ملخص للفن الحديث

ولّد المتحمسين للفنون الزخرفية والرسومية والهندسة المعمارية في جميع أنحاء أوروبا وخارجها، ظهر فن الآرت نوفو في مجموعة واسعة من المجالات، وبالتالي، فهو معروف بأسماء مختلفة، مثل طراز غلاسكو، أو في العالم الناطق باللغة الألمانية جوجيندستيل. كان الفن الحديث يهدف إلى تحديث التصميم، والسعي للهروب من الأساليب التاريخية الانتقائية التي كانت شائعة في السابق. استوحى الفنانون الإلهام من الأشكال العضوية والهندسية، وطوروا تصميمات أنيقة تجمع بين الأشكال الطبيعية المتدفقة التي تشبه سيقان وأزهار النباتات. كان للتركيز على الخطوط الخطية الأسبقية على اللون، والذي كان يتم تمثيله عادةً بألوان مثل الأخضر الخافت، والبني، والأصفر، والأزرق. كانت الحركة ملتزمة بإلغاء التسلسل الهرمي التقليدي للفنون، الذي نظر إلى ما يسمى بالفنون الليبرالية، مثل الرسم والنحت، باعتبارها متفوقة على الفنون الزخرفية القائمة على الحرف. لقد خرج هذا الأسلوب عن الموضة في معظمه قبل فترة طويلة من الحرب العالمية الأولى، مما مهد الطريق لتطوير آرت ديكو في عشرينيات القرن العشرين، لكنه شهد انتعاشًا شعبيًا في الستينيات، ويُنظر إليه الآن على أنه سلف مهم. إن لم يكن جزءا لا يتجزأ من الحداثة .

الأفكار والإنجازات الرئيسية

• كانت الرغبة في التخلي عن الأنماط التاريخية للقرن التاسع عشر ^بمثابة قوة دافعة مهمة وراء الفن الحديث والتي أسست لحداثة الحركة. كان الإنتاج الصناعي، في تلك المرحلة، منتشرًا على نطاق واسع، ومع ذلك كانت الفنون الزخرفية تهيمن عليها بشكل متزايد أشياء سيئة الصنع تحاكي فترات سابقة. سعى ممارسو الفن الحديث إلى إحياء الصنعة الجيدة، ورفع مكانة الحرفة، وإنتاج تصميم حديث حقًا يعكس فائدة العناصر التي كانوا يصنعونها.
• النظام الأكاديمي، الذي هيمن على التعليم الفني من القرن السابع عشر ^إلى القرن التاسع عشر ^، عزز الاعتقاد السائد بأن وسائل الإعلام مثل الرسم والنحت كانت متفوقة على الحرف مثل تصميم الأثاث والأعمال الحديدية. وكانت النتيجة، كما يعتقد الكثيرون، إهمال الصنعة الجيدة. سعى فنانو الفن الحديث إلى قلب هذا الاعتقاد، وطمحوا بدلاً من ذلك إلى “الأعمال الفنية الكاملة”، وهي Gesamtkunstwerk الشهيرة ، التي ألهمت المباني والديكورات الداخلية التي يعمل فيها كل عنصر بانسجام ضمن مفردات بصرية ذات صلة. في هذه العملية، ساعد الفن الحديث على تضييق الفجوة بين الفنون الجميلة والفنون التطبيقية، على الرغم من أنه من المثير للجدل ما إذا كانت هذه الفجوة قد تم سدها بالكامل.
• شعر العديد من ممارسي فن الآرت نوفو أن التصميم السابق كان زخرفيًا بشكل مفرط، ورغبة في تجنب ما اعتبروه زخرفة تافهة، طوروا اعتقادًا بأن وظيفة الكائن يجب أن تملي شكله. من الناحية العملية، كانت هذه روحًا مرنة إلى حد ما، لكنها ستكون جزءًا مهمًا من تراث الأسلوب للحركات الحداثية اللاحقة، وأشهرها باوهاوس .

الفنانين الرئيسيين

• غوستاف كليمتنظرة عامة والأعمال الفنية والسيرة الذاتية
• هيكتور جيماردنظرة عامة والأعمال الفنية والسيرة الذاتية
• فيكتور هورتانظرة عامة والأعمال الفنية والسيرة الذاتية
• تشارلز ريني ماكينتوشنظرة عامة والأعمال الفنية والسيرة الذاتية

و

تقدم الفن

1883

تصميم غلاف لكنائس مدينة رين

الفنان: آرثر هيغيت ماكموردو

يعد نقش ماكموردو الخشبي مثالاً على تأثير التصميم الإنجليزي، وخاصة حركة الفنون والحرف اليدوية، على فن الآرت نوفو. يشير النقش الخشبي كنوع إلى الجودة الفريدة للعمل المصنوع يدويًا وبساطة استخدام Mackmurdo للمساحة الإيجابية والسلبية وكلاهما يساهم في هذا الارتباط. وفي الوقت نفسه، فإن أشكال ماكموردو التجريدية والطبيعية ومنحنيات العلامة التجارية هي سمة من سمات الإحساس البصري بحرية الحركة والطاقة التي من شأنها أن تحدد في نهاية المطاف فن الآرت نوفو. إن التركيز على الصور الزهرية والنباتية التي تزين الغلاف والتي ترفض أي تناغم حقيقي مع موضوع الكتاب المعلن يسلط الضوء أيضًا على جودته الزخرفية الهادفة، مما يشير إلى كيف أن عمل ماكموردو ذو طبيعة تجريبية وليس مثالًا نهائيًا وناضجًا للفن. حديث. أثبت النقش الخشبي أنه أكثر قيمة بكثير من المحتوى الفعلي، الذي يتكون من وصف متناثر وفضفاض للهندسة المعمارية لكنائس لندن الباروكية التي صممها السير كريستوفر رين.

