إيفان أولبرايت

ملخص إيفان أولبرايت

رسمت أولبرايت بعضًا من أكثر اللوحات تفصيلاً في تاريخ الفن. ركز أسلوبه التصويري في الغالب على موضوع الموت وهشاشة الحياة البشرية. لوحات أولبرايت مضاءة بشكل شاحب ، خام بشكل وحشي ، تمثيلات لشخصيات دمرتها آثار الشيخوخة والمرض جسديًا وعاطفيًا. لقد جلب شدة جديدة تمامًا للواقعية في الرسم – والتي صنفها الكثيرون على أنها الواقعية السحرية– أكسبه لقب “رسام الرعب”. فازت أولبرايت في النهاية باحترام القيمين على المعارض الفنية والنقاد ، لكن نظرته الثابتة لجسم الإنسان في حالة انحطاط كانت تصادمية للغاية بحيث لا تحظى بقبول شعبي واسع. أنتجت ألبرايت عددًا أقل من اللوحات الثابتة المثيرة للإعجاب بشكل كبير ، وتم الاعتراف بها أيضًا باعتبارها صانع طباعة ونقاشًا بارعًا.

الإنجازات

• لوحات أولبرايت ، التي تتحدى أي تصنيف مباشر ، وُضعت مع ذلك تحت شعار “الواقعية السحرية”. هذا لأنه ، على عكس الحركة الألمانية Neue Sachlichkeit (الموضوعية الجديدة) ، والشخصيات البطولية للواقعية الاجتماعية ، أو الصفات الفوتوغرافية للواقعية المفرطة ، تتميز لوحاته الواقعية للغاية بمثل هذا الاهتمام المفصل الدقيق والتفاصيل الدقيقة ، ويتم تحويل موضوعاته إلى أرقام لذلك مزعجة وغريبة أنها تصبح تقريبا هلوسة داخل العالم التمثيلي الذي نشأت منه.
• غالبًا ما كان أولبرايت يقضي سنوات في رسم لوحة واحدة وكان مجهدًا في تحضيره. كان سيطرته الكلية على فنه ، حيث كان يصمم مجموعات للوحاته ، ويبني نماذج تحضيرية ويضع خططًا رسومية لمخططات ألوانه. حتى أنه صنع الدهانات والفحم الخاص به ، وعندما تنتهي رسمته أخيرًا ، كان أولبرايت ينقش شخصيًا إطار صورته.
• أكمل أولبرايت صوره بعدد صغير من الصور الساكنة التي تجمع بين المخلفات العضوية والخردة من صنع الإنسان. كانت هذه الفسيفساء غير العادية والآسرة ، والتي قدمت أحيانًا سمة إنسانية مجردة (مثل اليد التي تظهر من خلال باب أو نافذة) ، دائمًا “Albrightian” بشكل مرتبك وتخلق دسيسة تصويرية كبيرة بين المشاهدين.
• قال أولبرايت ذات مرة: “يجب أن تكون اللوحة قطعة فلسفية – أو لماذا تفعل ذلك؟” كان هذا النهج المنطقي واضحًا في مجلاته وفي فنه وحتى في عناوين لوحاته التي غالبًا ما تصورها على أنها قطع شعر في حد ذاتها. على سبيل المثال ، تُعرف واحدة من أشهر صوره الثابتة باسم The Window ولكن عنوانها الكامل يقرأ على النحو التالي: Poor Room – لا يوجد وقت ، لا اليوم ، لا بالأمس ، لا غدًا ، فقط للأبد ، وإلى الأبد وإلى الأبد بدون النهاية (النافذة) .

حياة إيفان أولبرايت

في حين أن العديد من الفنانين ، من قبل أو منذ ذلك الحين ، خاطبوا أنفسهم ببلى الحياة اليومية على الجسد البشري والروح ، لم يفعل أي منهم ذلك بعين أولبرايت النزيهة والثابتة للحصول على التفاصيل: “اجعل الجسد أشبه باللحم أكثر من أي وقت مضى من قبل ؛ اجعل الجسد قريبًا ، قريبًا ، وأقرب ، حتى تشعر به “، قال.

اقرأ السيرة الذاتية كاملة

اقرأ الإرث الفني

فن مهم لإيفان أولبرايت

تقدم الفن

صور العمل الفني1927

لينمان

حازت هذه اللوحة المبكرة على جائزة السيدة جون سي شافير عن البورتريه في المعرض السنوي لفناني شيكاغو وفيسينيتي . يظهر عامل الخط (عامل يضع ويحافظ على خطوط السكك الحديدية). كانت أولبرايت تميل بالفعل نحو أسلوب الرسم الذي يؤكد هشاشة الجسم البشري وهشاشة النفس البشرية. يقف رجل أعمال أولبرايت (النموذج كان في الواقع جارًا اسمه آرثر ستانفورد) ، وكتفيه متدليتين ، وملابسه في حالة من الفوضى ، وتعبيره يخون الإحساس بالإرهاق واليأس. يمثل العمل قرار أولبرايت الواعي بالتمرد على ما أسماه اللوحات “الجميلة” التي أنتجها والده.

يؤكد الناقد روبرت أرشامبو أن “رفض جماليات والده لم يدفعه إلى تبني النماذج الفنية البديلة في عشرينيات وثلاثينيات القرن الماضي: عندما يرسم العمال ، على سبيل المثال ، لا يوجد شيء من النبل القوي للواقعية الاشتراكية”. تم توضيح ذلك عندما طُبع كتاب The Lineman على غلاف عدد مايو 1928 من مجلة الصناعة التجارية Electric Light & Powerاستفزاز ، على حد تعبير أرشامبو ، “ردة فعل غاضبة من القراء الذين ، بصرف النظر عن سياستهم ، كانوا يفضلون بوضوح البروليتاريين الأصحاء ذوي العيون الواضحة الذين رسموا تحت إشراف المفوضين الثقافيين السوفييت”. كتب أحد المشتركين في المجلة إلى المحرر: “بصراحة ، كل ما يمكنني رؤيته في صورة السيد أولبرايت هو متشرد متدلي ، سرق حزام خطي وحزام عمود”.

