الفن الحديث

ملخص الفن الحديث

ولّد المتحمسون للفنون الزخرفية والجرافيكية والهندسة المعمارية في جميع أنحاء أوروبا وخارجها ، ظهر الفن الحديث في مجموعة متنوعة من الخيوط ، وبالتالي ، فهو معروف بأسماء مختلفة ، مثل أسلوب غلاسكو ، أو في العالم الناطق بالألمانية ، Jugendstil. كان الهدف من فن الآرت نوفو هو تحديث التصميم ، والسعي للهروب من الأساليب التاريخية الانتقائية التي كانت شائعة في السابق. استمد الفنانون الإلهام من الأشكال العضوية والهندسية ، وطوروا تصميمات أنيقة توحد الأشكال الطبيعية المتدفقة التي تشبه سيقان وأزهار النباتات. كان للتركيز على الخطوط الخطية الأسبقية على اللون ، والذي عادة ما يتم تمثيله بألوان مثل الأخضر الباهت ، والبني ، والأصفر ، والأزرق. كانت الحركة ملتزمة بإلغاء التسلسل الهرمي التقليدي للفنون ، والذي كان ينظر إلى ما يسمى بالفنون الليبرالية ، مثل الرسم والنحت ، متفوقة على الفنون الزخرفية القائمة على الحرف. أصبح الأسلوب قديمًا في معظم الأحيان قبل الحرب العالمية الأولى بفترة طويلة ، مما مهد الطريق لتطويرآرت ديكو في عشرينيات القرن الماضي ، لكنها شهدت انتعاشًا شعبيًا في الستينيات ، ويُنظر إليها الآن على أنها سلف مهم – إن لم يكن جزءًا لا يتجزأ – من الحداثة .

الأفكار والإنجازات الرئيسية

• كانت الرغبة في التخلي عن الأنماط التاريخية للقرن ^التاسع عشر دافعًا مهمًا وراء الفن الحديث وأسس حداثة الحركة. كان الإنتاج الصناعي ، في تلك المرحلة ، منتشرًا على نطاق واسع ، ومع ذلك هيمنت على الفنون الزخرفية بشكل متزايد أشياء سيئة الصنع تقلد الفترات السابقة. سعى ممارسو الفن الحديث إلى إحياء الصنعة الجيدة ، ورفع مكانة الحرف ، وإنتاج تصميم حديث حقًا يعكس فائدة العناصر التي كانوا يصنعونها.
• دعم النظام الأكاديمي ، الذي سيطر على التعليم الفني من القرن السابع ^عشر إلى القرن ^التاسع عشر ، الاعتقاد السائد بأن وسائل الإعلام مثل الرسم والنحت كانت متفوقة على الحرف مثل تصميم الأثاث والأعمال الحديدية. ويعتقد الكثيرون أن النتيجة كانت إهمال الحرفية الجيدة. سعى فنانو فن الآرت نوفو إلى قلب هذا الاعتقاد ، وتطلعوا بدلاً من ذلك إلى “الأعمال الفنية الكاملة” ، وهي Gesamtkunstwerk الشهيرة ، التي ألهمت المباني والديكورات الداخلية التي يعمل فيها كل عنصر بشكل متناغم ضمن مفردات بصرية ذات صلة. في هذه العملية ، ساعد الفن الحديث على تضييق الفجوة بين الفنون الجميلة والفنون التطبيقية ، على الرغم من أنه من المثير للجدل ما إذا كانت هذه الفجوة قد تم إغلاقها تمامًا.
• شعر العديد من ممارسي الفن الحديث أن التصميم السابق كان زخرفيًا بشكل مفرط ، وفي رغبتهم في تجنب ما اعتبروه زخرفة تافهة ، طوروا اعتقادًا بأن وظيفة الشيء يجب أن تملي شكله. من الناحية العملية ، كانت هذه روحًا مرنة إلى حد ما ، لكنها ستكون جزءًا مهمًا من تراث الأسلوب للحركات الحداثية اللاحقة ، وأشهرها باوهاوس .

الفنانين الرئيسيين

• غوستاف كليمت نظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية
• هيكتور غيمارد نظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية
• فيكتور هورتا نظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية
• تشارلز ريني ماكينتوش نظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية
• اوبري بيردسلي نظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية
• ألفونس موتشا نظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية
• انطونيو جودي نظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية
• لويس كومفورت تيفاني نظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية

نظرة عامة على الفن الحديث

قال غوستاف كليمت الشهير ، “كفى من الرقابة … أرفض كل شكل من أشكال الدعم من الدولة ، سأفعل ذلك بدون كل ذلك ،” – لأنه تعرض للهجوم بسبب الأشكال المثيرة لعمله ، فقد ذهب في فترة رئاسته الذهبية – أحد معالم الفن الحديث.

البدايات والتطور

المفاهيم والاتجاهات والموضوعات ذات الصلة

التطورات اللاحقة والإرث

الأعمال الفنية وفناني الفن الحديث

تقدم الفن

1883

تصميم الغلاف لكنائس مدينة Wren

الفنان: Arthur Heygate Mackmurdo

يعد نقش Mackmurdo الخشبي مثالًا على تأثير التصميم الإنجليزي ، ولا سيما حركة الفنون والحرف اليدوية ، على فن الآرت نوفو. يشير القطع الخشبي كنوع أدبي إلى الجودة اليدوية الفريدة للعمل وبساطة استخدام Mackmurdo للمساحة الإيجابية والسلبية يساهمان في هذا الارتباط. وفي الوقت نفسه ، فإن أشكال Mackmurdo المجردة والطبيعية ومنحنيات العلامة التجارية المصابة هي سمة من سمات الحس البصري للحركة الحرة والطاقة التي ستحدد في النهاية الفن الحديث. إن التركيز على الصور الزهرية والنباتية التي تزين الغلاف والتي ترفض أي توافق حقيقي مع موضوع الكتاب المعلن يسلط الضوء أيضًا على جودته الزخرفية بشكل هادف ، ملمحًا إلى أن عمل ماكموردو ذو طبيعة تجريبية وليس مثالًا نهائيًا وناضجًا للفن. نوفو.