نقش خشبي على ورق يدوي الصنع

1891

لا جولو في مولان روج

الفنان: هنري دي تولوز لوتريك

يعد تولوز لوتريك أحد أهم فناني الجرافيك في فن الآرت نوفو الذين كانوا مسؤولين عن رفع الملصق من عالم الإعلانات الزائلة إلى الفن الرفيع خلال تسعينيات القرن التاسع عشر (وهو نفس العقد الذي شهد إنشاء مجلات فنية مخصصة لهذه الوسيلة فقط). أدرك لوتريك وزملاؤه من فناني الجرافيك أنهم كانوا مبتكرين، على الرغم من أن التسمية الأسلوبية “الفن الحديث” ربما لم يتم تطبيقها عليهم أبدًا إلا بعد وفاة لوتريك في عام 1901. يأخذ

La Goulue في مولان روج ازدهار وفوضى العلبة الفرنسية فستان الراقص ويقسمه إلى بضعة خطوط بسيطة وإيقاعية، مما يوحي بإحساس الحركة والفضاء. إن تسطيح الأشكال إلى مجرد الخطوط العريضة مع الحشو المسطح للألوان يذكرنا بدين الفن الحديث للمطبوعات اليابانية بالإضافة إلى الإضاءة في مثل هذه النوادي الليلية التي من الطبيعي أن تجعل التفاصيل السطحية للأشكال والأشياء الأخرى غير واضحة. وبالمثل، تشير الحروف الحمراء المتكررة لاسم الملهى إلى الطاقة النابضة للعروض التي احتل فيها الراقصون مثل La Goulue (الاسم المسرحي للويز ويبر، أحد أصدقاء لوتريك) مركز الصدارة.

الطباعة الحجرية – متحف فيلادلفيا للفنون

1894

تنورة الطاووس

الفنان: أوبري بيردسلي

تنورة الطاووس من بيردسلي هي رسمة توضيحية لمسرحية سالومي لأوسكار وايلد عام 1892 ، استنادًا إلى السرد الكتابي الذي يركز على أمر سالومي بقطع رأس يوحنا المعمدان وتقديمه على طبق. (كانت سالومي موضوعًا شائعًا للعديد من فناني فن الآرت نوفو الآخرين، بما في ذلك فيكتور بروفيه.) تعتبر سالومي بيردسلي مروضة نسبيًا مقارنة ببعض أعمال الرسام الأكثر إثارة وشبه إباحية. إنه مثال جيد على عدد الفنانين المتأثرين بالفن الحديث الذين ركزوا بشكل كبير على الخط، وغالبًا ما قاموا بتجريد شخصياتهم لإنتاج منحنيات متعرجة عصرية مميزة جدًا للأسلوب. يمكن للمرء أيضًا أن يأخذها كمثال لكيفية استخدام المفردات الرسمية للأسلوب بإسراف كبير، وهي صفة من شأنها أن تجذب النقد لاحقًا. يتجلى تأثير المطبوعات اليابانية على الفن الحديث أيضًا في أعمال بيردسلي في عرضه المسطح للشكل. ولكن يمكن أيضًا اعتبار هذا الرسم التوضيحي مثالاً على الحركة الجمالية المعاصرة، وفي هذا الصدد يوضح كيفية تداخل الفن الحديث وتفاعله مع أنماط الفترة الأخرى المختلفة.

الرسم التوضيحي بالحبر

1893-96

متحف بودابست للفنون التطبيقية

الفنان: أودون ليخنر وجيولا بارتوس

يعد متحف بودابست للفنون التطبيقية، الذي صممه أودون ليخنر، المعروف أحيانًا باسم “غاودي المجري”، مع شريكه جيولا بارتوس، مثالًا على الطريقة التي يتبعها الخط “الوطني” المجري للفن الحديث (يُطلق عليه غالبًا الانفصال المجري بسبب كان قربها من فيينا) عبارة عن مزيج من الأساليب التاريخية المختلفة أكثر من البحث الدقيق عن أنماط جديدة. يقع هذا المبنى في موقع شبه منحرف، ويحيط بفناء مملوء إلى حد كبير بردهة زجاجية في الجزء الخلفي من الواجهة الرئيسية. الأشكال المستخدمة في الداخل والخارج مستمدة من مزيج من العمارة الإسلامية والفارسية، كما يظهر في أقواسها المتقنة متعددة الفصوص، بالإضافة إلى القباب الباروكية ذات الشكل الجرسي المشتقة من أوروبا الوسطى والأبراج ذات النهايات المنحوتة على شكل بصل. كما هو الحال مع أعمال غاودي، فإن المبنى المزخرف للغاية، والمفصل في كل مكان من خلال أعمال البلاط والزجاج الملون والحجر، ينتج تأثيرًا حيويًا متعدد الألوان يبقي عين المشاهد متحركة ويذكر المرء بالوحدة المتناغمة للفنون التطبيقية هنا في خلق “عمل كامل للفن” فن.”