تلقت شركة Electric Light & Power عددًا لا يحصى من الشكاوى الأخرى حول العمل الفني المتشائم. كما لاحظ مؤرخ الفن روبرت كوزولينو: “افترض معظم الناس أن أولبرايت قد اختار بومًا من الشارع ليصممه. في الواقع ، كان ستانفورد رجل خطي. الضوء الكهربائي والقوةحاول المصالحة مع قرائه من خلال وضع صورة مثالية لـ “رجل الخط الحديث” على غلافه في أغسطس. يرمز الغضب إلى مكانة أولبرايت في عالم الفن ؛ بينما قبلتها المؤسسات الثقافية والعديد من النقاد ، قوبلت أعماله بسخط وعداء من الجمهور والمراجعين الأكثر تحفظًا “.

زيت على قماش – معهد شيكاغو للفنون

صور العمل الفني1929 – 30

في العالم هناك روح تسمى إيدا

ربما كانت أشهر شخصية لألبرايت هي أم تبلغ من العمر تسعة عشر عامًا تدعى إيدا روجرز ردت على إعلان الفنان المحلي لنموذج حي. كانت هذه هي أول أعماله التي يتم رسمها في الاستوديو الخاص به المبني حديثًا في وارينفيل. يشير العمل أيضًا إلى الفترة التي كان فيها أسلوب أولبرايت الشخصي متماسكًا بشكل أو بآخر ، وقد أكسبه أول تقدير جاد له بين النقاد. يكتب كوزولينو ، في العالم هناك جاءت روح تسمى إيداكان في ذلك الوقت “التأمل الأكثر إنجازًا لألبرايت على الجسد وله موضوع فانيتاس في جميع عناصره التركيبية. ادعى أولبرايت أنه كان يتجول في نموذجه ليراها من زوايا مختلفة ، وهو نهج يكشف عن الشكل أكثر مما هو معتاد من نقطة واحدة. هذا التحول المستمر في المنظور يجعل الأشياء والنموذج يبدوان غير مستقرين ، ومذهلين تقريبًا في حالة عدم اليقين “.

على الرغم من سنوات العطاء التي عاشتها إيدا روجرز ، إلا أن الصورة تظهر لامرأة مسنة تجلس على كرسي من الخيزران. إنها تمسك مضغوطًا للمكياج بالقرب من صدرها في يدها اليسرى بينما تنظر إلى المرآة الصغيرة الموجودة في يمينها. ملابسها غير المهذبة ، التي تتميز بقصة منخفضة وتنورة قصيرة ، تكشف عن بشرتها الفضفاضة والمتغيرة اللون. إنها ترتدي تعبيرًا عن اليأس عند إدراك وفاتها الجسدية. إضافة إلى الحالة المزاجية العامة للرسم من الشعور بالضيق ، هناك غرفة غير مُعتنى بها بشكل سيئ والتي تحتوي على منديل مهمل وعناصر أخرى غير محددة من القمامة. النموذج يجلس بجانب منضدة خشبية توضع عليها (من بين أشياء أخرى) سيجارة مشتعلة ، والتي يفهمها الناقد روبرت أرشامبو على أنها “شعار للنار المتضائلة في حياتها”.

يتم تعزيز هذا الإحساس بالضعف في جسم الإنسان من خلال التضمين الرمزي للزهور الذابلة والخلفية السوداء. تشير مؤرخة الفن سوزان وينينغر إلى أن الصورة تشتمل على النقود والماكياج ، والتي من المحتمل أن تكون بمثابة “رموز للخطوات غير المجدية التي يتخذها الناس لدرء الموت”. يجادل وينينغر بأن هذه العناصر هي في الواقع “رموز للموت”. أو ما يسميه الناقد الفني جاكسون آرن “فانيتاس اليوم الأخير”. في الواقع ، من المعروف أن أولبرايت كانت مفتونة بمفهوم فانيتاس في العصور الوسطى. عمل رمزي ، كتذكير بفناء المرء ، هو قريب من memento mori (“تذكر أنك ستموت”) وفكرة أن كل الأشياء (والناس) مصيرها الموت. إيداأثبت أنه أول نجاح كبير لألبرايت. تم إعادة إنتاجها في العديد من الدوريات الفنية الهامة ، وفازت اللوحة بميدالية ذهبية في المعرض السنوي لجمعية شيكاغو للفنانين في عام 1931. بعد ست سنوات فازت إيدا بالجائزة الأولى في Springfield ، Massachusetts Art League.

زيت على قماش – معهد شيكاغو للفنون

صور العمل الفني1931-41

ما كان يجب أن أفعله لم أفعله (الباب)

أطلق كوزولينو على الباب “لوحة مهلوسة من حيث التأثير النفسي والمرئي [والتي] لا تزال واحدة من أشهر أعمال أولبرايت”. استغرقت هذه اللوحة التي يبلغ طولها ثمانية أقدام وعرضها ثلاثة أقدام عشر سنوات من العمل الشاق واستندت إلى مجموعة من الأشياء التي تم العثور عليها. البابحصل على جوائز المركز الأول في المعارض الكبرى في مدينة نيويورك وفيلادلفيا وشيكاغو كلها في عام 1941. وهو يقدم بابًا خشبيًا منحوتًا بشكل مزخرف ولكنه متداعٍ ومعلق عليه إكليل جنائزي كبير. في وقت الانتهاء ، اعتبر أولبرايت أن هذا هو أهم أعماله ، حيث يلخص فلسفته في الحياة: “الموت هو أعظم حدث في حياة الفيلسوف” ، كتب ، “أجسادنا هي ملاجئنا الترابية التي نعيش فيها. لكي نرى أنفسنا حقًا ، علينا أن نخرج من ملاجئنا ، ويأتي ذلك الوقت بالموت “. ربما تفسر هذه النظرة للعالم الوجود البشري للوحة ، والذي ، حتى لو كان بالكاد ملحوظًا ، يظهر في اليد الناشئة (إلى يسار منتصف الإطار).

