الباروك

ملخص للفن والعمارة الباروكية

في عام 1527 ، كان للهيمنة الدينية في أوروبا القدرة على توجيه وإعلام محتوى ومناخ الإنتاج الفني للمجتمع. في ذلك الوقت ، أجبرت الكنيسة الكاثوليكية رد الفعل العنيف ضد الإصلاح البروتستانتي المحافظ على إعادة ترسيخ أهميتها وعظمتها داخل المجتمع. تبع الفنانون حذوهم بإحياء مُثُل عصر النهضة للجمال ، وغرسوا في الأعمال الفنية والموسيقى والهندسة المعمارية في العصر ، إيماءة متجددة للكلاسيكية معززًا بإسراف غزير جديد وميل للمزخرف. تم صياغة هذا الأسلوب المزخرف للغاية على الطراز الباروكي وتميز بتقنياته وتفاصيله المبتكرة ، مما يوفر لغة بصرية جديدة خصبة في فترة كانت معتدلة نسبيًا للفن.

انتشر الباروك في جميع أنحاء أوروبا ، بقيادة البابا في المقام الأول في روما والحكام الكاثوليك في إيطاليا وفرنسا وإسبانيا وفلاندرز. تم نشره بشكل أكبر من قبل الجماعات الدينية القوية من خلال شبكة واسعة من الأديرة والأديرة. انتشر الأسلوب بسرعة إلى فرنسا وشمال إيطاليا وإسبانيا والبرتغال ، ثم النمسا وجنوب ألمانيا.

الأفكار والإنجازات الرئيسية

• أعاد الباروك صور العبادة الدينية إلى نظر الجمهور بعد أن تم حظرها لتمجيدها للأثيري والمثالي. أعلن قادة الحركة أن الفن يجب أن يُفهم بسهولة وأن يشعر به عامة الناس بقوة مما يشجع على التقوى والرهبة للكنيسة.
• أصبحت الكنائس الباروكية مثالًا محوريًا للتأكيد النشط على مجد الكاثوليكية بتصميماتها التي تضمنت مساحة مركزية كبيرة مع قبة أو قبة علوية عالية ، مما يسمح للضوء بإلقاء الضوء على الفضاء أدناه. كانت القبة إحدى السمات الرمزية المركزية للعمارة الباروكية التي توضح الاتحاد بين السماوات والأرض. سمحت التصميمات الداخلية المعقدة للغاية ، المليئة بالزخارف ، بالشعور بالانغماس الكامل في مساحة مرتفعة ومقدسة.
• كانت الخصائص المميزة لأسلوب الباروك هي: الحركة الحقيقية أو الضمنية ، ومحاولة تمثيل اللانهاية ، والتركيز على الضوء وتأثيراته ، والتركيز على المسرحية. تم تقديم عدد من التقنيات ، أو تطويرها بشكل أكبر ، من قبل فناني الباروك لإنجاز هذه التأثيرات بما في ذلك quadro riportato (اللوحات الجدارية التي تضمنت وهم كونها مكونة من سلسلة من اللوحات المؤطرة) ، التربيع (لوحة السقف) ، وتقنيات trompe l’oeil . سمح هذا بطمس الحدود بين الرسم والنحت والعمارة التي كانت توقيعًا للحركة.
• بشرت الباروك بعصر جديد للنحت الأوروبي ، بقيادة عمل جيان لورنزو بيرنيني ، الذي أكد الثراء الحسي والواقعية الدرامية والعاطفة الشديدة والحركة. في المنحوتات الباروكية ، اكتسبت الأشكال أهمية جديدة ، وغالبًا ما تتصاعد إلى الخارج من دوامة مركزية ، لتصل إلى الفضاء المحيط ، من المفترض أن تُرى في الجولة من وجهات نظر متعددة.
• كان استخدام chiaroscuro ، حيث ساعدت معالجة الضوء والظلام في عمل فني على خلق توتر دراماتيكي ، عنصرًا أساسيًا في العمل الفني الباروكي. تم تطويره بشكل أكبر بواسطة باروك كارافاجيو إلى التنبارية ، والتي استخدمت تكثيف التباين داخل مشاهد الغلاف الجوي المظلمة لتسليط الضوء على عناصر معينة.

الفنانين الرئيسيين

• كارافاجيونظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية
• بيتر بول روبنزنظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية
• أرتميسيا جينتيليشينظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية
• جيان لورينزو بيرنينينظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية
• رامبرانت فان رايننظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية
• كلود لوريننظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية
• دييغو فيلاسكيزنظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية
• أنتوني فان ديكنظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية

الأعمال الفنية وفناني الفن والعمارة الباروكية

تقدم الفن

1599-1600

دعوة القديس ماثيو

الفنان: Caravaggio

يُظهر هذا العمل حانة مظلمة حيث استدار عدد من الرجال يرتدون ملابس عصرية لمواجهة المسيح ، وذراعه اليمنى تشير إلى القديس ماثيو. الضوء ، الذي يخلق قطريًا يتبع حركة المسيح ، يسلط الضوء على تعابير الرجال وإيماءاتهم ، وينقل إحساسًا بالوصول الدرامي للإله. تم تصوير الشخصيات بشكل واقعي ، عضلات عضلي قوية وفخذين في منتصف الحركة. الرجل الموجود في نهاية الطاولة ينغمس في عد العملات المعدنية.

كان هذا العمل واحدًا من ثلاث لوحات رسمها الفنان في تكليف بتصوير اللحظات المميزة في حياة القديس ماثيو. استخدام chiaroscuro، التباين الشديد بين الضوء والظلام ، يُظهر العمل الواقعية المباشرة والشعور الشديد بالدراما النفسية التي ميزت أعمال كارافاجيو. تضمنت تقنيته استخدام الأشخاص العاديين كنماذج ورسمهم مباشرة ، وترك مرحلة الرسم ، ونتيجة لذلك ، كما قال المنسق الفني ليتيتسيا تريفيس ، “جعل هذه القصص الكتابية حية للغاية ، وأدخلها في وقته الخاص – و إنه يشركك ، حتى لا تشاهد فقط بشكل سلبي. حتى اليوم ، لا تحتاج إلى معرفة القصة … لتشعر بالمشاركة في الدراما. “

في أوائل القرن السابع عشر ، تأثر فنانون مشهورون بما في ذلك روبنز وفيلازكويز ورمبرانت والكارافاجيست في جميع أنحاء أوروبا على نطاق واسع بأسلوب كارافاجيو. كما أثر على الفنانين الأقل شهرة مثل ديرك فان بابورين وجيريت فان هونثورست وفالنتين دي بولوني. بحلول نهاية القرن ، سقطت أعماله في حالة من الغموض وحل محلها التركيز المتزايد على الكلاسيكية ، ولم يتم إحياؤها حتى منتصف ^{القرن العشرين} بمعرض كبير في ميلانو عام 1951. وأصبح عمله مؤثرًا مرة أخرى ، على سبيل المثال ، بناء على المصور ديفيد لاشابيل ، والفنان مات كوليشو ، والمخرج مارتن سكورسيزي. قال سكورسيزي عن عمله ، “لقد أتيت إلى المشهد في منتصف الطريق وأنت منغمس فيه … كان مثل العرض الحديث في الفيلم: كان قويًا ومباشرًا.”