بودابست، المجر

1900

مداخل محطات مترو الانفاق باريس

الفنان: هيكتور جويمارد

عندما تم تكليف هيكتور جيمارد بتصميم مداخل محطات مترو الأنفاق الشهيرة، كانت باريس ثاني مدينة في العالم (بعد لندن) تقوم ببناء خط سكة حديد تحت الأرض. استجاب تصميم Guimard للرغبة في الاحتفال بهذه البنية التحتية الجديدة والترويج لها من خلال هيكل جريء يمكن رؤيته بوضوح في شوارع باريس. تستخدم المداخل الأشكال العضوية الملتوية النموذجية للفن الحديث والتي تبدو في البداية وكأنها سلسة تقريبًا، ومع ذلك فهي مبنية من عدة أجزاء من الحديد الزهر تم إنتاجها بكميات كبيرة بسهولة، في أوسن لو فال شرق باريس. في الواقع، أخفى جويمارد جانبًا من حداثة القطعة تحت استمراريتها المتعرجة، وهي استراتيجية ترمز إلى موقف الفن الحديث المتناقض تجاه العصر الحديث. وهكذا كان تصميم غيمارد فعالاً في جلب تصميمات فن الآرت نوفو المعقدة والمكثفة للعمالة إلى جمهور كبير بدا له الأسلوب وكأنه رمز للرفاهية التي لا يمكن تحقيقها.

باريس، فرنسا

1900-01

إرنست لودفيغ هاوس، دارمشتات

الفنان: جوزيف ماريا أولبريتش

هذا هو محور مستعمرة الفنانين دارمشتات الجديدة (Kunstlerkolonie)، التي تم تشكيلها في عام 1899 تحت رعاية الدوق الأكبر إرنست لودفيج من هيسن، وهو معجب بحركة الفنون والحرف اليدوية. تم تصميمه بواسطة جي إم أولبريتش، أحد الفنانين المؤسسين للمستعمرة، والذي سرقه الدوق من انفصال فيينا. (قام أولبريتش بتصميم مبنى معرض الانفصال قبل ثلاث سنوات.)

مثل مبنى الانفصال، فإن مبنى إرنست-لودفيج-هاوس مستقيم للغاية، مع واجهة خارجية بيضاء لامعة مغطاة بسقف مائل بلطف، يقع على جبين التل. يقابل ذلك المدخل الرئيسي المقوس ذو الموقع المركزي، والمحدد بنمطه الهندسي السحابي المطلي بالذهب والذي يحيط بالمدخل، والذي يواجهه منحوتات لودفيج هابيش التوأم للذكور والإناث التي تجسد القوة والجمال. تكشف المناور المنحدرة الممتدة على طول الجزء الخلفي من المبنى عن وظيفتها كواحد من مباني فن الآرت نوفو النادرة المصممة فقط كمساحة استوديو، وكانت بمثابة حجر الزاوية في المعرض الافتتاحي لمجموعة دارمشتات في عام 1901. على الرغم من أن المستعمرة فقط استمرت حتى اندلاع الحرب في عام 1914، واليوم يعمل الهيكل كمتحف لمساعيهم الفنية.

دارمشتات، ألمانيا

ج. 1901-05

موديل رقم 342 مصباح “ويستيريا”.

الفنانة: كلارا دريسكول لاستوديوهات تيفاني، نيويورك

تعد مصابيح الطاولة من أشهر عناصر فن الآرت نوفو التي تنتجها شركة لويس كومفورت تيفاني. يعد الطراز رقم 342، المعروف باسم “الوستارية”، واحدًا من أكثر النماذج قيمة. تشبه القاعدة البرونزية جذور الشجرة وجذعها السفلي، مع غطاء زجاجي يحتوي على الرصاص يشبه أغصان الوستارية عند تاجها المصبوب من البرونز. تعلق هذه البتلات المزهرة التي تبدو وكأنها تقطر مثل قطرات الماء، والتي تم إنشاؤها من حوالي 2000 قطعة زجاجية مختارة بشكل فردي والتي تنتج شاشتها توهجًا دافئًا وناعمًا، مما يشير إلى تصفية ضوء الشمس. يضيف عدم انتظام عضو الإنتاج عند التاج إلى جانب حدود الجزء السفلي من الظل إلى الطبيعة الطبيعية للتصميم، ولكنها تذكر أيضًا بتأثير الانطباعية واليابانية على الفن الحديث، حيث أن الوستارية موطنها شرق الولايات المتحدة. ، حيث كان مقر تيفاني، وإلى الصين واليابان وكوريا.

تثبت الأدلة المكتشفة مؤخرًا أن الطراز رقم 342 تم تصميمه من قبل كلارا دريسكول، رئيسة قسم قطع الزجاج النسائي في استوديوهات تيفاني ومبتكرة أكثر من ثلاثين مصباحًا مشهورًا للشركة، بما في ذلك نماذج Daffodil وDragonfly وPeony. وبالتالي فهي تمثل أيضًا لحظة مهمة للمصممات في مطلع القرن، اللاتي تم تكليفهن بمسؤولية قطاع كبير من إنتاج الشركة. كانت دريسكول نفسها تتقاضى 10.000 دولار سنويًا باعتبارها واحدة من النساء الأعلى أجرًا في عصرها، حتى طُلب منها مغادرة استوديوهات تيفاني عندما تزوجت عام 1909.