نقش خشبي على ورق يدوي الصنع

1891

لا جولو في مولان روج

الفنان: Henri de Toulouse-Lautrec

تولوز لوتريك هو أحد أهم فناني الجرافيك في فن الآرت نوفو والذين كانوا مسؤولين عن رفع الملصق من عالم الإعلان الزائل إلى الفن الراقي خلال تسعينيات القرن التاسع عشر (نفس العقد الذي شهد إنشاء مجلات فنية مخصصة فقط لهذه الوسيلة). أدرك لوتريك وزملاؤه من فناني الجرافيك أنهم كانوا مبتكرين ، على الرغم من أن التسمية الأسلوبية “Art Nouveau” ربما لم يتم تطبيقها أبدًا عليهم إلا بعد وفاة لوتريك في عام 1901.

لا جولو في مولان روجيأخذ الازدهار والفوضى لباس الراقص الفرنسي Can-can-can ويقسمه إلى عدد قليل من الخطوط الإيقاعية البسيطة ، مما يوحي بإحساس الحركة والفضاء. إن تسطيح الأشكال لمجرد الخطوط العريضة مع الملء المسطح للألوان يشير إلى ديون Art Nouveau للمطبوعات اليابانية بالإضافة إلى الإضاءة في مثل هذه النوادي الليلية التي من شأنها أن تجعل تفاصيل سطح الأشكال والأشياء الأخرى غير واضحة بشكل طبيعي. وبالمثل ، تشير الحروف الحمراء المتكررة لاسم الملهى إلى الطاقة النابضة للعروض التي احتل فيها الراقصون مثل La Goulue (اسم المرحلة لويز ويبر ، أحد أصدقاء لوتريك) مركز الصدارة.

ليثوغراف – متحف فيلادلفيا للفنون

1894

تنورة الطاووس

الفنان: أوبري بيردسلي

Beardsley’s The Peacock Skirt هو رسم إيضاحي لمسرحية أوسكار وايلد سالومي عام 1892 ، بناءً على السرد التوراتي الذي يركز على أمر سالومي بقطع رأس يوحنا المعمدان وتقديمه على طبق. (كانت سالومي موضوعًا شائعًا للعديد من فناني الفن الحديث الآخرين ، بما في ذلك فيكتور بروفي.) سالومي بيردسليمروض نسبيًا مقارنة ببعض أعمال الرسام الأكثر إثارة وإباحية تقريبًا. إنه مثال جيد على عدد الفنانين الذين تأثروا بفن الآرت نوفو الذين ركزوا بشكل كبير على الخط ، وغالبًا ما كانوا يجردون شخصياتهم لإنتاج منحنيات متعرجة عصرية مميزة جدًا للأسلوب. يمكن للمرء أيضًا أن يأخذها كمثال على كيفية استخدام المفردات الرسمية للأسلوب بإفراط مفرط ، وهي صفة من شأنها أن تجتذب النقد لاحقًا. إن تأثير المطبوعات اليابانية على فن الآرت نوفو واضح أيضًا في عمل بيردسلي في عرضه المسطح للشكل. ولكن يمكن أيضًا أخذ هذا الرسم التوضيحي كمثال على الحركة الجمالية المعاصرة ، وفي هذا الصدد يوضح كيف يتداخل الفن الحديث مع العديد من أنماط الفترة الأخرى ويتفاعل معها.

التوضيح بالحبر

1893-96

متحف بودابست للفنون التطبيقية

الفنان: Ödön Lechner و Gyula Pártos

تم تصميم متحف بودابست للفنون التطبيقية بواسطة Ödön Lechner ، المعروف أحيانًا باسم “Hungarian Gaudi” ، مع شريكه Gyula Pártos ، وهو مثال على الطريقة التي يتبعها الخيط “الوطني” الهنغاري للفن الحديث (غالبًا ما يطلق عليه الانفصال المجري بسبب قربها من فيينا) يتألف من اندماج أنماط تاريخية مختلفة أكثر من البحث الدقيق عن أساليب جديدة. هذا المبنى ، على موقع شبه منحرف ، يحيط بفناء ممتلئ إلى حد كبير بهو زجاجي في الجزء الخلفي من الواجهة الرئيسية. الأشكال المستخدمة من الداخل والخارج مستمدة من مزيج من العمارة الإسلامية والفارسية ، كما هو واضح في أقواسها متعددة الفصوص المتقنة ، بالإضافة إلى القباب الباروكية المستمدة من أوروبا الوسطى ، والقباب على شكل جرس والمستنقعات مع نهايات منحوتة على شكل بصل. كما هو الحال مع عمل Gaudi ، المبنى الزخرفي للغاية ،

بودابست ، المجر

1900

مداخل محطات مترو أنفاق باريس

الفنان: هيكتور غيمارد

عندما تم تكليف هيكتور غيمارد بتصميم مداخل محطات المترو الشهيرة هذه ، كانت باريس ثاني مدينة في العالم (بعد لندن) تقوم ببناء سكة حديد تحت الأرض. استجاب تصميم Guimard للرغبة في الاحتفال بهذه البنية التحتية الجديدة والترويج لها بهيكل جريء يمكن رؤيته بوضوح في شوارع باريس. تستخدم المداخل الأشكال الملتوية والعضوية النموذجية لفن الآرت نوفو والتي تبدو في البداية أنها شبه سلسة ، ومع ذلك فهي مبنية من عدة أجزاء من الحديد الزهر تم إنتاجها بكميات كبيرة بسهولة ، في Osne-le-Val شرق باريس. في الواقع ، أخفى Guimard جانبًا من حداثة الكائن تحت استمراريته الملتوية ، وهي إستراتيجية تدل على موقف Art Nouveau المتناقض تجاه العصر الحديث. غيمارد

