العصر الذهبي الهولندي

ملخص لوحة العصر الذهبي الهولندي

يعد العصر الذهبي الهولندي أحد أفضل الأمثلة على الاستقلال الذي يولد الفخر الثقافي. خلال القرن ^السابع عشر ، مدفوعة بالتحرر الجديد من الحكم الكاثوليكي الإسباني ، شهدت الجمهورية الهولندية طفرة في الأهمية الاقتصادية والثقافية. عزز تدفق التجارة التجارة ، مما أدى إلى ظهور طبقة كبيرة من الوسطاء والتجار في السوق لانتشار الفن الذي ظهر استجابة للاحتفال المزدهر بالحياة والهوية الهولندية. ازدهر الرسم عندما ركز الفنانون على المشاهد اليومية للحياة العادية ، معبراً عنها من خلال كادر متزايد من الأعمال النوعية ، وكلها تدل على الفترة الإبداعية المزدهرة.

الأفكار والإنجازات الرئيسية

• الكنيسة الهولندية الإصلاحية والإحساس المتزايد بالقومية الهولندية كانا مصدر إلهام للعصر الذهبي. اتخذ الفن أيضًا اتجاهات مستقلة ، حيث طور التركيز على الموضوعات العلمانية ، التي لم تُصوَّر بعظمة كاثوليكية ، ولكن مع التركيز على الحياة البشرية العادية والعلاجات الواقعية. نتيجة لذلك ، أشار بعض العلماء إلى رسم العصر الذهبي الهولندي بالواقعية الهولندية.
• انفجرت لوحة المناظر الطبيعية خلال العصر الذهبي الهولندي ، مع التركيز على الخصائص الفريدة لميزات المناظر الطبيعية الهولندية والقرى والحياة الريفية المرتبطة بتقدير متزايد للقيم الهولندية. استند العديد من هذه المشاهد إلى عناصر مركزية “بطولية” أصلية في المنطقة مثل شجرة أو طاحونة هوائية أو سماء مليئة بالغيوم.
• شهدت لوحة النوع تطورًا رائعًا ، مع وجود أنواع فرعية إبداعية متعددة تولد نظرة مميزة على نمط الحياة المعاصر والاتجاهات والاهتمامات للشعب الهولندي في ذلك الوقت. ساعدت الموضوعات التي تتراوح من طاولات الإفطار الفخمة إلى الصور الجماعية إلى لحظات الفرح والتفاهات الصغيرة في إنشاء وثيقة فنية لتلك الفترة.
• ازدهرت الحياة الساكنة ، أو الساكنة ، للتعبير بشكل خيالي عن كل من الأشياء الجميلة والمناخ الفلسفي في ذلك الوقت من خلال الترتيبات والتجمعات المكونة بعناية. تطور هذا العنصر المهيمن في الفن الهولندي إلى عدد من الأنواع الفرعية التي كانت الحياة الزهرية الساكنة منها ، المقدمة بدقة علمية ، هي الأكثر شيوعًا.

الفنانين الرئيسيين

• فرانس هالسنظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية
• جوديث ليسترنظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية
• رامبرانت فان رايننظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية
• أنتوني فان ديكنظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية
• كاريل فابريتيوسنظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية
• يوهانس فيرميرنظرة عامة ، الأعمال الفنية ، والسيرة الذاتية

الأعمال الفنية وفناني الرسم الهولندي من العصر الذهبي

تقدم الفن

1623

عازف العود

الفنان: فرانس هالس

هذه القطعة من النوع تصور عازف عود ، جسده يتجه نحو المشاهد ، بينما ينظر بذكاء إلى يساره. تتوسط فتحة الصوت المنحوتة بشكل معقد في العود النصف السفلي من القماش ، بينما ينقل القطر الذي تم إنشاؤه بواسطة عنقها الممتد من الإطار المقطوع إحساسًا بالحركة. يبدو أن اللاعب في منتصف الحركة ، ويده اليمنى تعزف على الأوتار ، وإصبعه الأيسر على وتر على رقبته ، وهو يهز رأسه بشكل جانبي مبتسمًا. يضيف النمط الأحمر والأسود لزي المهرج ، المميز بأزرار صفراء بارزة ، إلى الهواء الاحتفالي والمسلي ، بينما يضفي الضوء الصافي إحساسًا بالفورية.