زجاج محتوي على الرصاص وبرونز مطلي

1907-08

الأمل الثاني

الفنان: غوستاف كليمت

يتضمن عمل كليمت، مثل عمل أوبري بيردسلي، التشويه والمبالغة في الأشكال، وفي كثير من الأحيان، موضوعًا مشحونًا جنسيًا للغاية. على عكس بيردسلي، فإن كليمت مشهور، لا سيما في لوحاته التي تعود إلى ما بعد عام 1900، لاستخدامه المتكرر لأوراق الذهب، وغالبًا ما يكون ذلك بالتنسيق مع مشهد من الألوان الزاهية الأخرى. ساعد هذا المزيج في إنشاء أسلوب كليمت الناضج المميز، والذي غالبًا ما يتم تلخيصه كمجموعة من اللوحات الحالمة والرائعة بصريًا (والفاخرة ماديًا) للنساء، وأحيانًا صور حقيقية ولكن غالبًا ما تكون تجسيدات متخيلة أو مجازية، بما في ذلك لوحة الأمل الثانية . الصور شبه السريالية للأشكال الجسدية المبالغ فيها والمسطحة، والتي تم تسليط الضوء عليها من خلال التركيز على النمط والافتقار إلى العمق والمنفصلة عن بيئة يمكن التعرف عليها، تؤكد الطريقة التي ركز بها كليمت على خلق “فن جديد” حرفيًا كان خاليًا من القواعد المقررة. أو المبادئ. كعضو مؤسس في انفصال فيينا، رفض مبادئ الرسم الأكاديمي التي تدرب عليها. إن ردود الفعل المروعة التي أثارتها أعمال كليمت – خلال حياته حتى يومنا هذا – تساعد في المساهمة في شهرته باعتباره الرسام الأكثر ابتكارًا على طراز فن الآرت نوفو وأستاذ الحداثة.

زيت وأوراق ذهبية على قماش – متحف الفن الحديث، نيويورك

1900-14

بارك جويل

الفنان: أنطوني غاودي وجوزيب ماريا جوجول

قد يكون أنتوني غاودي، المهندس المعماري الأول للحداثة الكاتالونية ، مشهورًا بعمله في الكنيسة التكفيرية غير المكتملة في ساغرادا فاميليا في برشلونة، ولكن يمكن رؤية تصميماته المميزة في عشرات المباني في جميع أنحاء المدينة. كان أحد المشاريع الأخيرة التي نفذها غاودي، وهو كاثوليكي متدين، قبل أن يكرس نفسه بالكامل لكنيسة ساغرادا فاميليا في عام 1914، عبارة عن مجتمع تأملي في الضواحي على سفح التل لصالح راعيه الرئيسي، قطب النسيج أوسيبي جويل. يعرض التطوير قدرات غاودي في التصميم المبتكر، على الرغم من أن المنازل الوحيدة المكتملة كانت منزله الخاص بالإضافة إلى مسكن آخر ويعتبر المشروع عمومًا فاشلاً ماليًا.

تم دمج تصميم الحديقة بشكل كامل مع المناظر الطبيعية، حيث يبدو أن الأعمدة المائلة المحفورة بشكل خشن تم حفرها من سفوح التلال ومغطاة بالكروم. تتكون القطعة المركزية من مساحة سوق ذات أعمدة تدعم ساحة مفتوحة يحدها مقعد أفعواني مغطى بمجموعة من بلاط السيراميك المهمل، تسمى trencadís ، وهي السمة المميزة للحرفية الكاتالونية. يرتبط السوق بمدخل الحديقة عن طريق درج كبير به نافورة مبلطة عليها وجه تنين والعلم الكاتالوني المخطط. هناك، يتكون مقر الحراسة والكونسيرج من نزل صخري تتوج بأبراج مخروطية غير منتظمة الشكل، ويبدو أنها مصنوعة من خبز الزنجبيل. تشير الأشكال المتموجة، المستوحاة من أقواس سلسال مقلوبة، والبلاط ذو الألوان الرائعة إلى الطبيعة التعاونية للفن الحديث الكاتالوني، الذي يضم فرقًا من الحرفيين المتخصصين في الوسائط المختلفة والاعتماد على المعالجة الصادقة للمواد الحساسة بيئيًا.

بدايات الفن الحديث

يمكن إرجاع ظهور فن الآرت نوفو – حرفيًا “الفن الجديد” – إلى تأثيرين متميزين: الأول كان إدخال حركة الفنون والحرف البريطانية، حوالي عام 1880، والتي كانت، مثل الفن الحديث، بمثابة رد فعل ضد الفوضى المزدحمة. تصاميم وتركيبات الفن الزخرفي في العصر الفيكتوري. والثاني هو الرواج الحالي للفن الياباني، وخاصة المطبوعات الخشبية، التي اجتاحت العديد من الفنانين الأوروبيين في ثمانينيات وتسعينيات القرن التاسع عشر، بما في ذلك أمثال غوستاف كليمت ، وإميل جالي ، وجيمس أبوت ماكنيل ويسلر . احتوت المطبوعات الخشبية اليابانية على وجه الخصوص على أشكال زهرية ومنتفخة، ومنحنيات “المصاب”، وكلها عناصر أساسية لما أصبح في نهاية المطاف فن الآرت نوفو.

من الصعب تحديد أول عمل (أعمال) فنية أطلقت رسميًا فن الآرت نوفو. يجادل البعض بأن الخطوط المنقوشة والمتدفقة والخلفيات الزهرية الموجودة في لوحات فنسنت فان جوخ وبول غوغان تمثل ولادة فن الآرت نوفو، أو ربما حتى المطبوعات الحجرية المزخرفة لهنري دي تولوز لوتريك ، مثل مولان روج: لا غول (1891) . لكن معظمها يشير إلى أصول الفنون الزخرفية، وعلى وجه الخصوص إلى غلاف كتاب للمهندس المعماري والمصمم الإنجليزي آرثر هيجيت ماكموردو لمجلد كنائس مدينة رين الذي صدر عام 1883 . يصور التصميم سيقان زهور على شكل سربنتين تنبثق من لوحة مسطحة واحدة في أسفل الصفحة، مما يذكرنا بوضوح بالمطبوعات الخشبية على الطراز الياباني.