باريس، فرنسا

1900-01

منزل إرنست لودفيج ، دارمشتات

الفنان: جوزيف ماريا أولبريتش

هذا هو محور مستعمرة دارمشتات للفنانين الجديدة (Kunstlerkolonie) ، التي تشكلت عام 1899 تحت رعاية الدوق الكبير إرنست لودفيج من هيسن ، أحد المعجبين بحركة الفنون والحرف اليدوية. تم تصميمه من قبل JM Olbrich ، أحد الفنانين المؤسسين للمستعمرة ، الذين سرقهم الدوق من انفصال فيينا. (صمم Olbrich مبنى معرض الانفصال قبل ثلاث سنوات).

مثل مبنى الانفصال ، فإن Ernst-Ludwig-Haus مستقيمة للغاية ، مع واجهة بيضاء لامعة مغطاة بسقف مائل برفق ، يقع على جبين تل. ويقابل ذلك المدخل الرئيسي المقوس ذو الموقع المركزي ، والذي تم تحديده بنمط هندسي مطلي بالذهب يشبه السحاب يحيط بالمدخل ، ويواجهه منحوتات الرجال والنساء التوأم لودفيج هابيش التي تجسد القوة والجمال. تكشف المناور المنحدرة التي تمتد على طول الجزء الخلفي من الهيكل عن وظيفتها كأحد المباني النادرة على طراز فن الآرت نوفو المصممة فقط كمساحة استوديو ، وكانت بمثابة حجر الزاوية في المعرض الافتتاحي لمجموعة دارمشتات في عام 1901. على الرغم من أن المستعمرة فقط استمرت حتى اندلاع الحرب في عام 1914 ، واليوم يعمل الهيكل كمتحف لمساعيهم الفنية.

دارمشتات ، ألمانيا

ج. 1901-05

موديل رقم 342 ، مصباح “الوستارية”

الفنانة: كلارا دريسكول لـ Tiffany Studios ، نيويورك

تعد مصابيح الطاولة من أشهر عناصر فن الآرت نوفو التي تنتجها شركة لويس كومفورت تيفاني. النموذج رقم 342 ، المعروف باسم “الوستارية” ، هو أحد الطرازات الأكثر قيمة. تشبه القاعدة البرونزية الجذور والجذع السفلي للشجرة ، مع الظل الزجاجي المحتوي على الرصاص الذي يظهر مثل أغصان الوستارية عند تاجها مصبوب من البرونز. تعمل هذه على تعليق البتلات المزهرة التي يبدو أنها تقطر مثل قطرات الماء ، والتي تم إنشاؤها من ما يقرب من 2000 قطعة زجاجية يتم اختيارها بشكل فردي والتي تنتج شاشتها وهجًا دافئًا وناعمًا ، مما يشير إلى ترشيح ضوء الشمس. يضيف عدم انتظام المحرك في التاج مع حد الجزء السفلي من الظل إلى الطبيعة الطبيعية للتصميم ، لكنهم يتذكرون أيضًا تأثير الانطباعية والجابونيزم على فن الآرت نوفو ، حيث أن الوستارية موطنها كل من شرق الولايات المتحدة و

تثبت الأدلة التي تم اكتشافها مؤخرًا أن الموديل رقم 342 قد صممه كلارا دريسكول ، رئيس قسم قطع الزجاج النسائي في Tiffany Studios وصانع أكثر من ثلاثين من المصابيح الشهيرة للشركة ، بما في ذلك نماذج Daffodil و Dragonfly و Peony. وبالتالي فهي تمثل أيضًا لحظة مهمة للمصممات في مطلع القرن ، حيث تم تكليفهن بقطاع كبير من إنتاج الشركة. حصلت دريسكول على 10000 دولار سنويًا كواحدة من أعلى النساء أجورًا في وقتها ، حتى طُلب منها مغادرة استوديوهات تيفاني عندما تزوجت في عام 1909.

الزجاج المحتوي على الرصاص والبرونز المغطى بالرصاص

1907-08

النهائي الثاني

الفنان: Gustav Klimt

يتضمن عمل كليمت ، مثل عمل أوبري بيردسلي ، التشويه والمبالغة في الأشكال ، وفي كثير من الأحيان ، الموضوعات المشحونة جنسيًا. على عكس بيردسلي ، فإن كليمت مشهور ، لا سيما في لوحاته التي تلت عام 1900 ، لاستخدامه المتكرر لأوراق الذهب ، غالبًا بالتنسيق مع مشهد من الأشكال الساطعة الأخرى. ساعد هذا المزيج في إنشاء أسلوب كليمت الناضج المميز ، وغالبًا ما يتم تلخيصه على أنه مجموعة من اللوحات الحالمة والفاتنة بصريًا (والفاخرة من الناحية المادية) للنساء ، وأحيانًا صور حقيقية ولكن غالبًا ما تكون متخيلة أو تجسيدًا استعاريًا ، بما في ذلك Hope II. تؤكد الصور شبه السريالية للأشكال الجسدية المبالغ فيها والمسطحة ، والتي تم إبرازها من خلال التركيز على النمط والافتقار إلى العمق والانفصال عن بيئة معروفة ، على الطريقة التي ركز بها كليمت على إنشاء “فن جديد” حرفي خالٍ من القواعد المقررة أو المبادئ. بصفته عضوًا مؤسسًا في انفصال فيينا ، رفض مبادئ الرسم الأكاديمي التي تدرب على أساسها. تساعد ردود الفعل الصادمة التي أثارها عمل كليمت – خلال حياته حتى يومنا هذا – في المساهمة في شهرته باعتباره الرسام الأكثر ابتكارًا في فن الآرت نوفو وأستاذ الحداثة.