، “قام أولبرايت أولاً بتجميع نموذج من نفس الحجم ، بما في ذلك قولبة منحوتة للعتبة والدعامة ، وشاهدة قبر للعتبة ، وباب فيكتوري فعلي ودعائم مثل منديل جدته”. ثم قام بعمل رسم مفصل للفحم السفلي قبل البدء في عملية طلاء العمل التفصيلي الدقيق. يلاحظ أرتنر أيضًا أن أولبرايت أخذ في الاعتبار حجم اللوحة والمنظور الذي يمكن رؤيتها من خلاله ، مشيرًا إلى أن “مستوى عين أولبرايت كان أسفل مركز إكليل الزهور مباشرةً. وعند النظر إلى الأعلى أو الأسفل من تلك النقطة ، فإن حواف الباب يبدأ في التقارب ، لذلك قام بالمبالغة في التأثير ليجعل شكل الدعامة يوحي بالتابوت. ثم ، لطلاء الألواح صعودًا على الباب ، قام تدريجياً بتحويل وجهة نظره من اليمين إلى اليسار. هذه التحولات ،

في عام 1938 ، بدأ أولبرايت في ممارسة عرض “الأعمال الجارية”. كما يشير كوزولينو ، فإن أولبرايت “عرض الباب في حالته غير المكتملة في بيتسبرغ كارنيجي إنترناشيونال حيث تسبب في ضجة كبيرة. وفقًا للتقاليد ، تم عرض القماش غير المكتمل في إطار منحوت بشكل متقن [مفقود الآن] مما تسبب على ما يبدو في أن يشبه الكائن بأكمله النعش. لوحظ التأثير القوي من قبل الكثيرين ، بما في ذلك الناقدة في بيتسبرغ صن تلغراف دوروثي كانتنر التي كتبت ، “إذا كانت لوحة [أولبرايت] لا تسحق بهجتك في الحياة ، فأنت شديد القصف”.

زيت على قماش – معهد شيكاغو للفنون

1943

صورة دوريان غراي

تم تكليف هذه اللوحة بإدراجها في فيلم المخرج ألبرت لوين الحائز على جائزة الأوسكار عام 1945 وهو مقتبس عن رواية أوسكار وايلد The Picture of Dorian Gray.(1891) ، حيث يطلب الشخصية النرجسية صورة لنفسه كشاب وسيم ، قبل مقايضة روحه من أجل الشباب والجمال الأبدي. نتيجة لاتفاق فاوست ، أصبح غراي فاسدًا وعديم الضمير وحقدًا بشكل متزايد ، بينما تتدهور صورته في الوقت نفسه في العمر والجمال مما يرمز إلى تدهور أخلاقه. بالنظر إلى سمعة أولبرايت في رسم صور مفصلة للغاية تبرز الجوانب الهشة والهشة للمظهر البشري والطبيعة البشرية ، فليس من المفاجئ أن يسعى لوين وراء أولبرايت لرسم صورة قديمة لجراي. كما قال الناقد الفني جاكسون آرن ، “في رواية وايلد ، تمتص صورة دوريان جراي كل ذنوب مالكها ، عامًا بعد عام – أي فنان أفضل من أولبرايت ،

تم تقديم لوحة دوريان جراي الشاب (بعد أن عُرضت في البداية على مالفين أولبرايت) لرسام البورتريه البرتغالي هنريك ميدينا. على مدار الفيلم ، مع تدهور الصورة ، قام أولبرايت بتعديل عمل مدينة ، حيث كانت صورته الخاصة بمثابة الرؤية النهائية لجراي المكسور والفاسد. على الرغم من أن الفيلم تم تصويره بالأبيض والأسود ، لتحقيق تأثيره الكامل ، تم تصوير لوحة أولبرايت بألوان فخمة. في الواقع ، كجزء من الترويج للفيلم ، قامت MGM Studios بجولة في لوحة أولبرايت في جميع أنحاء البلاد. يجادل آرن بأن اللوحة “حرفية شديدة ، وجزيرة ، تتويج لكل شيء تعلمه [أولبرايت] عن تصوير الجسد”. لكن وفقًا لكوزولينو ، “كانت صورة دوريان جراي تمثل ذروة شهرة الفنان.

زيت على قماش – معهد شيكاغو للفنون

صور العمل الفني1957-1963

غرفة فقيرة – لا يوجد وقت ولا نهاية ولا اليوم ولا بالأمس ولا غدًا ، فقط للأبد وإلى الأبد وإلى الأبد بلا نهاية (النافذة)

كان أولبرايت مجتهدًا ، مع استمرار الشائعات بأنه استغرق ما يصل إلى عشر ساعات لتغطية بوصة مربعة من القماش. إنه مصنف بحق كرسام بورتريه ، لكن أولبرايت رسم أيضًا عددًا من الرسوم الثابتة المهمة جدًا ، بما في ذلك The Window . لإنشاء اللوحة ، أمضى أولبرايت وقتًا طويلاً في جمع الأشياء العضوية والاصطناعية وترتيبها في نموذج استند منه إلى هذه اللوحة القماشية. بدأ العمل في وارنفيل ، إلينوي ، قبل نقل النموذج والعمل الفني بأكمله إلى شيكاغو حيث تم الانتهاء منه أخيرًا. على الرغم من أن هذا العمل (مع ما كان يجب أن أفعله لم أفعل (الباب)(1931-41)) هو واحد من القلائل التي لا تركز على الموضوع البشري ، ومع ذلك يقدم (مرة أخرى) عنصرًا بشريًا في شكل يد تخرج من الفضاء الشبيه بالنافذة (أسفل يسار الوسط).

يلاحظ أمين ومؤرخ الفن جون مورفي أنه حتى عندما لا تكون الشخصيات البشرية هي الموضوعات الرئيسية لأعماله ، فإن لوحات أولبرايت لا تزال “تصدم الجماهير وتفزعهم وتذهلهم”. ومن المثير للاهتمام أيضًا أن نلاحظ أن هذا الكتاب والعديد من أعمال أولبرايت الأخرى قد أُعطيت ألقابًا شعرية طويلة جدًا ، والتي تم تأليفها فقط بعد اكتمال العمل. لم يكن أولبرايت شاعرًا طموحًا فحسب ، بل اقترح أيضًا أنه صاغ هذه العناوين الشعرية كعلامة على التمرد ضد أعمال والده الفنية ، والتي فضلت العناوين الوصفية القصيرة.