زيت على قماش – سان لويجي دي فرانشيسي ، روما

ج. 1622-25

Le debarquement de Marie de Médicis au port de Marseille le 3 November

الفنان: Peter Paul Rubens

تصور هذه اللوحة وصول ملكة فرنسا ماري دي ميديشي ، مرتدية ملابس فضية باهرة ، برفقة دوقة توسكانا الكبرى ودوقة مانتوا ، وهي تنزل على حاجز أحمر. جندي في عباءة زرقاء مزينة بزهور ذهبيةللدلالة على فرنسا ، يفتح ذراعيه لتحية لها. فوقها ، شخصية مجنحة أسطورية ، تمثل الشهرة مع أبواقين ، تبشر بوصولها للزواج من الملك هنري الرابع. يخلق قطر الحاجز الأحمر الذي يمتد من مقدمة السفينة الذهبية إحساسًا بالحركة كما يقسم اللوحة إلى عالمين مختلفين ؛ عالم النبلاء الأنيق والمكرر أعلاه ، والمشهد الأسطوري الكلاسيكي أدناه. ثلاثة نياد يونانية ، آلهة البحر الذين أمّنوا رحلات آمنة ، يملأون الإطار السفلي. على يسارهم ، يمد نبتون بلحية رمادية ذراعه لتهدئة البحر ، بينما بجانبه ، يتكئ الإله فورتشن على القارب أثناء توجيهه. تضفي هذه الشخصيات الأسطورية معنى عظيماً واستعاريًا على وصول الملكة ، ولكن في الوقت نفسه ، يطغى العراة الثلاثة على الحدث بحساسيتهم الديناميكية.

كانت مؤلفات روبنز البارعة التي جمعت بين ثروة من التاريخ والرمز مع صور لحظات التوقيع في مشاهد الوفرة البصرية مطلوبة بشدة لدى النبلاء. كانت شهوانية بلا خجل لعراة عراة كاملة الشكل مبتكرة أيضًا ، ومميزة جدًا لا يزال يطلق عليها اسم “روبنسك”. كما كتب الناقد الفني مارك هدسون ، “لقد استورد اللوحة الباروكية البدائية لتيتيان ومايكل أنجلو والواقعية الجريئة لكارافاجيو إلى شمال أوروبا ، ودمجها في فن كاثوليكي ضخم جسديًا ، مثقلًا بشكل حسي ، وكاثوليكي منتصر.”

كانت هذه واحدة من 24 لوحة كلفت ماري دي ميديشي في عام 1621 ، بعد اغتيال زوجها هنري الرابع ، لإنشاء دورة لتخليد حياتها. ربما كان الدافع وراء تصوير مكانتها الصحيحة ، حيث أدت التوترات بين الفصائل الحاكمة في فرنسا والملكة “الأجنبية” إلى إبعادها من المحكمة في عام 1617. وقد انجذب روبنز ، أشهر رسام في شمال أوروبا ، إلى اللجنة حيث أعطته الإذن باستكشاف موضوع علماني ، وموضوع يمكنه إعلامه من خلال العلاجات المجازية والأسطورية. كتب مؤرخ الفن روجر أفيرمايت عن العمل ، “لقد أحاطها [ماري دي ميديتشي] بمثل هذا الثراء من الملحقات التي كانت تقريبًا في كل لحظة يتم دفعها إلى الخلفية. ضع في اعتبارك ، على سبيل المثال ، النزول في مرسيليا، حيث كل شخص لديه عيون فقط على Naiads الحسية ، على عكس الملكة التي تستقبلها فرنسا بأذرع مفتوحة. “

كان لعمل روبن تأثير على فنانين مثل Velázquez وأبلغ فناني Rococo الذين تبعوه بما في ذلك Antoine Watteau و Francois Boucher. لقد أثر أيضًا في أوجين ديلاكروا ، وبول سيزان ، وبابلو بيكاسو. وعلى الرغم من أن مناظره الطبيعية قد أثرت أيضًا على JMW Turner ، و John Constable ، و Thomas Gainsborough. كما كتب مارك هدسون ، “من رامبرانت وواتو وديلاكروا إلى سيزان وبيكاسو ، الإحساس قوي وعميق من خلال الفن الغربي “.

زيت على قماش – متحف اللوفر ، باريس

ج. 1620 – 21

جوديث وهولوفرنيس

الفنان: Artemisia Gentileschi

تصور هذه اللوحة الديناميكية القصة التوراتية للأرملة المتدينة جوديث ومرافقتها أبرا وهما يقطعان رأس الجنرال الآشوري المجاهد هولوفرنيس. عندما حاصرت هولوفرنيس مدينتها وهددت بتدميرها ، تزينت جوديث نفسها وخرجت لمقابلته بحجة تقديم المعلومات. بقصد إغواءها ، دعاها إلى خيمته لتناول العشاء ، ولكن كما يقول الكتاب المقدس ، “كان مفتونًا بها لدرجة أنه شرب نبيذًا أكثر بكثير مما كان قد شربه في أي يوم آخر من حياته”. بأخذ سيف ، قطعت جوديث رأسه وعادت برأسه في سلة إلى المدينة ، حيث تم الإشادة بها كبطل. على عكس الرسوم التقليدية التي أكدت على جمال جوديث ودقتها وصورت عبرة كشاهد مراقب ، فإن هذا العمل يؤكد بشكل مبتكر على قوة المرأة ، تعبر تعبيراتهم عن تصميم حازم ، وهم يعملون معًا ، وشمر الأكمام ، للقيام بمهمة صعبة ولكنها ضرورية. كما كتب مؤرخ الفن إسبيرانكا كامارا ، فإن القوة الجسدية الشديدة والعنف في التصوير ، “حتى يومنا هذا … تصدم مشاهديها بالاشمئزاز والرهبة من مهارة الفنان الذي حوّل الرسم بشكل مقنع إلى دم”.

كان هذا الموضوع الخاص شائعًا في عصر النهضة في فلورنسا ، كما رأينا في تمثال دوناتيلو جوديث وهولوفرنيس(1460). في فترة الباروك ، أصبحت مرتبطة بالكنيسة المناضلة ، تعبيرا عن انتصار المسيحية. لكن تصوير Gentileschi اتخذ طابعًا فوريًا فريدًا حيث تم إعلامه بتجربة شخصية مؤلمة. صورت نفسها على أنها جوديث وهولوفرنيس تشبه الفنانة أغوستينو تاسي ، مدرسها الفني الذي اغتصبها. في عام 1612 ، قُدم للمحاكمة (على الرغم من أن جنتيلشي هي التي تعرضت للتعذيب للتأكد من صدقها) ، وأدين ، وقضى ثمانية أشهر في السجن قبل أن يتم العفو عنه في وقت مبكر من عقوبته. على الرغم من إدانته بالاغتصاب سابقًا والاشتباه في قيامه بقتل زوجته ، فقد استفاد تاسي من امتيازات النوع الاجتماعي في تلك الحقبة والحماية التي قدمها الرعاة الأقوياء للفنانين. قال البابا إنوسنت العاشر ، ” تاسي هي الوحيدة من بين هؤلاء الفنانين التي لم تخيب ظني أبدًا ، “بمعنى أنه لم يتظاهر أبدًا بأنه رجل شرف. كما كتب الناقد الفني جوناثان جونز ،” لقد أوصلت رؤية شخصية قوية ، “التي” قاومت الرجل العنف الذي سيطر على العالم الذي عاشت فيه. “ربما نتيجة لتلك الرؤية الشخصية المكثفة ، تم إخفاء عملها فيما بعد. وبحلول القرن الثامن عشر الميلادي ، كان يُنظر إليه على أنه” عنيف للغاية “. في وقتها ، كما كتبت جونز ، “جعلتها القوة العميقة للوحاتها واحدة من أشهر الفنانين في أوروبا”. أعاد الفنانون النسويون ، بما في ذلك جودي شيكاغو وفتيات الغوريلا في السبعينيات ، اكتشاف أعمالها. “التي قاومت عنف الذكور الذي هيمن على العالم الذي عاشت فيه.” ربما نتيجة لتلك الرؤية الشخصية المكثفة ، تم إخفاء عملها في وقت لاحق. وبحلول القرن الثامن عشر الميلادي ، كان يُنظر إليه على أنه “عنيف للغاية”. في وقتها ، كما كتبت جونز ، “جعلتها القوة العميقة للوحاتها واحدة من أشهر الفنانين في أوروبا”. أعاد الفنانون النسويون ، بما في ذلك جودي شيكاغو وفتيات الغوريلا في السبعينيات ، اكتشاف أعمالها. “التي قاومت عنف الذكور الذي هيمن على العالم الذي عاشت فيه.” ربما نتيجة لتلك الرؤية الشخصية المكثفة ، تم إخفاء عملها في وقت لاحق. وبحلول القرن الثامن عشر الميلادي ، كان يُنظر إليه على أنه “عنيف للغاية”. في وقتها ، كما كتبت جونز ، “جعلتها القوة العميقة للوحاتها واحدة من أشهر الفنانين في أوروبا”. أعاد الفنانون النسويون ، بما في ذلك جودي شيكاغو وفتيات الغوريلا في السبعينيات ، اكتشاف أعمالها.