زيت وأوراق ذهبية على قماش – متحف الفن الحديث ، نيويورك

1900-14

بارك جويل

الفنان: أنتوني غاودي وجوزيب ماريا جوجول

قد يكون أنطوني غاودي ، المهندس المعماري الأول في الكاتالونية العصرية ، معروفًا بعمله في كنيسة إكسباتوري ساغرادا فاميليا في برشلونة ، ولكن يمكن رؤية تصميماته المميزة في عشرات المباني في جميع أنحاء المدينة. كان أحد المشاريع الأخيرة التي قام بها Gaudi ، وهو كاثوليكي متدين ، قبل تكريس نفسه بالكامل لـ Sagrada Familia في عام 1914 ، عبارة عن مجتمع مضارب في الضواحي على سفح التل لراعيه الرئيسي ، قطب المنسوجات Eusebi Guell. يعرض التطوير قدرات تصميم Gaudi المبتكرة ، على الرغم من أن المنازل الوحيدة المكتملة كانت منزله الخاص بالإضافة إلى سكن آخر ويعتبر المشروع عمومًا فشلًا ماليًا.

تم دمج تصميم الحديقة تمامًا في المناظر الطبيعية ، مع وجود أعمدة مائلة محفورة على ما يبدو من سفوح التلال ومغطاة بالكروم. تتكون القطعة المركزية من مساحة سوق ذات أعمدة تدعم ساحة مفتوحة يحدها مقعد أفعواني مغطى بمجموعة من بلاط السيراميك المهمل ، تسمى trencadís، السمة المميزة للحرفية الكاتالونية. يرتبط السوق بمدخل Parc بواسطة درج كبير به نافورة مبلطة بوجه تنين وعلم كتالوني مخطط. هناك ، يتكون بيت الحراسة ومسكن الكونسيرج من نزل صخرية تتوجها أبراج مخروطية غير منتظمة ، ويبدو أنها مصنوعة من خبز الزنجبيل. تشير الأشكال المتموجة ، المستوحاة من الأقواس المقلوبة المقلوبة ، والبلاط الملون ببراعة إلى الطبيعة التعاونية للفن الكاتالوني الحديث ، التي تضم فرقًا من الحرفيين المتخصصين في الوسائط المختلفة والاعتماد على المعالجة الصادقة للمواد الحساسة بيئيًا.

بدايات الفن الحديث

يمكن إرجاع ظهور الفن الحديث – حرفيًا “الفن الجديد” – إلى تأثيرين مختلفين: الأول كان مقدمة ، حوالي عام 1880 ، لحركة الفنون والحرف البريطانية ، والتي كانت ، تمامًا مثل الفن الحديث ، رد فعل ضد الفوضى المزدحمة تصاميم وتركيبات الفن الزخرفي في العصر الفيكتوري. كان الثاني هو الموضة الحالية للفن الياباني ، وخاصة المطبوعات الخشبية ، التي اجتاحت العديد من الفنانين الأوروبيين في ثمانينيات وتسعينيات القرن التاسع عشر ، بما في ذلك أمثال جوستاف كليمت وإميل جالي وجيمس أبوت ماكنيل ويسلر . احتوت المطبوعات الخشبية اليابانية على وجه الخصوص على أشكال زهرية وبصلية الشكل ، ومنحنيات “الجلد” ، وجميعها عناصر أساسية لما سيصبح في نهاية المطاف الفن الحديث.

من الصعب تحديد الأعمال الفنية الأولى التي أطلقت رسميًا الفن الحديث. يجادل البعض بأن الخطوط المنقوشة والمتدفقة والخلفيات الزهرية الموجودة في لوحات فنسنت فان جوخ وبول غوغان تمثل ولادة فن الآرت نوفو ، أو ربما حتى المطبوعات الحجرية المزخرفة لهنري دي تولوز لوتريك ، مثل مولان روج: لا جولو (1891) . لكن معظمهم يشيرون إلى أصول الفنون الزخرفية ، وعلى وجه الخصوص سترة كتاب من تصميم المهندس المعماري والمصمم الإنجليزي آرثر هيغيت ماكموردو لمجلد عام 1883 في كنائس مدينة رين.. يصور التصميم سيقان زهور سربنتين تنبثق من وسادة واحدة مسطحة في أسفل الصفحة ، تذكرنا بوضوح بالمطبوعات الخشبية على الطريقة اليابانية.

معارض الفن الحديث

غالبًا ما كان الفن الحديث أكثر وضوحًا في المعارض الدولية خلال أوجها. تمتعت بمركز الصدارة في خمسة معارض خاصة: معرضي يونيفرسيلز لعامي 1889 و 1900 في باريس ؛ معرض Tervueren لعام 1897 في بروكسل (حيث تم استخدام Art Nouveau إلى حد كبير لإظهار إمكانيات الحرف اليدوية مع الأخشاب الغريبة في الكونغو البلجيكية) ؛ معرض تورينو الدولي للفنون الزخرفية الحديثة عام 1902 ؛ ومعرض 1909 International de l’Est de la France في نانسي. في كل من هذه المعارض ، كان الأسلوب سائدًا من حيث الفنون الزخرفية والهندسة المعمارية المعروضة ، وفي تورين في عام 1902 ، كان الفن الحديث حقًا هو أسلوب الاختيار لكل مصمم تقريبًا وكل أمة ممثلة ، مع استبعاد أي مصمم آخر. .