معارض الفن الحديث

غالبًا ما كان الفن الحديث أكثر وضوحًا في المعارض الدولية خلال أوجها. لقد حظيت بمركز الصدارة في خمسة معارض معينة: معرض 1889 و1900 للمعارض العالمية في باريس؛ معرض Tervueren عام 1897 في بروكسل (حيث تم استخدام الفن الحديث إلى حد كبير لإظهار إمكانيات الحرفية مع الأخشاب الغريبة في الكونغو البلجيكية)؛ معرض تورينو الدولي للفنون الزخرفية الحديثة عام 1902؛ والمعرض الدولي لشرق فرنسا عام 1909 في نانسي. في كل من هذه المعارض، كان الأسلوب هو السائد من حيث الفنون الزخرفية والهندسة المعمارية المعروضة، وفي تورينو عام 1902، كان الفن الحديث حقًا هو الأسلوب المفضل لكل مصمم تقريبًا وكل دولة ممثلة، مع استبعاد أي دولة أخرى. .

الأسماء الإقليمية للفن الحديث

افتتح سيغفريد بينج، وهو تاجر ألماني ومتذوق للفن الياباني يعيش في باريس، متجرًا اسمه L’Art Nouveau في ديسمبر 1895، والذي أصبح أحد الموردين الرئيسيين للأسلوب في الأثاث والفنون الزخرفية. ولم يمض وقت طويل حتى أصبح اسم المتجر مرادفًا للأسلوب في فرنسا وبريطانيا والولايات المتحدة. ومع ذلك، فإن شعبية الفن الحديث الواسعة في جميع أنحاء أوروبا الغربية والوسطى تعني أنه حصل على عدة ألقاب مختلفة. في البلدان الناطقة بالألمانية، كان يُطلق عليه عمومًا اسم Jugendstil (أسلوب الشباب)، مأخوذ من مجلة في ميونيخ تُدعى Jugend والتي ساهمت في نشره. وفي الوقت نفسه، في فيينا – موطن غوستاف كليمت وأوتو فاغنر وجوزيف هوفمان وغيرهم من مؤسسي انفصال فيينا – كانت تُعرف باسم Sezessionsstil (أسلوب الانفصال). كان يُعرف أيضًا باسم Modernismo باللغة الإسبانية، و Modernisme باللغة الكاتالونية، و Stile Floreale (نمط الأزهار) أو Stile Liberty في إيطاليا (الأخير بعد متجر أقمشة Arthur Liberty في لندن، والذي ساعد في تعميم الأسلوب). في فرنسا كان يُطلق عليه عادةً اسم الطراز الحديث (e) وأحيانًا نمط جيمارد نسبةً إلى أشهر ممارسيه هناك، المهندس المعماري هيكتور جيمارد ، وفي هولندا كان يُطلق عليه عادةً اسم Nieuwe Kunst (الفن الجديد). كما أطلق عليها منتقدوها العديد من الأسماء المهينة: Style Nouille (أسلوب المعكرونة) في فرنسا، و Paling Stijl (أسلوب ثعبان البحر) في بلجيكا، و Bandwurmstil (أسلوب الدودة الشريطية) في ألمانيا – جميع الأسماء التي أشارت بشكل هزلي إلى ميل الفن الحديث إلى استخدام متعرج والخطوط المتدفقة.

الفن الحديث: المفاهيم والأنماط والاتجاهات

رسومات وتصميمات فن الآرت نوفو

يجب تفسير انتشار الفن الحديث في كل مكان في أواخر القرن التاسع عشر ^جزئيًا من خلال استخدام العديد من الفنانين للأشكال الشائعة والتي يمكن إعادة إنتاجها بسهولة، والتي توجد في الفنون الرسومية. في ألمانيا، قام فنانو Jugendstil مثل Peter Behrens وHermann Obrist بطباعة أعمالهم على أغلفة الكتب وكتالوجات المعارض وإعلانات المجلات وإعلانات اللعب. لكن هذا الاتجاه لم يقتصر بأي حال من الأحوال على ألمانيا. الرسام الإنجليزي أوبري بيردسلي ، ربما أكثر شخصيات الفن الحديث إثارة للجدل بسبب مزيجه من الإثارة والمروعة، أنشأ عددًا من الملصقات في حياته المهنية القصيرة التي استخدمت خطوطًا رشيقة وإيقاعية. كانت مطبوعات بيردسلي المزخرفة للغاية، مثل تنورة الطاووس (1894)، منحلة وبسيطة، وتمثل الرابط الأكثر مباشرة الذي يمكننا تحديده بين مطبوعات الفن الحديث واليابانية / أوكييو-إي . في فرنسا، أدت الملصقات والإنتاج الجرافيكي لجول شيريه ، وهنري دي تولوز لوتريك ، وبيير بونارد ، وفيكتور بروف ، وتيوفيل شتاينلين ، وحفنة من الآخرين إلى الترويج لنمط الحياة الفخم والمنحط للعصر الجميل (تقريبًا الفترة ما بين 1890-1914). ) ، ترتبط عادةً بمنطقة الملهى غير الطبيعية في مونمارتر في شمال باريس. استخدمت أعمالهم الرسومية تقنيات جديدة للطباعة الحجرية الملونة للترويج لكل شيء بدءًا من التقنيات الجديدة مثل الهواتف والأضواء الكهربائية إلى الحانات والمطاعم والنوادي الليلية وحتى فناني الأداء الفرديين، مما يستحضر طاقة وحيوية الحياة الحديثة. وفي هذه العملية، سرعان ما رفعوا الملصق من مرتبة إعلان المشاة إلى الفن الرفيع.