زيت على قماش – معرض أوفيزي ، فلورنسا

1624-33

بالداتشين

الفنان: جيان لورينزو بيرنيني

كلفت عائلة باربيريني من البابا أوربان السابع هذه بالداتشين ، أو المظلة الاحتفالية ، لموقع قبر القديس بطرس في مدينة الفاتيكان. وهي مكونة من أربعة أعمدة سليمان حلزونية تلتف لأعلى نحو أربعة ملائكة ضخمة يتجمعون تحت صليب ذهبي لامع يستريح على كرة في رمز كلاسيكي لانتصار المسيحية. الطاقة الديناميكية للأعمدة ، التي سميت باسم معبد سليمان القديم ، تربط الماضي بشكل مجازي بالحاضر لنقل السلطة المستمرة للكنيسة. يتم إنشاء تأثير مثير ومذهل ، شاهق فوق المذبح العالي. من خلال الجمع المبتكر بين النحت والعمارة ، يتأمل الهيكل بين النطاق الواسع للبازيليكا والحجم البشري للمصلين المجتمعين ، بينما يؤطر أيضًا ويترك المنظر مفتوحًا لكرسي القديس بطرس ،

كان تفصيل بيرنيني للأسطح بتفاصيل رمزية رائدًا في تركيز High Baroque على الزخرفة. حُفرت القواعد ، أو القواعد الرخامية ، في ثمانية شارات النبالة ، تُظهر شعار باربيريني للأذرع مع النحل ، وتاج بمفاتيح القديس بطرس ، ورأس ساتير ، ورأس امرأة. تتغير تعابير وجه المرأة بشكل كبير واستُبدلت في القاعدة الأخيرة بوجه كروب مما تسبب في إطلاق عدد من العلماء عليها اسم “تسلسل الولادة”. تتكاثر الزخارف والزيتون والغار والكروب الصغير الذي يطارد النحل والسحالي العرضي ، مما يخلق حيوية عضوية ومعنى رمزيًا عند الانتقال إلى أعلى الأعمدة. تمت ملاحظة هذه التفاصيل بدقة وواقعية لدرجة أن الأسطورة انتشرت أن بيرنيني قد غطى سحلية حية لإلقاءها.

(1940) وصف المخرج الكبير سيرجي آيزنشتاين التسلسل بأنه “واحد من أكثر المؤلفات روعة لهذا المعلم العظيم برنيني” ، مع شعارات النبالة كـ “ثماني لقطات ، وثماني متواليات من سيناريو المونتاج الكامل”.

برونز ومذهب ورخام – كاتدرائية القديس بطرس ، روما

1642

المراقبة الليلية

الفنان: رامبرانت فان راين

تصور هذه اللوحة سرية مليشيا (وحدة حراسة مدنية بشكل أساسي) وهي تستعد للخروج لحماية المدينة. استخدام الضوء والظل للتركيز على شخصية الكابتن فرانس بانينج بالأسود وملازمه ويليم فان رويتينبيرش ، مرتديًا اللون الأصفر المتلألئ للنصر. على يسار Banning ، قد ترمز فتاة واحدة ترتدي قماشًا مضيئًا إلى الشركة. يحتوي حزامها على قريلين: مسدس ومخالب دجاجة ميتة ، والتي كانت تمثل كلووينيرس ، أو الاسم الهولندي لهذه الشركة من هواة النقل.، (رجال مسلحون ببنادق طويلة.) يتم نقل إحساس الترقب الديناميكي من خلال تعابير الوجه وإيماءات الشركة: يدق رجل على الطبلة على اليمين ولكن لا يبدو أن هناك من ينتبه ؛ يحاول رجل آخر بشكل محرج تحميل بندقيته ؛ ورجل يرتدي خوذة بأوراق البلوط أطلق للتو من تلقاء نفسه. نتيجة لذلك ، يلتقط رامبرانت الإنسانية الكوميدية والصاخبة والهادفة والفردية للمجموعة.

قامت شركة الميليشيا في المنطقة الثالثة بتكليف صورة جماعية في عام 1639 ، كانت مخصصة للعرض في Kloveniersdoelen الجديد (قاعة اجتماعات Musketeer’s). أنجزت قطعة رامبرانت التمثيل التقليدي لكل فرد ولكنها قدمت شيئًا جديدًا من الناحية التركيبية ؛ كما كتب الناقد الفني Maike Dirkx ، “فعل رامبرانت شيئًا مختلفًا تمامًا: في عملهNight Watch ليس الجالسين ولكن العمل هو محور الاهتمام وحيث تكون لوحات الحراس المدنيين الأخرى ثابتة ، فهو يدور حول الحركة. “

على الرغم من أن مسيرة رامبرانت المهنية تراجعت في حياته المهنية ونسي عمله بشكل عام ، فقد أعيد اكتشاف عمله في القرن التاسع عشر وقد أثر على عدد من الفنانين بما في ذلك أوغست رودان وماكس ليبرمان وفينسنت فان جوخ. الآن واحدة من أكثر اللوحات شهرة في العالم ، تمتعت هذه القطعة بحضور ثقافي مستمر أثارها الفيلسوف موريس ميرلو بونتي ، جان لوك جودار فيلم Passion ، The Night Watch (1982) ، وفيلم Peter Greenaway للمراقبة الليلية (2007).

زيت على قماش – متحف ريجكس ، أمستردام

1648

صعود ملكة سبأ

الفنان: كلود لورين

يقدم هذا العمل مدينة متخيلة ومثالية مغمورة بشعور من العظمة الهادئة ، معززة بتركيز العمل الشعري على الضوء. يشير الكتاب إلى القصة التوراتية لزيارة ملكة سبأ للملك سليمان في القدس ، لكنه يركز بشكل أساسي على المناظر الطبيعية التي تتقاطع فيها أشعة الشمس مع اللوحة القماشية. تؤطر المباني الكلاسيكية كلا جانبي العرض ، مما يخلق إحساسًا قويًا بالتركيب ، مسترشدًا بمنظور خطي دقيق. تعكس الأعمدة الموجودة على اليسار صورة الصاري للسفينة ، وتتقاطع مع قطري الشراع والمقدمة. على اليمين ، تجذب أعمدة المبنى انتباه المشاهد إلى المجموعة المحيطة بالملكة التي تنزل إلى قارب الإطلاق.

اختار كلود بشكل مبتكر لحظة رحيل الملكة ، بدلاً من التصوير التقليدي للقائها مع الملك سليمان ، مما سمح له بالتركيز على مشهد المرفأ ، وهو موضوع كان رائداً. جعلت استكشافاته المبتكرة للضوء منه أكثر رسام المناظر الطبيعية شهرة في عصره. على الرغم من أنه فرنسي ، فقد تدرب في روما وبعد ذلك ، عمل في المدينة لرعاة مشهورين ، بما في ذلك دوك دي بوالون ، وهو جنرال في الجيش البابوي ، الذي أمر بهذا العمل كجزء من زوج يصور مشاهد توراتية مبهجة. اللوحة الأخرى ، المناظر الطبيعية مع زواج إسحاق وريبيكا (1648) تجعل المشهد نفسه هو الموضوع ، حيث أن المرجع الوحيد للقصة التوراتية هو نقش صغير على شجرة مرسومة في الرعوية المثالية.

أثرت أعمال كلود بشكل كبير على JMW Turner الذي رسم ديدو بيلدينغ قرطاج (المعروف أيضًا باسم صعود الإمبراطورية القرطاجية ) (1815) ، مرددًا هذه اللوحة. شعر تيرنر أن هذا مهم جدًا لعمله لدرجة أن وصيته في البداية طلبت دفنه ملفوفًا في القماش. قام في وقت لاحق بتعديل إرادته ليطلب عرض اللوحة ، مقترنة به شروق الشمس من خلال بخار ، صيادون ينظفون ويبيعون الأسماك (1807) ، جنبًا إلى جنب مع زوج كلود من اللوحات.

