضوع ، وليس الحاضنة أو المشهد المصور.