فن العمارة على طراز الفن الحديث

بالإضافة إلى الفنون الرسومية والبصرية، فإن أي مناقشة جادة للفن الحديث يجب أن تأخذ في الاعتبار الهندسة المعمارية والتأثير الواسع الذي أحدثه ذلك على الثقافة الأوروبية. في المراكز الحضرية مثل باريس وبروكسل وجلاسكو وتورينو وبرشلونة وأنتويرب وفيينا، بالإضافة إلى المدن الأصغر مثل نانسي ودارمشتات، إلى جانب مناطق أوروبا الشرقية مثل ريغا وبراغ وبودابست، سادت الهندسة المعمارية على طراز فن الآرت نوفو على نطاق واسع. الحجم، من حيث الحجم والمظهر، ولا يزال مرئيًا حتى اليوم في هياكل متنوعة مثل المنازل الصغيرة والمباني المؤسسية والتجارية الكبرى. في الهندسة المعمارية على وجه الخصوص، تم عرض الفن الحديث في مجموعة واسعة من التعابير. تشتمل العديد من المباني على استخدام مذهل للطين والبلاط الملون. على سبيل المثال، صنع صانع الخزف الفرنسي ألكسندر بيجو اسمه إلى حد كبير من خلال إنتاج زخارف الطين لواجهات ومدافئ المساكن والمباني السكنية الباريسية. تُظهِر هياكل أخرى على طراز فن الآرت نوفو، لا سيما في فرنسا وبلجيكا ( كان هيكتور جويمارد وفيكتور هورتا من الممارسين المهمين)، الإمكانات التكنولوجية للهيكل الحديدي المرتبط بألواح زجاجية.

في العديد من المناطق في جميع أنحاء أوروبا، يتميز الحجر المحلي مثل الحجر الجيري الأصفر أو جمالية ريفية صخرية عشوائية مع زخرفة خشبية بالعمارة السكنية على طراز فن الآرت نوفو. وفي العديد من الحالات، تم استخدام الجلد الجص الأبيض النحتي، خاصة في مباني الفن الحديث المستخدمة للمعارض، مثل أجنحة معرض باريس العالمي لعام 1900 ومبنى الانفصال في فيينا. حتى في الولايات المتحدة، غالبًا ما تُعتبر الأشكال النباتية التي تزين ناطحات سحاب لويس سوليفان مثل مبنى وينرايت وبورصة شيكاغو من بين أفضل الأمثلة على النطاق المعماري الواسع للفن الحديث.

أثاث على طراز فن الآرت نوفو والتصميم الداخلي

مثل النهضة الأسلوبية الفيكتورية وحركة الفنون والحرف، ارتبط الفن الحديث ارتباطًا وثيقًا بالديكور الداخلي على الأقل بقدر ما كان واضحًا على الواجهات الخارجية. كما هو الحال أيضًا مع هذه الأنماط الأخرى في القرن التاسع عشر ^، سعت التصميمات الداخلية على طراز فن الآرت نوفو أيضًا إلى خلق بيئة متناغمة ومتماسكة لا تترك أي سطح دون مساس. احتل تصميم الأثاث مركز الصدارة في هذا الصدد، لا سيما في إنتاج الخشب المنحوت الذي يتميز بخطوط حادة وغير منتظمة، وغالبًا ما يكون مصنوعًا يدويًا ولكن يتم تصنيعه أحيانًا باستخدام الآلات. قام صانعو الأثاث بإنتاج قطع لكل استخدام يمكن تخيله: الأسرة، وكراسي الجلوس، وطاولات وكراسي غرفة الطعام، والخزائن، والخزائن الجانبية، وحوامل المصابيح. غالبًا ما تتغذى المنحنيات المتعرجة للتصميمات على الحبوب الطبيعية للأخشاب وغالبًا ما يتم تثبيتها بشكل دائم كألواح وقوالب للجدران.

في فرنسا، كان من بين كبار مصممي الفن الحديث لويس ماجوريل، وإميل جالي، ويوجين فالين، وجميعهم يقيمون في نانسي؛ وتوني سلمرشيم وإدوارد كولونا ويوجين جيلارد، الذين عملوا في باريس – الأخيران خصيصًا لمتجر سيغفريد بينج المسمى L’Art Nouveau (أعطى لاحقًا للحركة بأكملها اسمها الأكثر شيوعًا). في بلجيكا، يمكن رؤية خط الإصابة والخطوط المحجوزة والزاويّة أكثر في تصميمات غوستاف سيرورييه-بوفي وهنري فان دي فيلدي، اللذين أعجبا بأعمال فناني الفنون والحرف الإنجليزية. كان الإيطاليان ألبرتو بوجاتي وأوغستينو لاورو معروفين بغزواتهما في الأسلوب هناك. يتنقل العديد من هؤلاء المصممين بحرية بين الوسائط، مما يجعل من الصعب تصنيفهم في كثير من الأحيان: على سبيل المثال، قام ماجوريل بتصنيع تصميماته الخاصة بالأثاث الخشبي وافتتح مسبكًا لأعمال الحديد، والذي أنتج أيضًا العديد من التركيبات المعدنية للأعمال الزجاجية التي قام بها الأخوان داوم. “مصانع الزجاج.