النسخة النهائية من The Windowظهرت لأول مرة في سبتمبر 1963 في معرض دن الدولي في مقاطعة نيو برونزويك الكندية ، حيث مُنحت جائزة قدرها 5000 دولار. يلاحظ كوزولينو أن لجنة الاختيار تتألف من جون ريتشاردسون ، السير كينيث كلارك ، السير أنتوني بلانت ، ألفريد بار جونيور وجوردون واشبورن الذين كانوا يحاولون “إظهار الوضع الحالي لعالم الفن المعاصر في عام 1963 من خلال عرض” أفضل مائة فنان على قيد الحياة ” “”. ريتشاردسون ، مؤرخ الفن البريطاني البارز ، “أوضح لصديق أولبرايت وجامعها ، إيرل لودجين ، طلبًا للحصول على قرض من مجموعته:” السيد. ألفريد بار قلق بشكل خاص من إدراج لوحة رسمها إيفان لورين أولبرايت. لذا فهل أنا ، كما تذهلني أولبرايت ، كواحد من أقوى الفنانين الأمريكيين وأكثرهم شخصية والأكثر أمريكية ،

زيت على قماش – معهد شيكاغو للفنون

صور العمل الفني1977

السلام عليكم ورحمة الله وبركاته

في وقت لاحق من حياته ، عندما كان بصره يتدهور بشدة ، بدأ أولبرايت في تجربة الطباعة الحجرية. تم تشخيص حالته بأنه أعمى سريريًا قبل أن يخضع لعملية جراحية في أغسطس 1977 أعادت بصره (التي شبهها بمعجزة). قدم هذا العمل من قبل أولبرايت كهدية للطبيب الذي أجرى الجراحة. على الأرجح بسبب نيته في تقديمه كهدية ، فهو غير معهود لعمله ككل. هنا يقدم وجهًا جذابًا لفتاة صغيرة يبدو أنها ترتدي تاجًا وزهرة في شعرها ، مع عدة أشياء أخرى ووجوه أصغر تحيط بالشكل المركزي.

اتخذت العديد من المطبوعات الحجرية والنقوش والنقاط الجافة الأخرى لألبرايت ، كنقطة انطلاقهم ، لوحاته السابقة ، وحافظت على موضوع متسق للتدهور البشري. ووفقًا لمايكل كرويد ، كاتب سيرة ألبرايت ، فقد “جعل صناعة الطباعة دائمًا تلعب دورًا مساعدًا في عبقريته التصويرية”. في الواقع ، قام بعمل عدد قليل جدًا من المطبوعات خلال حياته ، في مكان ما حوالي عشرين عامًا ، حسب تقديرات أمين المعرض ومؤرخ الفن جون مورفي. ومع ذلك ، كما يؤكد مورفي أيضًا ، فإن مطبوعات أولبرايت “احتلت مكانًا مهمًا في أعماله ، حيث أتاحت له الفرصة لإعادة تخيل المؤلفات السابقة. بالنسبة لفنان مهتم جدًا بآثار الزمن ، فإن مثل هذه الدائرة الزمنية لها معنى: لوحة لم تكتمل في عام 1930. ، على سبيل المثال ، أصبحت مطبوعة حجرية في عام 1940 ونقطة جافة في عام 1972. […] بالنسبة لألبرايت ، كان عمل البحث والفهم مستمرًا ، ولم ينته أبدًا ، وخاضعًا للتدفق والتحول. وبالتالي ، فإن مطبوعاته الحجرية ونقوشه ونقاطه الجافة تتعامل مع اهتماماته الفنية العميقة وانشغالاته وتستحق نفس الاهتمام الذي تحظى به لوحاته التي لا تمحى “.

طباعة حجرية على ورق منسوج أبيض – معهد شيكاغو للفنون

صور العمل الفني1982

بورتريه ذاتي (رقم 13)

هذا العمل هو واحد من أربع وعشرين صورة ذاتية (تذكرنا بميل رامبرانت للصور الذاتية المتأخرة) التي أنتجها ألبرايت بين عام 1981 ووفاته في عام 1983. وقد تم إنتاجها بدعوة من Galleria degli Uffizi ، فلورنسا ، إيطاليا ، التي لها تاريخ 400 عام في جمع الصور الذاتية للفنانين. اعتبرت الدعوة شرفًا كبيرًا ، وتم تنشيط أولبرايت لإنتاج الأعمال في مجموعة من الوسائط ، ولكن جميعها على نطاق صغير. يستمر كل عمل حتى نهاية حياته في إرثه الأسلوبي في تقديم الشكل البشري بطريقة مفصلة للغاية ووحشية ولا هوادة فيها.

تشير سارة فالين ، مديرة جمعية وارينفيل التاريخية ، إلى أنه من المثير للاهتمام اعتبار أن هذه الصور الذاتية ليست مجرد انعكاسات على صورة أولبرايت الخاصة ، ولكن أيضًا صورة توأمه المتطابق ، مالفين ، وذلك في عملية أنتجهم ، كان يفكر في طبيعة علاقتهم ؛ خاصةً بعد أن انفصل أحدهم عن الآخر لمدة عشرين عامًا. لم تؤكد سلسلة اللوحات تميزه الفني فحسب ، بل أكدت أيضًا عقيدة أولبرايت مدى الحياة: “الجسد قبرنا”. تعليقًا على المسلسل ، كتب المنسق مارك باسكال: “يبدو [أولبرايت] ميتًا تمامًا في تلك المرحلة [في حياته] إنه بالكاد على قيد الحياة […] إنه نوع من تلخيص مهنة من خلال عيون 20 صورة ذاتية” . ربما يجب أن تذهب الكلمة الأخيرة إلى Cozzolino الذي كتب:

زيت على لوح صلب – معهد شيكاغو للفنون

سيرة إيفان أولبرايت

طفولة

ولد إيفان لورين أولبرايت وتوأمه المتطابق مالفين مار أولبرايت قبل الأوان (وزن كل منهما ثلاثة أرطال فقط) للأم كلارا ويلسون ، وهي خريجة متعلمة جيدًا من جامعة كانساس ، لورانس ، وأب آدم إيموري أولبرايت ، في شيكاغو. ضاحية شمال هارفي ، إلينوي. كان آدم ، وهو سليل أزال مرتين من صانعي الأسلحة المهاجرين الألمان المورافيين ، رسامًا انطباعيًا ناجحًا بشكل متواضع درس تحت إشراف الفنان الواقعي الأمريكي توماس إيكنز في أكاديمية بنسلفانيا للفنون الجميلة (PAFA) ، مع كارل فون مار في ميونيخ ، وبنيامين كونستانت في باريس . أصبح معروفًا بشكل خاص في المشهد الفني في شيكاغو بسبب مناظره الطبيعية التي لا تشوبها شائبة وصور الأطفال المثالية ، حيث كان إيفان ومالفين الشابان في كثير من الأحيان عارضين لوالدهم.