الأسماء الإقليمية للفن الحديث

افتتح Siegfried Bing ، وهو تاجر ألماني ومتذوق للفن الياباني يعيش في باريس ، متجرًا باسم L’Art Nouveau في ديسمبر 1895 ، والذي أصبح أحد الممولين الرئيسيين لأسلوب الأثاث والفنون الزخرفية. لم يمض وقت طويل حتى أصبح اسم المتجر مرادفًا للأسلوب في فرنسا وبريطانيا والولايات المتحدة. ومع ذلك ، فإن الشعبية الواسعة لفن الآرت نوفو في جميع أنحاء أوروبا الغربية والوسطى ، تعني أنها مرت بعدة ألقاب مختلفة. في البلدان الناطقة بالألمانية ، كان يطلق عليه عمومًا Jugendstil (نمط الشباب) ، مأخوذ من مجلة ميونيخ تسمى Jugend التي عممت ذلك. في هذه الأثناء ، في فيينا – موطن غوستاف كليمت وأوتو واغنر وجوزيف هوفمان ومؤسسيانفصال فيينا – كان يُعرف باسم Sezessionsstil (أسلوب الانفصال). كانت تُعرف أيضًا باسم Modernism في الإسبانية ، Modernisme في الكاتالونية ، و Stile Floreale (نمط الأزهار) أو Stile Liberty في إيطاليا (هذا الأخير بعد متجر أقمشة Arthur Liberty في لندن ، والذي ساعد على تعميم الأسلوب). في فرنسا كان يطلق عليه اسم Modern (e) -Style وأحيانًا Style Guimard بعد أشهر ممارسه هناك ، المهندس المعماري Hector Guimard ، وفي هولندا كان يُطلق عليه عادةً Nieuwe Kunst (الفن الجديد). كما أعطاها العديد من منتقديها العديد من الأسماء المهينة:Style Nouille (أسلوب المعكرونة) في فرنسا ، Paling Stijl (نمط ثعبان البحر) في بلجيكا ، و Bandwurmstil (نمط الدودة الشريطية) في ألمانيا – جميع الأسماء التي أشارت لعوب إلى ميل فن الآرت نوفو إلى استخدام خطوط متعرجة ومتدفقة.

الفن الحديث: المفاهيم والأنماط والاتجاهات

رسومات وتصميم فن الآرت نوفو

يجب تفسير انتشار الفن الحديث في كل مكان في أواخر القرن ^التاسع عشر جزئيًا من خلال استخدام العديد من الفنانين للأشكال الشائعة والتي يسهل استنساخها ، الموجودة في فنون الرسم. في ألمانيا ، طبع فناني Jugendstil مثل Peter Behrens و Hermann Obrist أعمالهم على أغلفة الكتب وكتالوجات المعارض وإعلانات المجلات وقوائم اللعب. لكن هذا الاتجاه لم يقتصر بأي حال من الأحوال على ألمانيا. ابتكر المصور الإنجليزي أوبري بيردسلي ، الذي ربما يكون أكثر الشخصيات إثارة للجدل في فن الآرت نوفو بسبب مزجه بين الإثارة والمروعة ، عددًا من الملصقات في حياته المهنية القصيرة التي استخدمت خطوطًا رشيقة وإيقاعية. مطبوعات Beardsley عالية التزيين ، مثل The Peacock Skirt(1894) ، كانت منحطة وبسيطة ، وتمثل الرابط الأكثر مباشرة الذي يمكننا تحديده بين مطبوعات Art Nouveau و Japonism / Ukiyo-e . في فرنسا ، نشرت الملصقات والإنتاج الجرافيكي لجول شيريه وهنري دي تولوز لوتريك وبيير بونارد وفيكتور بروفي وتيوفيل شتاينلين وحفنة من الآخرين أسلوب الحياة الفخم والفاخر للإيبوك .(ما يقرب من الحقبة بين 1890-1914) ، والتي ترتبط عادة بمنطقة ملهى مونمارتر في شمال باريس. استخدمت أعمالهم الرسومية تقنيات الطباعة الحجرية الملونة الجديدة للترويج لكل شيء من التقنيات الجديدة مثل الهواتف والأضواء الكهربائية إلى الحانات والمطاعم والنوادي الليلية وحتى المؤدين الفرديين ، مما يستحضر طاقة وحيوية الحياة الحديثة. في هذه العملية ، سرعان ما رفعوا الملصق من صفوف إعلان المشاة إلى فن رفيع.

العمارة على طراز فن الآرت نوفو

بالإضافة إلى الفنون التصويرية والبصرية ، يجب أن تأخذ أي مناقشة جادة عن الفن الحديث في الاعتبار الهندسة المعمارية والتأثير الهائل الذي أحدثه على الثقافة الأوروبية. في المراكز الحضرية مثل باريس وبروكسل وجلاسكو وتورينو وبرشلونة وأنتويرب وفيينا ، بالإضافة إلى مدن أصغر مثل نانسي ودارمشتات ، جنبًا إلى جنب مع مناطق أوروبا الشرقية مثل ريغا وبراغ وبودابست ، سادت فن الآرت نوفو فن العمارة على نطاق واسع. الحجم ، من حيث الحجم والمظهر ، ولا يزال مرئيًا اليوم في الهياكل المتنوعة مثل منازل الصفوف الصغيرة إلى المباني المؤسسية والتجارية الكبيرة. في الهندسة المعمارية على وجه الخصوص ، تم عرض الفن الحديث في مجموعة متنوعة من التعبيرات الاصطلاحية. تتضمن العديد من المباني استخدامًا رائعًا للطين والبلاط الملون. على سبيل المثال ، عالم الخزف الفرنسي ألكسندر بيغو ، جعل اسمه إلى حد كبير من خلال إنتاج زخرفة الطين للواجهات والمدافئ في المساكن والمباني السكنية الباريسية. هياكل أخرى من فن الآرت نوفو ، خاصة في فرنسا وبلجيكا (كان هيكتور غيمارد وفيكتور هورتا من الممارسين المهمين) ، أظهروا الإمكانيات التكنولوجية لهيكل حديدي مرتبط بألواح زجاجية.