زيت على قماش – المتحف الوطني ، لندن

1647-1652

نشوة القديسة تريزا

الفنان: Giovanni Lorenzo Bernini

تم تزيين المناطق الداخلية الملونة في كنيسة كورنارو في برنيني الواقعة في كنيسة سانتا ماريا ديلا فيتوريا بشكل كبير. بداخله على اليمين نرى تمثال القديسة تيريزا في حالة نشوة. فوقها إلى اليسار ، يبتسم لها ملاك ذكر ممسكًا بالحربة التي سيغرقها في قلبها. يبدو أن الرخام يدور ويسقط مما يؤكد إغماء تيريزا حيث يضاء التمثال من شعاع من الضوء الذهبي من الأعلى.

تم تقديس القديسة تيريزا من أفيلا في عام 1622. لتصوير لقاءها الصوفي ، اتبعت بيرنيني سرد ​​السيرة الذاتية للراهبة الإسبانية في حياة تيريزا ليسوع.(1515-1582). نجح في تحويل الرؤية الروحية جذريًا إلى صورة حسية وجسدية ، كما أشار الناقد الفني إيرفينغ لافين ، أصبح العمل “نقطة اتصال بين الأرض والسماء ، بين المادة والروح”.

كان جزء من استراتيجية برنيني المبتكرة هو وضع الشخصيات الرئيسية في السرد في إطار مسرحي حيوي. تضاء المنحوتات في الخلفية بينما في نفس الوقت تضع الأعمدة والمنافذ المؤطرة الغنية بالألوان الراهبة والملاك في مساحة منفصلة من عالم آخر. وتزيد صناديق المسرح ، التي تظهر على اليسار واليمين ، والتي تحتوي على منحوتات بالحجم الطبيعي لعائلة كورنارو في محادثة متحركة ، التأثير. ينقل تباين الأشكال البشرية في الرخام الأبيض مع الرخام الملون للإعدادات بمهارة تحديدًا أساسيًا بين رؤية القديس ورؤية العائلة البابوية. كما كتب مؤرخ الفن رودولف ويتكوير ، “على الرغم من الطابع التصويري للتصميم ككل ، ميز برنيني بين درجات مختلفة من الواقع ، يبدو أن أعضاء كنيسة كورنارو أحياء مثلنا. إنهم ينتمون إلى فضائنا وعالمنا. يتم رفع الحدث الخارق لرؤية تيريزا إلى مجال خاص به ، بعيدًا عن مشهد الناظر بشكل أساسي بفضل المظلة المنعزلة والضوء السماوي “.

كان الصوفيون المشهورون الآخرون يصفون الاتحاد الروحي مع الله بمصطلحات جسدية حتى حسية ، وأكد تفسير برنيني على الحسية من خلال وضع جسد القديس وتعبيرات وجهها ، مما دفع كاتب سيرته الذاتية فرانكو مورماندو لكتابة ، “بالتأكيد لا يوجد فنان آخر ، في التقديم المشهد قبل أو بعد برنيني تجرأ كثيرًا في تغيير مظهر القديس “. هذا المزج المبتكر للروحانية والإثارة جعل أعماله مؤثرة ، لكن أعظم ابتكاراته كانت الجمع بين الرسم والنحت والعمارة لخلق بيئة موحدة ، بحيث يخطو المشاهد حرفيًا في تجسيد رؤيته الفنية.

رخام وجص وطلاء – سانتا ماريا ديلا فيتوريا ، روما

1656

لاس مينيناس

الفنان: دييغو فيلاسكيز

تقدم هذه اللوحة الأيقونية ، التي تُترجم إلى “خادمات الشرف” ، مشهدًا فخمًا تحاط فيه إنفانتا مارغريتا البالغة من العمر خمس سنوات ، وريثة العرش الإسباني ، بسيداتها المنتظرات وحاضرات أخريات في استوديو الرسم الفسيح في فيلاسكويز . هي ابنة الملك فيليب الرابع ، الذي كان فيلاسكيز رسام البلاط ، وزوجته الثانية ماريانا من النمسا. تكشف اللوحة الكبيرة التي يبلغ ارتفاعها سبعة في عشرة أقدام عن فيلاسكيز نفسه ، وهو يقف خلف لوحة كبيرة من القماش على الجانب الأيسر. يحتوي الجدار المُقصر مسبقًا على اليمين على ثلاثة صفوف من الأعمال الفنية ، مما يساعد على إنشاء المساحة. أكثر من نصف المساحة قاتمة ومظلمة وفارغة حول الأشكال. يظهر الزوجان الملكيان على شكل انعكاس في مرآة على الحائط الخلفي. اثنين من الأقزام المحكمة ، وكلب كبير باقية في الركن الأيمن السفلي. خلف الأقزام

من الناحية الفنية ، يعد العمل شهادة على تألق فيلاسكيز في التركيب. هنا ، استخدم الملاحظة الذكية لإنشاء صور مقنعة ، لكن التركيز الحقيقي للعمل ، باستخدام الفضاء الحقيقي ، ومساحة المرآة ، والفضاء التصويري ، هو اللعب الحديث تقريبًا على الإدراك نفسه. لقد استخدم التنسيب الاستراتيجي لموضوعاته لإنشاء مستويات وأقطار بصرية متعددة ، والتي تجذب العين إلى مناطق مختلفة من الغرفة بطريقة متوازنة. نحن لا نشهد فقط النشاط في الغرفة ، ولكن أيضًا للتفكير في ما هو خارج إطارات ما يمكننا رؤيته.

لاس مينيناستعتبر واحدة من أشهر روائع فيلاسكويز ، حيث تمثل إجمالي قيمة المسيرة المهنية من العبقرية والذكاء والإتقان التقني. كما أشاد بها الفنانون والمشاهدون على حد سواء ، حتى بعد 300 عام ، باعتبارها مثالًا بارزًا على فن الرسم. استمر تأثير فيلاسكيز حتى القرن الحادي والعشرين ، وأطلق عليه إدوارد مانيه لقب “رسام الرسامين”. أعادت لوحات بيكاسو الـ 58 في سلسلته Las Meninas (1957) تفسير أعمال الفنان الإسباني ، ورسم دالي رسمه Velázquez لوحة Infanta Margarita بأضواء وظلال مجده الخاص (1958).

زيت على قماش – متحف ناسيونال ديل برادو ، مدريد

1638-77

كنيسة سان كارلو ألي كواترو فونتان

الفنان: فرانشيسكو بوروميني

تستخدم واجهة كنيسة سان كارلو في روما بشكل مبتكر الخلجان المحدبة والمقعرة لخلق تأثير متموج. في الطابق السفلي ، يكون الخلجان الخارجيان مقعران ، بينما يكون المركز محدبًا ، مما يؤكد أهمية المدخل. تشكل الأعمدة الصغيرة محاريب مليئة بالمناظر والأشكال المنحوتة ، مما يخلق إحساسًا بالعمق المفصل. ويترأس البوابة المركزية مجموعة من ثلاثة تماثيل تصور القديس تشارلز بوروميو ، شفيع الكنيسة ، والقديس يوحنا من ماثا وسانت فيليكس من فالوا الذين كانوا أيضًا جزءًا من النظام الثالوثي الذي أسسه بوروميو. إنشاء طاقة رأسية متناقضة ، ترتفع أربعة أعمدة طويلة إلى السطح المنحني ، والذي من خلاله تستمر الأعمدة الأربعة العلوية إلى السطح المنحني ، ولكن المقطوع. شكل بيضاوي كبير في وسط السطح العلوي ،

كان تصميم Borromini الداخلي مبتكرًا بنفس القدر ، حيث استخدمت خطته تشابكًا معقدًا للمناطق: منطقة منخفضة متموجة ، ومنطقة وسط في صليب يوناني تقليدي ، وقبة بيضاوية بدت وكأنها تطفو فوق الداخل. بدلاً من تصوير الصور ، كان للقبة نمط هندسي معقد ولكنه متماثل يجمع بين السداسيات غير المتكافئة والصلبان اليونانية والدوائر مع قولبة مثمنة الأضلاع. في قاعدتها ، تسمح النوافذ الشفافة بدخول ضوء الشمس الطبيعي إلى المبنى ، كما كانت العين عبارة عن زجاج شفاف ، حيث وحد الضوء المساحة مع الجزء الداخلي الذي يغلب عليه اللون الأبيض.