عندما كان إيفان ومالفين يبلغان من العمر ثماني سنوات (كان لديهما أيضًا أخ أكبر ، ليسل موريللو أولبرايت ، الذي لم يكن مهتمًا بالفن) بدأ والدهما في إعطاء إيفان ومالفين دروسًا في الرسم والرسم ، مع التركيز بشكل كبير على الدقة التشريحية. أخذ التوأم في زيارات متكررة إلى معهد شيكاغو للفنون (كان لديه هو نفسه معرضًا لرجل واحد في المعهد في أوائل القرن العشرين) ، حيث تعرّفوا على الرسامين الانطباعيين والواقعيين الأمريكيين مثل تشايلد حسام وروبرت هنري ، وليام جلاكنز ، موريس برندرغاستوادموند تاربيل وجون تواتشتمان. بعد عدة تحركات في المنزل ، استقرت العائلة أخيرًا في ضاحية هوبارد وودز الراقية في شيكاغو ، حيث التحق التوأم بمدرسة نيو ترير الثانوية.

التعليم والتدريب المبكر

في سنوات مراهقته ، كان أولبرايت يضغط على الضغط الذي شعر به ليأخذ مكان والده. كما كتب مؤرخ الفن روبرت كوزولينو: “شكّل أولبرايت نفورًا مبكرًا من السياسة والطموحات التجارية التي رآها تعمل في الدائرة الفنية لوالده ؛ كان مصمماً على ألا يصبح فناناً. فقد أطلق على [والده]” فنان قصير المدى ، “اعتقادًا منه أنه مهتم بالمبيعات فقط” يتذكر أولبرايت نفسه: “في تلك الفترة كان والدي معروفًا في المدينة. وقد استمتعنا بصيف واحد … أعتقد أنه كان لدينا 3000 امرأة في النادي هناك [في منزلنا في الضواحي] في مسألة شهر ونصف ويقولون دائمًا ، “أيها الصبي الصغير ، هل ستصبح فنانًا عندما تكبر؟” وقد كرهت ذلك … قلت لن أكون فنانًا أبدًا. سأكون مهندسًا معماريًا ، أو أي شيء.

ومع ذلك ، أدرك أولبرايت أنه على الرغم من عدم رغبته في التقاط صور “جميلة” مثل والده ، إلا أن الرسم كان في الواقع أقوى بدلاته وقد التحق بكلية الفنون الليبرالية في جامعة نورث وسترن في عام 1915. التحق شقيقه في نفس المدرسة بعد فترة وجيزة. ومع ذلك ، ترك إيفان البرنامج في عام 1916 وانتقل إلى جامعة إلينوي في أوربانا. ظل التوأم قريبين من بعضهما البعض وقاموا ببناء استوديوهات مجاورة في وارينجتون ، إلينوي (على الرغم من أنهما منعوا الآخر من دخول مكان عمله الخاص).

عندما اندلعت الحرب العالمية الأولى ، انضم إيفان ومالفين إلى المجهود الحربي الأمريكي. بعد التدريب العسكري في ولاية أيوا ، تم إرسال الأخوين إلى مستشفى قاعدة في نانت بفرنسا مع الفيلق الطبي التابع لقوات الاستطلاع الأمريكية .. تم وضع مالفين في مهمة الحراسة بينما أصبح إيفان “درجًا طبيًا”. تذكر أولبرايت كيف بدأ ، بعد وصوله إلى فرنسا ، في رسم رسومات تخطيطية للمناظر الطبيعية المحلية التي باعها لخدمة الأطباء حتى يكسب ما يكفي من المال “لشراء القليل من النبيذ أو شيء من هذا القبيل”. اقترب منه كابتن قاعدة على النحو الواجب لرسم مشاهد من غرفة العمليات.

بحلول الوقت الذي عاد فيه الأخوان إلى الولايات المتحدة في خريف عام 1919 (بعد فترة دراسة “يومين وليلتين” في مدرسة الفنون الجميلة في نانت) ، كان أولبرايت قد أكمل ما مجموعه ثماني دوريات لرسومات الجرافيت والألوان المائية لوحات الرسوم التوضيحية الطبية والجراحية. كما توقع النقاد مثل روبرت تورشيا وزوي ساميلز ، فإن الوقت الذي أمضاه أولبرايت في المستشفى كان “تجربة شكلت بالتأكيد جمالياته اللاحقة”. ولكن ، كما يسجل كوزولينو ، “قلل أولبرايت باستمرار من أهمية الجناح الطبي باعتباره تأثيرًا فنيًا طوال حياته المهنية [و] نفى بشكل قاطع تأثيره. وقد اعترف [على الرغم من ذلك] أنه وجد الأشعة السينية اكتشافًا عظيمًا ، متحمسًا لرؤية من خلال الجسد مباشرة ووصفه بأنه “أفضل تدريب فني” على الإطلاق “.

عند عودته ، عاد أولبرايت إلى دراساته المعمارية في جامعة إلينوي ، لكنه استمر لمدة أسبوع واحد فقط قبل الانتقال إلى شيكاغو حيث عمل لفترة وجيزة في شركة الهندسة المعمارية دوايت هيلد بيركنز. تولى أيضًا العمل الإعلاني المستقل لشركة الفنادق Albert Pick and Company لكنه قبل دعوته الحقيقية بالتسجيل (مع مالفين) في مدرسة معهد شيكاغو للفنون في يناير 1920. وفقًا لمؤرخ الفن كلوي باورز ، انقلب الأخوان لتحديد أي منهم سيدرس الرسم وأي منها سيدرس النحت. أصبح مالفين نحاتًا ناجحًا (ورسامًا للمناظر الطبيعية أيضًا) ، وعمل لبعض الوقت تحت اسم مستعار “Zsissley” ، بينما “أخذ إيفان العملة المعدنية على محمل الجد ورسم طوال حياته”.

تخرج أولبرايت من معهد الفنون في عام 1923 ، وحصل على “التنويه المشرف للكلية” عن صورته ولوحة الحياة الساكنة. ومع ذلك ، فقد شعر بأنه مقيد في شيكاغو. قالت أولبرايت لاحقًا في مقابلة ، “في شيكاغو كل ما ورثته كان حشدًا كبيرًا من أعداء والدي … لم أستطع التنافس على المنح الدراسية … لقد قضوا علي … لم يحبوا والدي ، لذلك أخذوها مني “. وصل الأخوان إلى نيويورك في يناير 1924. أرادت أولبرايت أن تدرس في رابطة طلاب الفنون تحت إشراف جورج بيلوز ولكن في مدرسة أشكان .كان الرسام في إجازة في أوروبا ولذا اختار مواصلة دراسته في الأكاديمية الوطنية التقليدية للتصميم. هناك وقع تحت تأثير رسام بورتريه المحافظ ، تشارلز دبليو هوثورن. ربما يكون من المدهش إلى حد ما ، أن هوثورن أثبت أنه المعلم الأكثر إلهامًا لتعليم تلاميذه ، “أي شيء تحت الشمس يكون جميلًا إذا كانت لديك الرؤية – إنها رؤية الشيء الذي يجعله كذلك. يجب أن نعلم أنفسنا أن نرى جمال القبيح ، لرؤية جمال الأشياء المألوفة “. سيصبح شعار أولبرايت.