الرسم و”الفنون العالية”

يمكن لعدد قليل من الأساليب أن تدعي أنها ممثلة في جميع أشكال الوسائط المرئية والمادية تقريبًا مثل الفن الحديث. إلى جانب أولئك الذين عملوا بشكل رئيسي في الرسومات والهندسة المعمارية والتصميم، يضم الفن الحديث بعض الممثلين البارزين في الرسم، مثل الانفصالي في فيينا غوستاف كليمت، المعروف بلوحة الأمل الثانية والقبلة (كلاهما 1907-1908)، وفيكتور بروف في فرنسا. . لكن رسامي الفن الحديث كانوا قليلين ومتباعدين: لم يكن لدى كليمت أي طلاب أو أتباع تقريبًا ( ذهب إيجون شيله في اتجاه التعبيرية )، وكان بروف معروفًا أيضًا كنحات ومصمم أثاث. وبدلا من ذلك، يمكن القول إن الفن الحديث كان مسؤولا، أكثر من أي أسلوب في التاريخ، عن تضييق الفجوة بين الفنون الزخرفية أو التطبيقية (إلى الأشياء النفعية) والفنون الجميلة أو الزخرفية البحتة مثل الرسم والنحت والهندسة المعمارية، والتي كانت تقليديا تعتبر والأهم من ذلك، تعبيرات أنقى عن الموهبة والمهارة الفنية. (ومع ذلك، هناك جدل حول ما إذا كانت هذه الفجوة قد تم إغلاقها بالكامل على الإطلاق).

فن الآرت نوفو للزجاج والمجوهرات

تجلت سمعة فن الآرت نوفو في الرفاهية أيضًا من خلال استغلالها من قبل بعض أشهر فناني الزجاج في التاريخ. إميل جالي، والأخوة داوم، وتيفاني، وجاك جروبر، جميعهم وجدوا الشهرة لأول مرة، على الأقل جزئيًا، من خلال زجاج آرت نوفو وتطبيقاته في العديد من الأشكال النفعية. أسست شركتا جالي وداوم سمعتهما في تصميمات المزهريات والزجاج الفني، وكانتا رائدتين في تقنيات جديدة في القطع المحفورة بالحمض والتي بدا أن أسطحها المنحنية والرشيقة تتدفق بين الألوان الشفافة دون عناء. كما استغل الأخوان داوم وتيفاني الإمكانيات الفنية للزجاج لأغراض نفعية مثل أباجورة المصابيح والأدوات المكتبية. أصبح كل من تيفاني وجاك جروبر، اللذين تدربا في نانسي مع الأخوة داوم، متخصصين في الزجاج الملون الذي احتفى بجمال العالم الطبيعي في ألواح مضيئة واسعة النطاق.

في مجال المجوهرات، ابتكر رينيه لاليك، ولويس كومفورت تيفاني، ومارسيل ولفرز بعضًا من أكثر القطع قيمة في مطلع القرن، حيث أنتجوا كل شيء بدءًا من الأقراط إلى القلائد إلى الأساور إلى البروشات، مما يضمن أن الفن الحديث سيرتبط دائمًا بالفن الحديث . ترف القرن الماضي ، على الرغم من الأمل في أن انتشاره في كل مكان قد يجعله في متناول الجميع على مستوى العالم.

البيع بالتجزئة وهوية الشركة

صعد فن الآرت نوفو إلى الصدارة في نفس الوقت الذي توسعت فيه تجارة التجزئة لجذب جمهور كبير حقًا. وقد ظهرت بشكل بارز في العديد من المتاجر الحضرية الكبرى التي تأسست في أواخر القرن التاسع عشر ^، بما في ذلك La Samaritaine في باريس، وWertheim’s في برلين، وMagasins Reunis في نانسي. علاوة على ذلك، تم تسويقه بقوة من قبل بعض منافذ التصميم الأكثر شهرة في تلك الفترة، بدءًا من متجر سيغفريد بينج L’Art Nouveau في باريس، والذي ظل معقلًا لنشر الأسلوب حتى إغلاقه في عام 1905 بعد وقت قصير من وفاة بينج. لم يكن متجره الوحيد في المدينة المتخصص في التصميمات الداخلية والأثاث على طراز فن الآرت نوفو.

وفي الوقت نفسه، كانت شركة Liberty & Co هي الموزع الرئيسي لأشياء الطراز في بريطانيا وإيطاليا، حيث أصبح اسم Liberty مرادفًا تقريبًا للأسلوب نتيجة لذلك. جعل العديد من مصممي فن الآرت نوفو أسماءهم تعمل حصريًا لدى تجار التجزئة هؤلاء قبل التحرك في اتجاهات أخرى. على سبيل المثال، قام المهندس المعماري بيتر بيرنس بتصميم كل شيء تقريبًا بدءًا من غلايات الشاي وحتى أغلفة الكتب والملصقات الإعلانية وحتى التصميمات الداخلية لأجنحة المعارض وحتى الأدوات والأثاث، وأصبح في النهاية أول مصمم صناعي عندما تم تعيينه في عام 1907 مسؤولاً عن جميع أعمال التصميم لشركة AEG. ( Allgemeine Elektrisitats-Gesellschaft ، شركة جنرال إلكتريك الألمانية).