كان موقع البناء صعبًا ، حيث كانت الكنيسة تقع في زاوية تقاطع ، وكان لها دير مجاور على جانب واحد صممه المهندس المعماري أيضًا. كلف الكاردينال فرانشيسكو باربيريني الكنيسة في عام 1634 وكانت أول عمولة رئيسية للمهندس المعماري ، على الرغم من الصعوبات المالية المختلفة وتغييرات الرعاية ، لم تكتمل إلا بعد وفاة المهندس المعماري. كما كتب الناقد الفني أوليفييه بيرنييه ، “استنادًا إلى … على الهندسة … في التعامل مع الشكل والحجم والضوء … مبانيه ، على الرغم من أنها تنتمي بشكل واضح إلى قرنهم ، غالبًا ما تتمتع بمظهر عصري مذهل. أشكال مستديرة – يتم استخدام الأسطوانات المقعرة والمحدبة على نطاق واسع – يمنح Borromini واجهاته رسومًا متحركة مذهلة دون الاعتماد على مجرد زخرفة. “

رخام وحجر – روما ، إيطاليا

1685-1694

تأليه القديس اغناطيوس

الفنان: Andrea Pozzo

تصور هذه اللوحة الجصية انتصار القديس إغناطيوس ، مؤسس اليسوعيين ، ويظهر يسار الوسط في ثوبه الرمادي الممتد نحو المسيح ، الذي يحمل صليبًا في المنتصف. يأتي كل الضوء في اللوحة الجدارية من المسيح ، ويبرزه مركز الدوران الذهبي ولوحة الألوان الداكنة تدريجياً في الأشكال على مسافة أكبر. ثم ينقسم الشعاع إلى أربعة أشعة قطرية ، تمثل نور المسيحية التي تصل إلى قارات العالم الأربع ، ويرمز إلى العمل التبشيري لليسوعيين. كما تم تصوير العديد من المحاربين الكتابيين مع أعدائهم بما في ذلك ديفيد وجليات ، وياعيل وسيسرا ، وشمشون والفلسطينيون ، وجوديث وهولوفرنيس. يعكس هذا الاختيار المبتكر للموضوع الكاثوليكية المناضلة للإصلاح المضاد والحماس الرسولي لليسوعيين ، الذين يرون أنفسهم “

قال بوزو ، وهو شقيق في الرهبانية اليسوعية ، إن نيته كانت تجسيد قول المسيح بصريًا ، “لقد جئت لأرسل نارًا على الأرض” ، وتوجيه القديس إغناطيوس لأمره ، “اذهب وأضرم كل شيء.” العمل هو تحفة مبتكرة من quadratura ، حيث يرى المشاهد في صحن الكنيسة قبة شاهقة ، عندما كان سقف الكنيسة مسطحًا في الواقع. لتحقيق هذا التأثير ، استخدم الفنان زخارف معمارية شديدة التقصير ، ورسمت ، ومنظور صارم ، مع التأكيد على الحركة الدوامة الدرامية. تم وضع قرص معدني في أرضية الصحن ، لتحديد المكان الذي يجب أن يقف فيه المشاهد لرؤية العمل بكامل تأثيره ، كما قال الفنان ، “لخداع العينين ، هناك حاجة إلى نقطة ثابتة معينة”.

تنقل الألوان الغنية والستائر الدوامة والإيماءات المفعمة بالحيوية شعورًا بحشد شديد العاطفة داخل مساحة شاسعة. أصبح العمل معيارًا لرسومات السقف في الكنائس اليسوعية في جميع أنحاء أوروبا ، كما كتب مؤرخ الفن فيليبو كاميروتا ، فإن “اختراعاته المنظورية تمثل فن التربيع على أعلى مستوياته. كانت القوة الوهمية لعمارته التخيلية قوية جدًا لدرجة أنها فرضت بقوة على تصور الفضاء “.

فريسكو – كنيسة القديس اغناطيوس لويولا في حرم مارتيوس ، روما

بدايات الفن والعمارة الباروكية

المصطلح: الباروك

أصل مصطلح الباروك غامض بعض الشيء. يعتقد العديد من العلماء أنها مشتقة من الباروكو البرتغالي ، مما يعني لؤلؤة غير كاملة أو غير منتظمة الشكل. ويعتقد البعض ، مثل الفيلسوف جان جاك روسو ، أنه مشتق من الكلمة الإيطالية barocco ، وهو مصطلح يستخدم لوصف عقبة في المنطق الرسمي في فترة العصور الوسطى. في الاستخدام المتزايد ، احتوى المصطلح في الأصل على دلالات سلبية ، حيث يُنظر إلى العمل الفني داخل كادره على أنه غريب وأحيانًا تفاخر. ولكن في عام 1888 ، استخدم المصطلح عصر النهضة وباروك (1888) لهينريش وولفلين ، رسميًا باعتباره وصفيًا بسيطًا للإشارة إلى الأسلوب الفني المميز.

مكافحة الاصلاح

بدلاً من الحصول على لحظة واحدة من البداية ، جمعت فترة الباروك عددًا من التطورات المبتكرة في أواخر القرن السادس عشر حيث تم إطلاعها على أنماط الرسم المختلفة والمتنافسة في كارافاجيو ، ومدرسة بولونيز بقيادة أنيبالي كاراتشي ، والهندسة المعمارية لجياكومو ديلا بورتا. كان العامل الحاسم في تشكيل كثافة الحركة ونطاقها رعاية الإصلاح المضاد للكنيسة الكاثوليكية.

بعد 1527 كيس من روما ، وفي الجهود المبذولة لمعارضة نمو البروتستانتية ، سعى الإصلاح المضاد لإعادة تأسيس سلطة الكنيسة. في عام 1545 ، دعا البابا بولس الثالث إلى الاجتماع الأول لمجلس ترينت ، والذي جمع كبار رجال الدين واللاهوتيين لتأسيس العقيدة وإدانة البدع المعاصرة. عقد المجلس 25 جلسة تحت قيادة البابا بولس الثالث وخلفائه ، البابا يوليوس الثالث والبابا بيوس الرابع ، حتى عام 1563. أصبحت الفنون البصرية والهندسة المعمارية جزءًا من حملة الإصلاح ، حيث وضع المجلس مبادئ توجيهية للفن تضمنت تصوير الموضوعات الدينية مثل الحبل بلا دنس ، والبشارة ، وافتراض العذراء التي كانت حصرية للعقيدة الكاثوليكية ، من أجل إعادة أهمية الكنيسة في نظر الجمهور. لكن، تعني هذه الإرشادات أيضًا أنه يمكن استدعاء الفنانين للمهمة إذا اعتبر أي مسؤول في الكنيسة أن أعمالهم التي تصور الموضوعات الدينية مسيئة. أحد الأمثلة الأولى حدث عندماتم إحضار رسام عصر النهضة البندقية باولو فيرونيزي أمام محاكم التفتيش للدفاع عن عشاءه الأخير (1573) ، الذي اتهم بضمه “المهرجين والألمان المخمورين والأقزام وغيرهم من هؤلاء المتوحشين”. عندما تم تغيير اسم القطعة إلى العيد في بيت لاوي ، في إشارة إلى وضع الإنجيل حيث كان الخطاة حاضرين ، اعتُبر العمل مقبولاً.