في عام 1925 ، استأجر الأخوان أولبرايت مساحة استوديو في فيلادلفيا ، مرة أخرى ، أقاموا قسمًا مؤقتًا حتى يتمكنوا من العمل بشكل خاص. هنا بدأ أسلوب توقيع أولبرايت في التبلور ، وتخبرنا رسوماته ودفاتر ملاحظاته منذ ذلك الوقت أنه كان يدرس أعمال El Greco و Rembrandt و Holbein و Ferdinand Hodler و Abbot Henderson Thayer. في الواقع ، يلاحظ كوزولينو أن “أولبرايت شوهت مصداقية تاريخ الحداثة في مراجعة” الرسم الفرنسي الحديث “، بالقول إن فرنسا لم تلد قط فنانًا مساويًا لإل جريكو وفيلازكويز في إسبانيا ، أو روبنز في بلجيكا ، أو رامبرانت في هولندا ، أو دورر .في ألمانيا ، مما يشير إلى أن الحديثين معًا لم يكن سوى لمحة صغيرة في تاريخ الفن “. يصف كاتب سيرته الذاتية مايكل كرويدون هذه القطع المبكرة في الواقع بأنها” باروكية “وتتميز بصور نصف الطول التي تم تنفيذها بأسلوب” شديد التركيز ” لقد حددوا النقطة التي بدأت عندها لوحات أولبرايت في جذب المراجعات (ليست جميعها مواتية) التي جمعها ولصقها في سجلات القصاصات.

في أواخر عام 1926 ، زار الأخوان أولبرايت كاليفورنيا لمدة ثلاثة أشهر ، وقضوا معظم وقتهم في المنطقة المحيطة بسان دييغو. يلاحظ كوزولينو أنه “قبل مغادرة كاليفورنيا ، بدأ أولبرايت عملًا محوريًا آخر مبكرًا في مهمة سان لويس ري في أوشنسايد. كان هذا أكبر وأقوى أعماله التصويرية حتى الآن. راهب أيرلندي مسن يدعى الأخ بيتر هابرلين قدم عرضًا لـ I Walk To and Fro من خلال الحضارة وأتحدث وأنا أسير ( اتبعني ، الراهب). يقف الراهب الثمانيني في الصلاة ويداه ممسكتان بصليب. خلفه ، ينفجر الضوء ويبدو أنه يحلق كما لو كان في حالة نقاء […] اختيار الأخ بيتر كنموذج أظهر افتتان أولبرايت بالروحانية ، وشيخوخة الجسد ، والشكل القوي والسرد ، والشاعري العناوين. كما أظهر اهتمامًا متزايدًا بالكائن الفني الكلي ، حيث يحيط إطار محفور يدويًا بالقماش. كان أحد الجوانب الأكثر تميزًا في ممارسات صنع الفن لألبرايت هو دراسته المتقنة لتأثير كائن موحد تمامًا: في العنوان والمحتوى والتكوين وفي إطاره “.

فترة النضج

بحلول الوقت الذي عاد فيه التوأم إلى وارنفيل في أواخر عام 1927 ، كان والدهما قد حول الكنيسة الميثودية إلى معرض أولبرايت للرسم والنحت. مرة أخرى ، يمكن للأخوين الاستمتاع بمساحة الاستوديو الخاصة بهم. رأى إيفان ذلك على أنه بدايات مناسبة لأسلوبه الناضج. قال: “إن رسوماتي تتطلب دراسة أكبر بكثير … من حيث القيمة واللون والتصميم والمفهوم”. في الواقع ، رفض أعماله السابقة ووصفها بأنها “قذرة للغاية” و “مهملة” وتظهر “نقصًا في المعرفة”. أصبح أولبرايت مهووسًا بالإضاءة ، فقد رسم الاستوديو الخاص به باللون الأسود غير اللامع ، وارتدى ملابس سوداء بالكامل (كطريقة للقضاء على أي احتمال للوهج) أثناء إضاءة جليساته من خلال كوة (التي كان يتحكم فيها). شبه كرويدون بيئة استوديو أولبرايت بالجزء الداخلي للكاميرا.

مع اقتراب العقد من نهايته ، لم يستحوذ أسلوب أولبرايت المليء بالتحديات على الجمهور. لكن النقاد ، رغم أنهم ما زالوا متناقضين تجاه اختياره للموضوع ، بدأوا يرون بعض الجودة في عمله. وكما عبرت مؤرخة الفن إليزابيث لي ، فإن أولبرايت “نالت الثناء من قبل النقاد لأشكاله الدقيقة والدقيقة ، ومع ذلك فقد شُتِبَت أيضًا لمقاربته المناهضة للشخصية البشرية”. في عام 1929 رسمه “امرأة”تم عرض (1928) في متحف توليدو للفنون كجزء من المعرض السابع عشر للوحات مختارة لفنانين أمريكيين معاصرين. قدم نموذجه على أنه امرأة عجوز ضعيفة ، مترهلة ورمادية ، في معطف فرو قديم ترتديه من الداخل إلى الخارج. كما وصف متحف نيويورك للفن الحديث ، “يسود اضمحلال جسم الإنسان هذه اللوحة [و] بدلاً من تحويلها إلى صورة مثالية للأنوثة ، عاملتها [أولبرايت] باعتبارها رمزًا صارمًا للجسد المتقدم في السن وقوى الحياة المنهكة “. وجدت مجموعة من الجمهور المحلي أن اللوحة مرفوضة للغاية ونجحت في إزالتها من العرض. ومع ذلك ، سرعان ما أحدثت مجموعة ثانية من المتظاهرين المؤيدين لأولبرايت تأثيرًا كافيًا لإعادة تعليق اللوحة.

سرعان ما عرض ألبرايت أربعة عشر قطعة (جنبًا إلى جنب مع رسامي البورتريه والمناظر الطبيعية جورج باير ومارتن باير) في معهد شيكاغو للفنون في يوليو 1931. حصل على الميدالية الذهبية من جمعية شيكاغو للفنانين عن صورته لكبار السن امرأة ، في العالم هناك جاءت روح تسمى إيدا (1929-1930) ، والتي قال عنها الناقد الفني روبرت أرشامبو: “صورة أولبرايت تعني أننا فقدنا أرواحًا ضائعة ، محاصرة في لحم الحيوانات المحتضرة ، نسيت ما نحن عليه ، وحيث ننتمي. هذا العالم سقط بلا رجعة ، مكان موت وانهيار ، وفقدنا علاقتنا مع عالم أفضل “.