في العديد من المناطق في جميع أنحاء أوروبا ، تميزت الأحجار المحلية مثل الحجر الجيري الأصفر أو جمالية ريفية صخرية عشوائية مع زخرفة خشبية بفن العمارة السكنية على طراز فن الآرت نوفو. وفي العديد من الحالات ، تم استخدام الجلد الجص الأبيض النحت ، خاصة في مباني الفن الحديث المستخدمة في المعارض ، مثل أجنحة معرض باريس العالمي لعام 1900 ومبنى الانفصال في فيينا. حتى في الولايات المتحدة ، غالبًا ما تُعد الأشكال النباتية التي تزين ناطحات سحاب لويس سوليفان مثل مبنى وينرايت وبورصة شيكاغو من بين أفضل الأمثلة على النطاق المعماري الواسع لفن الآرت نوفو.

أثاث على طراز فن الآرت نوفو وتصميم داخلي

مثل النهضات الأسلوبية الفيكتورية وحركة الفنون والحرف اليدوية ، ارتبط الفن الحديث ارتباطًا وثيقًا بالديكور الداخلي على الأقل بقدر ما كان واضحًا على الواجهات الخارجية. مثل هذه الأنماط الأخرى من القرن ^{التاسع عشر}القرن ، سعت التصميمات الداخلية على طراز فن الآرت نوفو أيضًا إلى خلق بيئة متناغمة ومتماسكة لا تترك أي سطح دون أن يمسها. احتل تصميم الأثاث مركز الصدارة في هذا الصدد ، لا سيما في إنتاج الخشب المنحوت الذي يتميز بخطوط حادة وغير منتظمة ، وغالبًا ما يتم تصنيعها يدويًا ولكن يتم تصنيعها أحيانًا باستخدام الآلات. صنع صانعو الأثاث قطعًا لكل استخدام يمكن تخيله: أسرة ، وأرائك ، وطاولات وكراسي غرفة الطعام ، وخزائن ، وألواح جانبية ، وحوامل المصابيح. غالبًا ما تتغذى المنحنيات المتعرجة للتصاميم على الحبوب الطبيعية للخشب وغالبًا ما يتم تثبيتها بشكل دائم كألواح الجدران والقولبة.

في فرنسا ، كان من بين كبار مصممي فن الآرت نوفو لويس ماجوريل ، وإميل جالي ، ويوجين فالين ، وجميعهم من نانسي ؛ و Tony Selmersheim و Édouard Colonna و Eugène Gaillard ، الذين عملوا في باريس – وهما الأخيران خصيصًا لمتجر Siegfried Bing المسمى L’Art Nouveau (أعطى لاحقًا الحركة بأكملها اسمها الأكثر شيوعًا). في بلجيكا ، يمكن رؤية خط الجروح والمحجوز ، والمزيد من الملامح الزاوية في تصميمات Gustave Serrurier-Bovy و Henry van de Velde ، اللذين أعجب كلاهما بأعمال فناني الفنون والحرف الإنجليزية. اشتهر الإيطاليان ألبرتو بوجاتي وأوغسطينو لاورو بغزواتهما في الأسلوب هناك. كان العديد من هؤلاء المصممين يتنقلون بحرية بين الوسائط ، مما يجعل تصنيفهم صعبًا في كثير من الأحيان: ماجوريل ، على سبيل المثال ، صنع تصميماته الخاصة للأثاث الخشبي وفتح مسبكًا لأعمال الحديد ،

الرسم و “الفنون العليا”

يمكن أن تدعي أنماط قليلة أنها ممثلة عبر جميع أشكال الوسائط المرئية والمادية تقريبًا تمامًا مثل Art Nouveau. إلى جانب أولئك الذين عملوا بشكل رئيسي في الرسومات والهندسة المعمارية والتصميم ، يحسب Art Nouveau بعض الممثلين البارزين في الرسم ، مثل فيينا الانفصالي Gustav Klimt ، المعروف بـ Hope II و The Kiss (كلاهما 1907-08) ، وفيكتور بروفي في فرنسا . لكن رسامي فن الآرت نوفو كانوا قليلون ومتباعدون: لم يحسب كليمت فعليًا أي طلاب أو أتباع ( ذهب Egon Schiele في اتجاه التعبيري) ، و Prouvé معروف أيضًا كنحات ومصمم أثاث. بدلاً من ذلك ، كان الفن الحديث مسؤولاً ، أكثر من أي أسلوب في التاريخ ، عن تضييق الفجوة بين الفنون الزخرفية أو التطبيقية (للأشياء النفعية) والفنون الجميلة أو الزينة البحتة للرسم والنحت والعمارة ، والتي كانت تُعتبر تقليديًا والأهم من ذلك ، أنقى تعبيرات عن الموهبة والمهارة الفنية. (ومع ذلك ، فإنه قابل للنقاش حول ما إذا كانت هذه الفجوة قد تم سدها بالكامل).