عارض الإصلاح البروتستانتي استخدام الصور للعبادة الدينية ، لكن الإصلاح المضاد جادل بأن مثل هذا الفن له غرض تعليمي ودعا إلى نوع جديد من التمثيل المرئي الذي كان بسيطًا ولكنه درامي وواقعي في التصوير وواضح في السرد. . أعلن قادة الحركة أن الفن يجب أن يُفهم بسهولة وأن يشعر به عامة الناس بقوة مع تأثير تشجيع التقوى وإحساس مذهل بالكنيسة. في حين أن الكنيسة وكبار الشخصيات كانت رعاة الفن البارزين منذ القوطيةعصر ، تم تحفيز برنامج رعاية جديد عن قصد في جميع أنحاء أوروبا. تم تشجيع الطوائف الدينية الجديدة التي كانت جزءًا من حركة الإصلاح مثل اليسوعيين والكبوشيين والكرمليين المنفصلين رسميًا على أن تصبح رعاة مهمين للفن. انتشر هذا النمط الباروكي الجديد في جميع أنحاء أوروبا ، بدعم أساسي من الكنيسة الكاثوليكية بقيادة البابا في روما والحكام الكاثوليك في إيطاليا وفرنسا وإسبانيا وفلاندرز. تم نشره بشكل أكبر من قبل الجماعات الدينية القوية من خلال شبكة واسعة من الأديرة والأديرة.

جياكومو ديلا بورتا

جاء المهندس المعماري جياكومو ديلا بورتا من عائلة من النحاتين الإيطاليين وكان طالبًا ، ثم أصبح لاحقًا متعاونًا مع كل من مايكل أنجلو ورائد Manneristمهندس معماري في روما ، جياكومو باروزي دا فيجنولا. عمل مع باروزي في بناء كنيسة جيزو (1584) ، وبعد وفاة الرجل الأكبر سناً عام 1573 ، أكمل المشروع بتصميم مُعاد تفسيره. قللت واجهته من عدد العناصر المعمارية ، بينما جمعت في نفس الوقت تلك العناصر التي بقيت حول المدخل. ونتيجة لذلك ، نقلت الواجهة إحساسًا بالتوتر الديناميكي الذي سيشعر به الزائر قبل أن يحيط به المساحة الداخلية الشاسعة. على الرغم من أن واجهة المهندس المعماري كانت بسيطة نسبيًا مقارنة بالكنائس الباروكية الأكثر زخرفة التي تلت ذلك ، فقد أطلقت الكنيسة الطراز الباروكي وأصبحت أيضًا نموذجًا للكنائس اليسوعية في جميع أنحاء العالم في ^{القرن العشرين} .

ازالة الاعلانات

مدرسة بولونيز

في الرسم ، كانت أعمال مدرسة بولونيز المضادة للأسلوب بقيادة أنيبالي كاراتشي هي الأولى التي تم الترويج لها كجزء من الإصلاح المضاد. أطلق Carracci مع شقيقه Agostino و Ludovico ، ابن عمهما ، Accademia dei Desiderosi ، وهي أكاديمية فنية صغيرة أكدت على المثل الجمالية السابقة لعصر النهضة فيما يتعلق بالتناسب ، واستخدام رسم الشكل ، والمراقبة الدقيقة لخلق شخصيات واقعية ولكن بطولية في مقنعة عاطفياً. مشاهد. جذبت أعماله انتباه الراعي الفني الشهير الكاردينال أودواردو فارنيزي الذي اتصل به إلى روما وكلفه برسم سقف معرض Palazzo Farnese للاحتفال بزفاف شقيق الكاردينال.

أثر السقف الجداري الناتج Loves of the Gods (1597-1601) على حركة الباروك ، حيث كان Carracci رائدًا في تقنية quadro riportato التي تؤطر كل مشهد كما لو كانت لوحة حامل مرتبة على السقف. كما استخدم كوادراتورا ، أو رسم ملامح معمارية وهمية ، كما رأينا في أشكاله المرسومة لأطلس والعراة الكلاسيكية ، التي تشبه المنحوتات. أثر العمل على جيوفاني لانفرانكو ، وجويرسينو ، وبيترو دي كورتونا ، وكارلو ماراتا ، وأندريا بوزو ، الذين أصبحوا جميعًا تربيعًا مشهورًا ورسامين للسقف ترومبي لويل . كان لكاراتشي أيضًا تأثير ملحوظ على المناظر الطبيعية المستقبلية ورسم التاريخ كما رأينا في أعمال الرسامين الفرنسيينكلود لورين ونيكولاس بوسان ، والطراز الباروكي الفرنسي.

مايكل أنجلو ميريسي كارافاجيو

يُطلق أحيانًا على مايكل أنجلو ميريسي كارافاجيو ، المعروف باسم كارافاجيو ، لقب “والد الرسم الباروكي” بسبب نهجه الرائد. تدرب في ميلانو على أسلوب Mannerist المهيمن ، وسرعان ما طور تقنيته الخاصة باستخدام chiaroscuro ، والتناقضات الدرامية للضوء والظلام ، و tenebrism ، مما أدى إلى تكثيف التباين في مشاهد الغلاف الجوي المظلمة مع بعض العناصر مضاءة للغاية كما لو كانت بواسطة ضوء كشاف. كان إتقانه لمفهوم tenebrism ، الذي يعني “الظلام ، الغامض” ، لدرجة أنه غالبًا ما كان يُنسب إليه الفضل في اختراع هذه التقنية. كانت الواقعية الراديكالية ، التي رسم بها رعاياه كما هي في الواقع ، عيوبًا وكل شيء ، مبتكرة بنفس القدر وجعلت أعماله مثيرة للجدل ، كما فعل تفضيله للموضوعات المزعجة.

أصبح كارافاجيو أشهر فنان في روما مع لوحاته لاستشهاد القديس ماثيو (1599-1600) ودعوة القديس ماثيو (1599-1600) ، بتكليف من كنيسة كونتاريلي. تم منحه بعد ذلك عددًا كبيرًا من اللجان الدينية ، على الرغم من أن عددًا منها ، بما في ذلك تحويل القديس بولس (1600-1601) وموت العذراء (1601-1606) ، تم رفضه لاحقًا من قبل الرعاة الذين وجدوا الواقعية صادمة للغاية . ومع ذلك ، أصبح عمله مؤثرًا لدرجة أن الأجيال اللاحقة التي تبنت أسلوبه سميت كارافاجيستي أو تينيبروسي . أثر عمله على العديد من رسامي الباروك العظماء ، بما في ذلك بيتر بول روبنز ،جيوفاني لورينزو بيرنيني وخوسيه ريبيرا ورامبرانت فان رين .

ارتفاع الباروك

تميزت بالعظمة والتركيز على الحركة والدراما ، بدأ High Baroque حوالي عام 1625 واستمر حتى حوالي عام 1700. قاد جيان لورنزو برنيني العصر وسيطر عليه ، محددًا أسلوب الباروك في النحت. كان راعيه ، الكاردينال سكيبيون بورغيزي ، أحد أغنى وأقوى الرجال في روما ، وتم إنشاء منحوتات برنيني المبكرة لقصر بورغيزي في الكاردينال. أكدت أعمال مثل The Rape of Proserpina (1621-22) و Apollo and Daphne (1622-1625) الواقعية الدرامية ، والعاطفة الشديدة ، والحركة ، وكما كتب مؤرخ الفن رودولف ويتكوير ، فقد “افتتحوا حقبة جديدة في تاريخ النحت الأوروبي “.

ازالة الاعلانات

عندما أصبح الكاردينال سكيبيون بورغيزي فيما بعد البابا أوربان الثامن ، أصبح بيرنيني أيضًا أهم مهندس معماري في روما ، كما يتضح من تعيينه كبير مهندسي القديس بطرس في عام 1629. 1667) يجسد أسلوب الباروك العالي في الهندسة المعمارية. كما كتبت مؤرخة الفن ماريا غراتسيا برنارديني ، فقد كان “البطل العظيم والرئيسي للفن الباروكي ، الشخص الذي كان قادرًا على إنشاء روائع بلا منازع ، لتفسير المشاعر الروحية الجديدة للعصر بطريقة أصلية ولطيفة ، لإعطاء المدينة لروما وجه جديد تمامًا ، ولتوحيد لغة العصر [الفنية] “.