بحلول أوائل الثلاثينيات من القرن الماضي ، كان الفنان قد أسس بشكل فعال “أسلوب أولبرايت” الفريد من نوعه. يكتب كوزولينو ، “أيد أولبرايت نفسه فكرة وجود عمله في فراغ. لقد نفى باستمرار أي تأثير على عمله وحتى أنكر سياقه مع المعاصرين الذين تنافس معهم في المعرض. لقد وضع نفسه بوعي بطريقة قد تكون يُنظر إليه على أنه مناهض للحداثة ، ومع ذلك فإن تصريحاته وممارسته تتوقع أو تسير بالتوازي مع تلك الأساليب التي تعتبر منطقة طليعية قانونية “. في الواقع ، استمر نجاحه (النسبي) طوال الثلاثينيات ، على الرغم من أن هذه كانت فترة الكساد الاقتصادي. قال أولبرايت نفسه لاحقًا: “اشترى الناس لوحاتي سواء كانت الأوقات جيدة أو سيئة [لذا فإن الكساد الاقتصادي لم يحدث فرقًا كبيرًا”.

مثل العديد من معاصريه ، شارك أولبرايت في WPA (جزء من الصفقة الجديدة للرئيس روزفلت) حيث أنجز لوحتين بين عامي 1933 و 1934 (على الرغم من وعده بثمانية وثلاثين دولارًا في الأسبوع في البرنامج كفنان “من الدرجة الأولى” ، ادعى أنه لم يتلق أي مدفوعات). في وقت لاحق ، في مايو 1939 ، توفيت والدة أولبرايت ، مما أثر بشكل كبير على الأخوين. خلال فصول الصيف القليلة التالية ، أمضوا وقتًا معًا في ولاية ماين للعمل على فنهم. دخلت أولبرايت فترة إنتاجية عالية وبحلول عام 1941 ، أشاد مدير معهد شيكاغو للفنون دانييل كاتون ريتش بألبرايت باعتبارها “واحدة من أكثر الفنانين الأصليين في أمريكا اليوم”. سيحصل أولبرايت على رعاية المتحف طوال بقية حياته المهنية.

في عام 1942 ، تلقت أولبرايت اعترافًا جديدًا بعمل يبلغ طوله 8 أقدام يسمى ذلك الذي كان يجب أن أفعله لم أفعله (الباب) (1931-1941). يُظهر بابًا متهالكًا ومُعلق عليه إكليل جنازة وقد استغرق الأمر من أولبرايت حوالي عشر سنوات لإكماله. فازت اللوحة بميدالية تمبل الذهبية في أكاديمية بنسلفانيا للفنون الجميلة ، وميدالية أفضل صورة في معرض “فنانون من أجل النصر” في متحف متروبوليتان للفنون في نيويورك. تسارعت سمعته المتنامية مع صورته لدوريان جراي(1943-44) التي أظهرت أن بطل أوسكار وايلد الذي يحمل اسمًا كبيرًا كشخصية متحللة في المرحلة الأخيرة من الحياة. تم تكليفه بفيلم هوليود يحمل نفس الاسم. كما كتب الناقد جاكسون آرن ، “في عام 1943 ، قام المخرج السينمائي ألبرت لوين – ثم في المراحل الأولى من تكييف قصة وايلد المروعة على الشاشة الكبيرة – بالبحث عن فنان مناسب لرسم نسخة من الصورة الشهيرة. فالفنان الذي كلفه كانت المهمة [أولبرايت] وستصبح الصورة التي أكملها أولبرايت واحدة من جواهر مسيرته ، ناهيك عن أبرز ما في الفيلم “.

في عام 1946 تزوجت أولبرايت من مطلقة ووريثة اسمها جوزفين ميديل باترسون ريف. أسست عائلة ريف شيكاغو تريبيونواستقر الزوجان في نهاية المطاف في المدينة (بعد أن أمضيا فترات قصيرة في Ten Sleep. وايومنغ وبيلينجز ، مونتانا). كان لريف طفلان من علاقة سابقة ، وقد تبنتهما أولبرايت. كان للزوجين أيضًا طفلان معًا: ابن في عام 1947 ، آدم ميديل (وزوجة مستقبلية لمادلين أولبرايت ، أول وزيرة خارجية للولايات المتحدة في عهد الرئيس بيل كلينتون بين عامي 1997-2001) ، وفي عام 1949 ، ابنة ، بلاندينا فان إيتن. طوال فترة زواجهما ، وجد الزوجان وقتًا للسفر حول العالم ، وزيارة روسيا ، والصين ، واليابان ، وإيران ، واليونان ، وكينيا ، وألاسكا ، وإنجلترا. أنتج أولبرايت العديد من الرسومات والرسومات في رحلاته ، ولكن بناء على اقتراح أن المواقع الجديدة والغريبة ربما أثرت على أعمال الاستوديو الخاصة به ، صرح أولبرايت بشكل مفاجئ: “في الواقع ، مكان واحد جيد مثل مكان آخر بالنسبة لي. السفر حول العالم لن يحركني أكثر من الجلوس هنا في الاستوديو الخاص بي. إن المعنى الذي تضفيه على رسوماتك هو المهم “.

الفترة المتأخرة والوفاة

طوال الخمسينيات والستينيات من القرن الماضي ، تحولت أولبرايت من الأعمال الكبيرة الحجم إلى اللوحات الصغيرة والصور الذاتية. انتقلت عائلة ألبرايت عدة مرات: إلى أسبن ، كولورادو ، مزرعة بالقرب من جاكسونفيل ، جورجيا ، ومزرعة في دوبوا ، وايومنغ. كانت المزرعة والمزرعة ملكًا لعائلة جوزفين وقد أثبتت هذه الأماكن أنها ملهمة لفن أولبرايت. وشهدت المزرعة والمنطقة المحيطة بها إنتاج ألبرايت عدة مواضيع “مستنقعات” ، بينما ألهمت المزرعة العديد من الأعمال ذات الطابع الغربي. في هذا الوقت أيضًا ، وقع خلاف وفقد الاتصال بشقيقه لأسباب لا تزال غير واضحة.