ازالة الاعلانات

زجاج ومجوهرات فن الآرت نوفو

تجلت سمعة الفن الحديث في الرفاهية أيضًا من خلال استغلالها من قبل بعض أشهر فناني الزجاج في التاريخ. اكتشف كل من Emile Gallé و Daum Brothers و Tiffany و Jacques Gruber شهرةً أولى ، على الأقل جزئيًا ، من خلال زجاج فن الآرت نوفو وتطبيقاته في العديد من الأشكال النفعية. رسخت شركتا Gallé و Daum سمعتهما في تصميمات المزهريات والزجاج الفني ، حيث كانت رائدة في التقنيات الجديدة في القطع المحفورة بالحمض والتي يبدو أن أسطحها المنحنية بشكل متعرج تتدفق بين الأشكال الشفافة دون عناء. استغل الأخوان دوم وتيفاني أيضًا الإمكانات الفنية للزجاج لأغراض نفعية مثل أغطية المصابيح وأواني المكتب. كل من تيفاني وجاك جروبر ، اللذين تدربا في نانسي مع دوم براذرز ،

في المجوهرات ، ابتكر رينيه لاليك ولويس كومفورت تيفاني ومارسيل ولفرس بعض القطع الأكثر قيمة في مطلع القرن ، منتجين كل شيء من الأقراط إلى القلائد والأساور إلى الدبابيس ، مما يؤكد أن فن الآرت نوفو سيرتبط دائمًا باللمسات النهائية- رفاهية de-siècle ، على الرغم من الأمل في أن انتشارها في كل مكان قد يجعلها في متناول الجميع.

البيع بالتجزئة وهوية الشركة

صعد الفن الحديث إلى الصدارة في نفس الوقت الذي توسعت فيه تجارة التجزئة لجذب جمهور جماهيري حقيقي. ظهرت بشكل بارز من قبل العديد من المتاجر الحضرية الكبرى التي تم إنشاؤها خلال أواخر القرن ^التاسع عشر ، بما في ذلك La Samaritaine في باريس ، و Wertheim’s في برلين ، و Magasins Reunis في نانسي. علاوة على ذلك ، تم تسويقه بقوة من قبل بعض منافذ التصميم الأكثر شهرة في تلك الفترة ، بدءًا من متجر Siegfried Bing’s L’Art Nouveau في باريس ، والذي ظل معقلًا لنشر الأسلوب حتى إغلاقه في عام 1905 بعد وقت قصير من وفاة Bing. كان متجره بعيدًا عن المتجر الوحيد في المدينة المتخصص في الديكورات الداخلية والأثاث على طراز فن الآرت نوفو.

في هذه الأثناء ، كانت Liberty & Co. الموزع الرئيسي لأشياء الأسلوب في بريطانيا وإيطاليا ، حيث أصبح اسم Liberty مرادفًا للأسلوب نتيجة لذلك. جعل العديد من مصممي Art Nouveau أسمائهم تعمل حصريًا لتجار التجزئة هؤلاء قبل الانتقال في اتجاهات أخرى. على سبيل المثال ، صمم المهندس المعماري Peter Behrens كل شيء تقريبًا من غلايات الشاي إلى أغلفة الكتب إلى الملصقات الإعلانية إلى التصميمات الداخلية لأجنحة المعارض إلى الأواني والأثاث ، وأصبح في النهاية أول مصمم صناعي عندما تم تعيينه في عام 1907 مسؤولاً عن جميع أعمال التصميم لشركة AEG ( Allgemeine Elektrisitats-Gesellschaft ، الشركة الألمانية العامة للكهرباء).

التطورات اللاحقة – بعد الفن الحديث

إذا استحوذ الفن الحديث على أوروبا بسرعة في السنوات الخمس الأخيرة من القرن ^التاسع عشر ، فقد تخلى عنه الفنانون والمصممين والمهندسون المعماريون بنفس السرعة في العقد الأول من القرن ^{العشرين .}مئة عام. على الرغم من أن العديد من ممارسيها قد جعلوا العقيدة القائلة بأن “الشكل يجب أن يتبع الوظيفة” مركزية في روحهم ، فإن بعض المصممين يميلون إلى الإسراف في استخدامهم للزخرفة ، وبدأ انتقاد الأسلوب لكونه مفرطًا في التفصيل. بمعنى ما ، مع نضوج الأسلوب ، بدأ في العودة إلى نفس العادات التي كان يحتقرها ، وبدأ عدد متزايد من المعارضين في الاتهام بأنه بدلاً من تجديد التصميم ، فقد استبدل القديم بالجديد السطحي. حتى باستخدام أساليب الإنتاج الضخم الجديدة ، فإن الحرفية المكثفة التي ينطوي عليها الكثير من تصميمات الفن الحديث منعتها من الوصول حقًا إلى جمهور كبير ، كما كان مؤيدوها يأملون في البداية. في بعض الحالات ، كما هو الحال في دارمشتات ، منعت قوانين حقوق النشر الدولية المتساهلة الفنانين من الاستفادة المالية من تصاميمهم.

سرعان ما ساهم ارتباط Art Nouveau بالمعارض في التراجع. بادئ ذي بدء ، كانت معظم مباني المعرض نفسها عبارة عن هياكل مؤقتة تم هدمها فور إغلاق الحدث. لكن الأهم من ذلك ، أن المعارض نفسها ، على الرغم من أنها عقدت تحت ستار تعزيز التعليم والتفاهم الدولي والسلام ، تميل بدلاً من ذلك إلى تأجيج التنافس والمنافسة بين الدول بسبب الطبيعة المقارنة بطبيعتها للعرض. اعتبرت العديد من البلدان ، بما في ذلك فرنسا وبلجيكا ، الفن الحديث كمنافسين محتملين على لقب “النمط الوطني” ، قبل اتهامات بالأصول الأجنبية للفن الحديث أو النغمات السياسية التخريبية (في فرنسا ، ارتبطت بشكل مختلف بالمصممين البلجيكيين والتجار الألمان ، وكان أحيانًا هو الأسلوب المستخدم في المباني الاشتراكية) قلب الرأي العام ضده. مع بعض الاستثناءات البارزة حيث تمتعت بدائرة ملتزمة من الرعاة المحليين المتفانين ، بحلول عام 1910 ، اختفى فن الآرت نوفو من مشهد التصميم الأوروبي.