كان المنافس الرئيسي لبرنيني في الهندسة المعمارية هو فرانشيسكو بوروميني ، حيث استخدمت كنيسة سان كارلو في كواترو فونتان (1624-1646) جدرانًا متموجة وبرجًا بيضاويًا وتصميمًا بيضاويًا مبتكرًا جذريًا للكنيسة تحت قبة بيضاوية. أصبحت لوحة السقف ، التي تستخدم quadratura و trompe l’oeil ، أيضًا سمة بارزة في High Baroque وتم تجسيدها من قبل Giovanni Battista Gaulli’s The Triumph of the Name of Jesus in the Church of Gesù (1669-1683) و Andrea Pozzo Apotheosis of Saint اغناطيوس (1688-1694) وكلاهما في روما. قام Pozzo أيضًا بتأليف Perspectiva Pictorium et Architectorum ( قواعد وأمثلة على المنظور المناسب للرسامين والمهندسين المعماريين). نُشر في مجلدين ، الأول في 1693 ، ثم 1698 ، وقد أثر على الفنانين والمهندسين المعماريين في جميع أنحاء أوروبا في القرن التاسع عشر.

الفن والعمارة الباروكية: المفاهيم والأنماط والاتجاهات

الباروك الاسباني

تمت الإشارة إلى الباروك الإسباني بأسلوبه المميز ، حيث ساد مزاج كئيب ، وحتى في بعض الأحيان ، قاتم في الثقافة الإسبانية. حرب الثمانين عامًا (1568-1648) حيث سعى الإسبان دون جدوى إلى الحفاظ على سيطرتهم على هولندا ، والحرب الأنجلو-إسبانية (1585-1604) حيث هُزمت الأرمادا الإسبانية ، التي حاولت غزو إنجلترا ، واستنزفت الموارد المالية الإسبانية وتم إنشاؤها. أزمة اقتصادية. في الوقت نفسه ، تم إعلام الكاثوليكية بقسوة محاكم التفتيش. في الهندسة المعمارية ، تم التأكيد على عظمة الكنيسة وثروتها ، حيث طور اليسوعيون ، وهو أمر معروف لكل من دعوته الفكرية للإصلاح المضاد والتبشير المسيحي ، استخدامًا مفرطًا للزخرفة لإبراز المجد الديني. من الأمثلة المبكرة الملحوظة كنيسة سان إيسيدرو بيدرو دي لا توري (1642-1669) ، الذي يجمع بين المظهر الخارجي المزخرف والداخلية البسيطة التي تستخدم تأثيرات الإضاءة للتعبير عن شعور بالغموض الديني. أصبح التركيز على الزخرفة الباروكية أكثر هيمنة كما رأينا في فرناندو دي كاسا نوفوأوبرادويرو (1738-1750) ، أو واجهة كاتدرائية سانتياغو دي كومبوستيلو. أصبحت الواجهة مؤثرة في جميع أنحاء أوروبا والمستعمرات الإسبانية في أمريكا اللاتينية ، حيث كانت الكاتدرائية ، مكان الحج المبجل لعدة قرون ، أشهر كنيسة في إسبانيا.

كانت قطع المذبح المذهبة عنصرًا بارزًا في العمارة الباروكية الإسبانية ، كما رأينا في مذبح كنيسة سان إستيبان في سالامانكا لخوسيه بينيتو تشوريغير (1693) ، والتي استخدمت أعمدة حلزونية واستخدامًا واسعًا للذهب في سطح متقن للغاية. كان النمط الناتج ، الذي يؤكد على السطح المتحرك ، يسمى “entallador” وتم اعتماده في جميع أنحاء إسبانيا وأمريكا اللاتينية.

على عكس التركيز المعماري على الروعة الكاثوليكية ، شددت اللوحة الباروكية الإسبانية على قيود ومعاناة الوجود البشري. لوحظ لتركيزه على الواقعية القائمة على الملاحظة الدقيقة وكان أقل اهتمامًا بالتأثيرات المسرحية من الشعور المقنع بالدراما البشرية. كان لكارافاجيو تأثير مبكر على فنانين مثل فرانسيسكو ريبالتا وجوسيبي ريبيرا ، على الرغم من أن معظم الفنانين الإسبان اتخذوا أسلوب التشياروسكورو والتينبريسم كنقطة انطلاق وطوروا أسلوبهم الخاص . ركز عمل ريبيرا اللاحق على طبقة من الألوان الفضية مغطاة بألوان ذهبية دافئة كما رأينا في كتابه العائلة المقدسة مع سانت كاترين (1648).

طور بارتولومي إستيبان موريللو أسلوب إستيلو فابوريسو ، أو الأسلوب البخاري ، الذي يستخدم لوحة دقيقة ، وخطوط ناعمة ، وتأثيرات حجاب من الضوء الفضي أو الذهبي. كانت أعماله على حد سواء موضوعات دينية مثل The Immaculate Conception (1678) ، ولوحات من النوع ، حيث غالبًا ما كان يصور الناس في الشوارع ، كما هو الحال في The Young Beggar (1645). حظيت أعماله بشعبية كبيرة ، بسبب أناقتها وعاطفتها ، وشارك في تأسيس أكاديمية إشبيلية للفنون الجميلة في عام 1660. بعد وفاته ، أصبح خوان دي فالديس ليل الرسام الرائد لإشبيلية ، على الرغم من أن عمله ركز على الدراما مثل The End المجد الدنيوي (1672) ، وهو قصة رمزية عن الموت ، مما جعل عمله بمثابة مقدمة مبكرة للرومانسية .. أُطلق على فرانسيسكو دي زورباران لقب “كارافاجيو الإسبانية” بسبب مواضيعه الدينية مثل بيت الناصرة (1630) ، على الرغم من أن مؤلفاته كانت أكثر قسوة وانضباطًا وغالبًا ما كانت تركز على شخصية زهد انفرادي.

كان الرسام البارز للباروك الأسباني هو دييغو فيلاسكيز الذي اشتمل عمله على عدد من الموضوعات: أعمال النوع مثل امرأة عجوز تقلى البيض (1618) ؛ اللوحات التاريخية للأحداث المعاصرة مثل استسلام بريدا (1634-1634) ؛ الأعمال الدينية مثل المسيح المصلوب (1632) ؛ صور مشهورة مثل Portrait of Innocent X (1650) و Las Meninas (1656) ؛ وأحد العراة الإسبانية القليلة ، The Rokeby Venus (1644-1648) ، وهو موضوع تم تثبيطه في إسبانيا الكاثوليكية. بينما بدأ من خلال استخدام tenebrism ، طور تقنيته البارعة ، والتي استخدمت لوحة ألوان بسيطة نسبيًا ولكنها شددت على النغمات وأعمال الفرشاة المتنوعة.

الباروك الفرنسي والكلاسيكية الفرنسية

Architecture was the dominant expression of the French Baroque style. Called Classicism in France, it rejected the ornate in favor of geometric proportion and less elaborate facades. While Louis XIV invited Bernini to France to submit a design for his Palace of Versailles in 1661, the King instead chose Louis Le Vau’s classical design with Charles Le Brun as decorator. As the director of the Gobelins tapestry, Le Brun’s work became influential throughout Europe. The Galerie des Glaces (Hall of Mirrors) (1678-1686) at Versailles included Le Brun’s paintings and became the standard for royal French interiors. Similarly the gardens, arranged in geometric grids to echo and emphasize the architecture, were another notable element of Versailles.

في الرسم ، انتقل الفنانون الفرنسيون أيضًا نحو ضبط النفس الكلاسيكي. كان كلود لورين ، المعروف باسم كلود ، ونيكولاس بوسين ، من أهم الرسامين الفرنسيين ، على الرغم من أن كلاهما عمل في روما. ركز عمل كلود على المناظر الطبيعية وتأثيرات الضوء ، وكانت موضوعاته ، سواء كانت موضوعات دينية أو كلاسيكية ، مجرد مناسبة للعمل ولكن ليس تركيزه. بينما بدأ بوسين الرسم بأسلوب باروكي ، في منتصف الثلاثينيات من عمره ، بدأ في تطوير أسلوبه الخاص ، حيث نقلت أعمال مثل منظره الطبيعي مع Orpheus و Eurydice (1650-1651) عقلانية هادئة أصبحت مؤثرة في التطور اللاحق للكلاسيكية الجديدة .