التطورات اللاحقة – بعد الفن الحديث

إذا كان الفن الحديث قد اجتاح أوروبا بسرعة في السنوات الخمس الأخيرة من القرن التاسع عشر ^، فقد تخلى عنه الفنانون والمصممون والمهندسون المعماريون بنفس السرعة في العقد الأول من القرن ^{العشرين} . على الرغم من أن العديد من ممارسيها جعلوا المبدأ القائل بأن “الشكل يجب أن يتبع الوظيفة” أساسيًا لروحهم، إلا أن بعض المصممين كانوا يميلون إلى أن يكونوا مسرفين في استخدامهم للزخرفة، وبدأ انتقاد الأسلوب لكونه مفرطًا في التفصيل. بمعنى ما، مع نضوج الأسلوب، بدأ في العودة إلى نفس العادات التي كان يحتقرها، وبدأ عدد متزايد من المعارضين يتهمونه بأنه بدلاً من تجديد التصميم، قام فقط بمبادلة القديم بالجديد ظاهريًا. حتى باستخدام أساليب الإنتاج الضخم الجديدة، فإن الحرفية المكثفة المشاركة في الكثير من تصميمات فن الآرت نوفو حالت دون أن تصبح في متناول جمهور كبير، كما كان مناصروها يأملون في البداية. في بعض الحالات، كما هو الحال في دارمشتات، منعت قوانين حقوق النشر الدولية المتساهلة الفنانين من الاستفادة ماليًا من تصميماتهم.

وسرعان ما ساهم ارتباط الفن الحديث بالمعارض في التراجع. في البداية، كانت معظم مباني المعرض نفسها عبارة عن هياكل مؤقتة تم هدمها مباشرة بعد انتهاء الحدث. ولكن الأهم من ذلك هو أن المعارض نفسها، على الرغم من أنها أقيمت تحت ستار تعزيز التعليم والتفاهم الدولي والسلام، كانت تميل بدلاً من ذلك إلى تأجيج التنافس والمنافسة بين الدول بسبب الطبيعة المقارنة المتأصلة للعرض. اعتبرت العديد من البلدان، بما في ذلك فرنسا وبلجيكا، الفن الحديث كمنافسين محتملين على لقب “النمط الوطني”، قبل اتهامات بأصول الفن الحديث الأجنبية أو النغمات السياسية التخريبية (في فرنسا، كان مرتبطًا بشكل مختلف بالمصممين البلجيكيين والتجار الألمان، و كان في بعض الأحيان هو الأسلوب المستخدم في المباني الاشتراكية) مما أدى إلى قلب الرأي العام ضده. مع بعض الاستثناءات الملحوظة حيث تمتعت بدائرة ملتزمة من الرعاة المحليين المتفانين، بحلول عام 1910، اختفى فن الآرت نوفو من مشهد التصميم الأوروبي.

من Wiener Werkstätte إلى آرت ديكو

بدأ موت الفن الحديث في ألمانيا والنمسا، حيث بدأ مصممون مثل بيتر بيرنس، وجوزيف هوفمان، وكولومان موسر في التحول نحو جمالية هندسية أكثر صرامة في وقت مبكر من عام 1903. وفي ذلك العام، أسس العديد من المصممين المرتبطين سابقًا بانفصال فيينا المجموعة المعروفة باسم Wiener Werkstätte، التي كان تفضيلها للأشكال الزاوية والمستقيمة بشكل صارخ يشير إلى جمالية أكثر دقة ومستوحاة من الصناعة والتي أغفلت أي إشارات علنية إلى الطبيعة. تم التأكيد على هذا التجسيد لخصائص التصميم المصنوعة آليًا في عام 1907 من خلال حدثين رئيسيين: تعيين بيرنس كرئيس لشركة AEG لجميع تصميمات الشركات، من المباني إلى المنتجات إلى الإعلانات، مما جعله أول مصمم صناعي في العالم؛ وتأسيس Werkbund الألماني، وهو التحالف الرسمي بين الصناعيين والمصممين الذين حاولوا بشكل متزايد تحديد نظام لأنواع المنتجات على أساس التقييس. إلى جانب الاحترام الجديد للكلاسيكية، المستوحى جزئيًا من المعرض الكولومبي العالمي في شيكاغو عام 1893 والذي حظي بمباركة رسمية من حركة المدينة الجميلة في الولايات المتحدة، فإن هذه الجمالية المستوحاة من الآلة ستتطور في نهاية المطاف، في أعقاب الحرب العالمية. أنا أتبع الأسلوب الذي نسميه الآن مؤخرًا آرت ديكو. تم التعبير عن طابعها التجاري المميز بشكل أكثر إيجازًا في المعرض الدولي للفنون الزخرفية والصناعات الحديثة في باريس عام 1925، وهو الحدث الذي أعطى آرت ديكو اسمه في الستينيات.

تأثيرات ما بعد الحداثة

على الرغم من عمره القصير، أثبت الفن الحديث تأثيره في الستينيات والسبعينيات من القرن الماضي على المصممين الراغبين في التحرر من الجمالية المقيدة والمتشددة وغير الشخصية والمحدودة بشكل متزايد والتي سادت الفنون الرسومية. أصبحت الصفات الخطية المتدفقة وغير المنضبطة للفن الحديث مصدر إلهام لفنانين مثل بيتر ماكس، الذي يستدعي استحضاره لتجربة بديلة حالمة ومخدرة العالم الجمالي الخيالي والزائل والمتدفق بحرية في مطلع القرن.

تم الاعتراف دائمًا بالفن الحديث منذ البداية كخطوة مهمة في تطور الحداثة في كل من الفن والهندسة المعمارية، واليوم يُفهم الفن الحديث بشكل أقل كجسر انتقالي بين فترات فنية بقدر ما هو تعبير عن الأسلوب والروح والفكر الفكري لمجتمع معين. إطار زمني، يتمحور حول عام 1900. وفي سعيها لتأسيس جمالية حديثة حقًا، أصبحت اللغة البصرية المحددة للحظة عابرة من العصر.