من Wiener Werkstätte إلى Art Deco

بدأ موت فن الآرت نوفو في ألمانيا والنمسا ، حيث بدأ المصممون مثل بيتر بيرنس ، وجوزيف هوفمان ، وكولومان موسر بالتحول نحو جمالية هندسية أكثر حدة في وقت مبكر من عام 1903. في ذلك العام ، أسس العديد من المصممين المرتبطين سابقًا بانفصال فيينا المجموعة المعروفة باسم Wiener Werkstätte ، والتي كان تفضيلها للأشكال الزاويّة والمستقيمة بشكل صارخ يستدعي جمالية أكثر دقة ومستوحاة من الصناعة والتي حذفت أي إشارات علنية إلى الطبيعة. تم التأكيد على هذا التجسيد لصفات التصميم المصنَّعة آليًا في عام 1907 من خلال حدثين رئيسيين: تثبيت بيرنس كرئيس لجميع تصميمات الشركة في AEG ، من المباني إلى المنتجات إلى الإعلانات ، مما جعله أول مصمم صناعي في العالم ؛ وتأسيس Werkbund الألمانية ، التحالف الرسمي بين الصناعيين والمصممين الذي حاول بشكل متزايد تحديد نظام لأنواع المنتجات على أساس التوحيد. إلى جانب الاحترام المكتشف حديثًا للكلاسيكية ، المستوحى جزئيًا من المعرض الكولومبي العالمي في شيكاغو عام 1893 ومنح مباركة رسمية من حركة City Beautiful في الولايات المتحدة ، فإن هذه الجمالية المستوحاة من الآلات ستتطور في نهاية المطاف ، في أعقاب الحرب العالمية. أنا ، في الأسلوب الذي نسميه الآن متأخراً آرت ديكو. تم التعبير عن طابعها التجاري الواضح بشكل أكثر إيجازًا في المعرض الدولي للفنون الزخرفية والصناعات الحديثة في باريس عام 1925 ، وهو الحدث الذي من شأنه أن يعطي آرت ديكو اسمه في الستينيات. إلى جانب الاحترام المكتشف حديثًا للكلاسيكية ، المستوحى جزئيًا من المعرض الكولومبي العالمي في شيكاغو عام 1893 ومنح مباركة رسمية من حركة City Beautiful في الولايات المتحدة ، فإن هذه الجمالية المستوحاة من الآلات ستتطور في نهاية المطاف ، في أعقاب الحرب العالمية. أنا ، في الأسلوب الذي نسميه الآن متأخراً آرت ديكو. تم التعبير عن طابعها التجاري الواضح بشكل أكثر إيجازًا في المعرض الدولي للفنون الزخرفية والصناعات الحديثة في باريس عام 1925 ، وهو الحدث الذي من شأنه أن يعطي آرت ديكو اسمه في الستينيات. إلى جانب الاحترام المكتشف حديثًا للكلاسيكية ، المستوحى جزئيًا من المعرض الكولومبي العالمي في شيكاغو عام 1893 ومنح مباركة رسمية من حركة City Beautiful في الولايات المتحدة ، فإن هذه الجمالية المستوحاة من الآلات ستتطور في نهاية المطاف ، في أعقاب الحرب العالمية. أنا ، في الأسلوب الذي نسميه الآن متأخراً آرت ديكو. تم التعبير عن طابعها التجاري الواضح بشكل أكثر إيجازًا في المعرض الدولي للفنون الزخرفية والصناعات الحديثة في باريس عام 1925 ، وهو الحدث الذي من شأنه أن يعطي آرت ديكو اسمه في الستينيات. في النمط الذي نسميه الآن متأخرًا آرت ديكو. تم التعبير عن طابعها التجاري الواضح بشكل أكثر إيجازًا في المعرض الدولي للفنون الزخرفية والصناعات الحديثة في باريس عام 1925 ، وهو الحدث الذي من شأنه أن يعطي آرت ديكو اسمه في الستينيات. في النمط الذي نسميه الآن متأخرًا آرت ديكو. تم التعبير عن طابعها التجاري الواضح بشكل أكثر إيجازًا في المعرض الدولي للفنون الزخرفية والصناعات الحديثة في باريس عام 1925 ، وهو الحدث الذي من شأنه أن يعطي آرت ديكو اسمه في الستينيات.

تأثيرات ما بعد الحداثة

على الرغم من حياتها القصيرة ، فقد أثبتت آرت نوفو أنها مؤثرة في الستينيات والسبعينيات من القرن الماضي للمصممين الراغبين في التحرر من الجمالية المحصورة والمتقشفة وغير الشخصية والمتدنية بشكل متزايد التي سادت في فنون الجرافيك. أصبحت الصفات الخطية المتدفقة وغير المنضبطة للفن الحديث مصدر إلهام لفنانين مثل بيتر ماكس ، الذي يستدعي استحضاره لتجربة بديلة حالمة ومخدرة تذكيرًا بالعالم الجمالي الخيالي ، سريع الزوال ، والتدفق الحر في مطلع القرن.

يُعرف الفن الحديث دائمًا منذ البداية كخطوة مهمة في تطوير الحداثة في كل من الفن والعمارة ، واليوم لا يُفهم الفن الحديث على أنه جسر انتقالي بين فترات الفن لأنه تعبير عن الأسلوب والروح والفكر الفكري لشخص ما. الإطار الزمني ، تمركز حول عام 1900. في بحثها لتأسيس جمالية حديثة حقًا ، أصبحت اللغة المرئية المحددة للحظة عابرة من العصر.