تأثر الفنانون الفرنسيون الآخرون ، وعلى الأخص جورج دي لا تور ، بفنانون كارافاجيو ، لكنهم ابتعدوا عن الحركة والتأثيرات الدرامية. رسم موضوعات دينية في المقام الأول ، استكشف الضوء الليلي بشكل مبتكر ، مستخدمًا التراكيب الهندسية والأشكال المبسطة لنقل روحانية هادئة ومدروسة. كان عمل لا تور مؤثرًا في عصره ، حيث كان الملك لويس الثالث عشر وهنري الثاني ملك لورين والكاردينال ريشيليو رعاة لعمله. كما قام رسامو النوع مثل الأخوان Le Nain بتطبيق أسلوب الباروك بشكل مبتكر. تعاون لويس وأنطوان وماثيو لو ناين في معظم أعمالهم ، وأكدت مشاهد النوع الخاصة بهم على واقعية العمل اليومي ، كما رأينا في The Blacksmith at His Forge (سي 1639) ووجبة الفلاحين (1642).

ازالة الاعلانات

الباروك الروسي

يُطلق على الباروك الروسي أيضًا اسم Petrine Baroque تكريماً لبطرس الأكبر الذي روج لأسلوب إعادة بناء سانت بطرسبرغ ، عندما أطلق عليها اسم العاصمة الروسية الجديدة في عام 1712. وقد استوحى من الباروك الفرنسي بعد زيارته 1697-1698 إلى فرساي وشاتو فونتينبلو. أصبح قصر مينشيكوف (1711-1727) مثالًا مبكرًا بارزًا على الباروك الروسي. كان المهندسون المعماريون مثل Andreas Schluter و Gottfried Schadel و Jean-Baptiste Alexandre Le Blond المهندسين المعماريين الرائدين في الأسلوب. بعد وفاة بطرس الأكبر ، استمر الأسلوب ولكنه أصبح أكثر فخامة وزخرفة كما صممه المهندس المعماري الرائد بارتولوميو راستريللي. تم تسمية الطراز آنذاك باسم الباروك الإليزابيثي تكريماً للإمبراطورة إليزابيث بتروفونا ومن الأمثلة الشهيرة كاتدرائية سمولني (1748-1764) وقصر الشتاء (1754-1762).

لوحة الفلمنكية الباروكية

كان الرسم هو المكون المميز للباروك الفلمنكي ، ونشأ طابعه الخاص في القوى التاريخية والثقافية. في عام 1585 ، استعادت القوات الكاثوليكية الإسبانية السيطرة على أنتويرب في فلاندرز ، أو بلجيكا الحديثة ، وانفصلت المنطقة الكاثوليكية عن جمهورية هولندا البروتستانتية. نتيجةً لذلك ، رسم الفنانون الفلمنكيون كلاً من الموضوعات الدينية الإصلاحية والمناظر الطبيعية ، والأرواح التي لا تزال قائمة ، وأعمال النوع التي لا تزال تعتمد على تقاليد أوروبا الشمالية.

قاد بيتر بول روبنز تطوير الرسم الباروكي الفلمنكي. أسلوبه الباروكي المرتفع ، المعروف بلونه الغني ، وحيويته الحسية ، وحركته قد أطلع على رسمه الديني كما هو الحال في النسب من الصليب (1614) وموضوعاته غير الدينية مثل حكم باريس (1636). كانت عراة النساء الأسطورية والتوراتية مشهورة ومؤثرة بشكل خاص ، حيث جمعت بين الشهوانية مع تعقيد من الاستعارة والتلميح. كان طالب روبنز الأكثر شهرة هو أنتوني فان ديكالذي اشتهر لاحقًا في المقام الأول بصورته التي تميزت بأناقة البلاط. في عام 1630 ، تم تعيينه رسامًا للمحكمة لأميرة أورانج في عام 1630 ، وبسبب العلاقات الملكية ، أصبح رسام البلاط الإنجليزي وحصل على لقب فارس من قبل تشارلز الأول ، ملك إنجلترا ، في عام 1632. كما رسم الفنانون الفلمنكيون أيضًا مشاهد من النوع ، وأشهرهم أدريان بروير ، ويعقوب جوردان ، وديفيد تينيرز الأصغر.

العصر الذهبي الهولندي

العصر الذهبي الهولنديكان المثال الوحيد للطراز الباروكي المستخدم في منطقة بروتستانتية ، ونتيجة لذلك ، اتخذ نهجًا مختلفًا تمامًا في كل من العمارة والرسم. بدأ العصر الذهبي الهولندي حوالي عام 1648 مع نهاية حرب الثلاثين عامًا ، حيث حصلت الجمهورية الهولندية ، التي انفصلت عن إسبانيا عام 1588 ، على استقلالها أخيرًا. في العقود التي أعقبت ذلك ، أصبحت الجمهورية ، التي غذتها هيمنتها على التجارة العالمية ، قوة اقتصادية مع طبقة وسطى صاعدة. اعتمدت العمارة الهولندية الباروكية في المقام الأول على أعمال المهندس المعماري في عصر النهضة البندقية أندريا بالاديو (يشار إليها غالبًا باسم البلادينية الهولندية) ، مع الاحتفاظ ببعض العناصر القوطية لخلق أسلوب ضخم مقيد. ركزت اللوحة الهولندية على مشاهد الحياة اليومية ، والمواضيع العلمانية ، والتطورات الرائدة في المناظر الطبيعية ، والحياة الساكنة ، والرسم النوعي. غالبًا ما كانت الموضوعات الدينية تُصوَّر في الطباعة لتوضيح النصوص التوراتية. في الوقت نفسه ، قام عدد من كبار الفنانين الهولنديين ، بما في ذلكرسم رامبرانت ويوهانس فيرمير وسالومون فان رويسديل بأسلوب الباروك ، مستخدمين تشياروسكورو وتينبريسم . يمكن ملاحظة ذلك في ساعة رامبرانت الليلية (1642).

التطورات اللاحقة – بعد الفن والعمارة الباروكية

انتهى عصر الباروك بظهور الروكوكو في باريس حوالي عام 1720. يشير بعض العلماء إلى الروكوكو باسم “الباروك المتأخر” ، ومع ذلك فقد اتخذ أسلوبًا ترفيهيًا وممتعًا للغاية مرتبطًا بحياة البلاط. ومع ذلك ، استمر فناني الباروك في التأثير في فترة الروكوكو ، حيث أثر روبنز على جان أنطوان واتو وفرانسوا باوتشر وجان أونوريه فراجونارد .

نظرًا لأن فترة الروكوكو تبعها النمط الكلاسيكي الجديد في غضون خمسين عامًا ، أصبح العديد من فناني الباروك غامضين وتم التغاضي عنهم. أعيد اكتشاف روبنز ورامبرانت في القرن التاسع عشر ، حيث أثر روبنز على الرومانسيين تيودور جيريكولت ، ويوجين ديلاكروا ، وأثر رامبرانت على الانطباعيين وما بعد الانطباعيين. أثرت لوحات المناظر الطبيعية لكلود على JMW Turner ، وكان لفيلسكيز تأثير كبير على إدوارد مانيه وبابلو بيكاسو وفرانسيس بيكون .

أعيد اكتشاف كارافاجيو أيضًا ، ولكن ليس حتى منتصف القرن العشرين ، وقد أثر عمله لاحقًا على المصورين وصانعي الأفلام والفنانين. لاحظ عدد من المهندسين المعماريين المعاصرين إحياء الاهتمام بالعمل المعماري لبرنيني ، بما في ذلك IM Pei و Richard Meier و Frank Gehry . أطلق عليه جيري ، “أحد أعظم المؤثرات لدي.” وبالمثل ، يعكس الفنانون المعاصرون ، بما في ذلك جيني سافيل وليزا يوسكافاج وجون كورين ، التأثير المستمر لأعمال رامبرانت وروبنز.