في عام 1957 ، توفي والد أولبرايت. بعد ذلك ، في أوائل الستينيات ، هدمت مدينة شيكاغو استوديو Ogden Avenue الخاص به لإنشاء مركز تسوق. هذا ، بالإضافة إلى حقيقة أن الأذواق الفنية في ذلك الوقت كانت تتجه نحو التجريد ، وفن البوب ​​، والبساطة ، تركت أولبرايت تشعر بعدم التقدير وغير ذات صلة داخل مجتمع الفن في شيكاغو. في عام 1963 ، انتقل آل أولبرايت إلى وودستوك ، فيرمونت ، لكن بصره بدأ يتدهور بشكل كبير ، مما أدى إلى تسجيله على أنه أعمى إكلينيكيًا. لحسن الحظ ، أعادت عملية زرع القرنية في عام 1967 رؤيته وتمكن من استئناف العمل.

كان أول عمل رئيسي أنتجته ألبرايت في فيرمونت هو The Vermonter (1966-77). كان نموذجه عضوًا متقاعدًا في مجلس النواب في فيرمونت ومزارع القيقب اسمه كينيث أتوود. صرح أولبرايت أنه اختار أتوود لأنه “عاش ويشعر بالتعب مثلي”. في الواقع ، شوهدت اللوحة مقدمة لمهنة أولبرايت المتأخرة في تحديد الصور الذاتية. لكن كوزولينو يجادل بأن “السياق الحقيقي والمغفل لفيرمونتر يكمن في اللوحات المعاصرة لفرانسيس بيكون وألبرتو جياكوميتي […] تشترك أولبرايت وجياكوميتي ، ناهيك عن بيكون ، في وجهات نظر مماثلة حول دور ومشاركة النماذج في الرسم ، والتجربة التحويلية أمامهم كعمل من خلال الرسام.يحمل Vermonter تشابهًا وثيقًا مع صور الباباوات ، التي صورها فنانون من رافائيل إلى فيلاسكيز إلى فرانسيس بيكون ، ويعزز ادعاءات أولبرايت الخاصة بالحس الروحي في هذا العمل المتأخر “. يشير كوزولينو في الواقع إلى أن اهتمامه بالروحانية وجد أكثر ما لديه مظهر صريح في “شبه الهوس بكفن تورينو الأسطوري ، والذي أصبح مصدر إلهام للعديد من الأعمال الفنية خلال السبعينيات حتى وفاته”.

بسبب الوضع المالي المريح لعائلته ، تمتع أولبرايت برفاهية عدم حاجته لبيع فنه. في الواقع ، لم يكن لديه تاجر مطلقًا ولم يكن تابعًا لمعرض مخصص. في عام 1977 ، بعد أن احتفظ بالعديد من أعماله (150 أو نحو ذلك) ، تبرع أولبرايت بكل لوحاته تقريبًا إلى معهد شيكاغو للفنون ومئات من رسومات السفر والرسومات إلى متحف هود في كلية دارتموث. في نفس العام ، اجتمع هو وشقيقه (في عيد ميلادهما) للمرة الأولى منذ ما يقرب من عشرين عامًا. بين عامي 1981-1983 أنتجت ألبرايت سلسلة من الصور الذاتية بدعوة من Galleria degli Uffiziفي فلورنسا. بعد أن شعرت بالرضا الشديد من الدعوة ، أنتجت أولبرايت أربعة وعشرين عملاً صغيراً في مجموعة من الوسائط. في عام 1983 ، وبعد أن أصيب مؤخرًا بسكتة دماغية ، أكمل أولبرايت آخر صوره الشخصية قبل وفاته في 18 نوفمبر 1983 ، بعد أشهر قليلة من وفاة شقيقه مالفين.

تراث إيفان أولبرايت

اشتهر أولبرايت (في) في أوائل القرن العشرين إلى منتصفه بسبب صوره التفصيلية الدقيقة (وعدد أقل من الصور الثابتة) التي ، من خلال مزيج من الاهتمام الاستثنائي بالتفاصيل والإضاءة الصارخة ، اختارته على أنها شخصية حقيقية- من نوع. يصف الناقد الفني جاكسون أرن أسلوب أولبرايت بأنه “توليفة غريبة لتدريبه الرسمي” (الذي اكتسب من خلاله “معرفة هائلة” بتاريخ الفن الأوروبي) و “أيامه المروعة في فرنسا” (مثل الحرب العالمية الأولى منظمة طبية). يمكن للمرء أن يتتبع في انتباهه إلى التفاصيل والتطبيق الخفيف للألوان ، وتأثير El Greco ، و Albrecht Dürer ، والصور الذاتية في أواخر حياته المهنية لـ Rembrandt. في الواقع ، إتقان أولبرايت التقني لا جدال فيه ، لكن نظرته المحتضرة للعالم – التي وصفتها المنسقة سارة كيلي أوهلر بأنها “مغرية ومثيرة للاشمئزاز في نفس الوقت” – قد تكون مقلقة للغاية بحيث لا يمكن قبولها على نطاق واسع من قبل الجمهور. على سبيل المثال ، تساءل الناقد إيروين سانت جون تاكر بسخرية لماذا قد يرغب الفنان في “رسم امرأة بلحم مثل لون جثة غرقت [منذ ستة أسابيع]؟”

وبالنظر إلى هوسه المرضي بحالة “انتهاء الصلاحية” لجسم الإنسان ، فقد وُصفت لوحاته بأنها ماجيك رياليست ؛ على حد تعبير أستاذ الأدب والفنون ماثيو ستريشر ، “ما يحدث عندما يتم غزو مكان واقعي ومفصل للغاية من قبل شيء غريب جدًا بحيث لا يمكن تصديقه”. عرضت ألبرايت في عام 1943 معرض الواقعية والواقعية السحريةفي متحف الفن الحديث ، نيويورك ، لكن الفنان نفسه لم يرتبط أبدًا بـ Magic Realists ، ولا أي حركة فنية في هذا الشأن. كما لخص مؤرخ الفن روبرت كوزولينو ، “لم يتأثر بالعالم من حوله ، ولم يؤثر على أحد وخالي من التلوث الفني الخارجي ، فقد سعى إلى رؤية شخصية مكثفة”. في الواقع ، في حين أن الشهرة العظيمة ربما كانت قد استعصت عليه ، لا يزال بإمكان أولبرايت أن يدّعي مكانة فريدة حقًا في مجمع الفنانين الأمريكيين في القرن العشرين.