كانت تقنية الرسم التي ابتكرها فرانس هالس ، والتي يطلق عليها اسم “النمط الخشن” ، مبتكرة ، حيث استخدم الفرشاة السريعة السائبة لخلق حركة نشطة. غيرت أعماله النوع الذي قدمه Dirck van Buburen ، حيث تحركت شخصياته بشكل واقعي ، عالقة في خضم الحركة. كما كتبت الناقدة الفنية روبرتا سميث ، “في الغالب من خلال القص والتكبير ، ترفع هذه الأعمال الرسم النوعي إلى شكل من أشكال البورتريه واضح العينين … وفي إحساسها بالحركة فإنها تنذر أحيانًا بالتقاط الصورة الحديثة.”

الرسامون الهولنديون الآخرون للعصر ، بما في ذلك ديفيد بايلي وجان ستين ، وكذلك ^{التاسع عشر}قام أدريان دي ليلي في القرن الماضي بنسخ هذا العمل أو دمج جوانب منه. كان لأسلوب هالس الخام تأثير ملحوظ على الفنانين اللاحقين للحركة الواقعية ، بما في ذلك كوربيه ومانيه ، والحركة الانطباعية ، بما في ذلك مونيه وماري كاسات. ذهب روبرت هنري ، وهو جزء من المجموعة الأمريكية الثمانية ، إلى هارلم لدراسة عمل هالس الذي يظهر تأثيره في فيلم Henri’s Dutch Girl in White (1907).

زيت على قماش – متحف اللوفر ، باريس

ج. 1630

تصوير شخصي

الفنان: Judith Leyster

تُظهر هذه الصورة الذاتية الفنانة على حاملها ، وهي تدور في منتصف الشوط ، وفي يدها فرشاة لمواجهة المشاهد. شكل قطري من جذعها وهي تستدير ، ومسرحية الضوء التي توحي بالحركة في طوقها المصنوع من الدانتيل وكمها ، وتعبيرات وجهها ، وشفتيها مفتوحتين كما لو كانت تبتسم ، تخلق إحساسًا بالحيوية الفورية. على الحامل إلى اليمين ، موسيقي متحرك يرتدي ملابس زرقاء ، يعزف على الكمان ويغني. تؤكد اللوحة الموجودة داخل اللوحة على تقديم Leyster الذاتي باعتباره رسامًا بارعًا لأعمال النوع. هنا تقارن بشكل مبتكر بين فنون الموسيقى والرسم في الأقطار المرورية لقوس الموسيقي وفرشاة الرسام ، في حين أن استخدامها للقص يجعل اللوحة تبدو تلقائية تقريبًا مثل لقطة.

علاج Leyster هنا هو ابتكار ملحوظ في التصوير الذاتي ، حيث تقوم في الواقع بتسويق علامتها التجارية ، حيث يتم نسخ الموسيقي التي تظهر هنا من أكثر أعمالها شهرة The Happy Couple (1630). في الوقت نفسه ، أظهرت الأشعة السينية أن الرسم على الحامل كان في الأصل صورة لفتاة ، وربما صورة ذاتية ، وكما كتب الناقد الفني بيتر شجيلدال ، “يروي المحو الذاتي الحرفي قصة حزينة ، لكن اللوحة هي فرحة وأيقونة نسوية بأثر رجعي “. تشير فرشاة الفنان إلى المنشعب الموسيقي ، وهي إشارة فاحشة شائعة في ذلك الوقت. تحت أسطح Leyster النابضة بالحياة ، يشير Schjeldahl ، “القلق الاجتماعي والجنساني يتأرجح مع إنذار الحريق الفوري.”

في السنوات التي أعقبت وفاتها ، اختفت أعمال ليستر ، حيث نُسبت أعمالها إلى فرانس هالس ، أو إلى زوجها الرسام جان مينس مولينير. في عام 1893 ، اشترى متحف اللوفر The Happy Couple (1630) ، معتقدًا أنه من عمل Hals ، فقط لاكتشاف توقيع Leyster وعلامته التجارية ، وهو رمز نجمة يلعب على معنى اسمها الأخير “Lodestar”. على الرغم من أن النقاد أثنى على العمل كثيرًا عندما نُسب إلى هالس ، إلا أنهم بعد ذلك خفضوا مرتبة العمل بسبب “ضعفه”. أطلق علماء الفن النسويون ، مثل ليندا نوشلين ، وفنانين مثل Guerrilla Girls ، ابتداءً من السبعينيات ، إحياءً للاهتمام بأعمال ليستر.

زيت على قماش – المتحف الوطني للفنون ، واشنطن العاصمة

ج 1632

درس التشريح للدكتور نيكولاس تولب

الفنان: رامبرانت فان راين

تُظهر هذه اللوحة الأيقونية الدكتور تولب وهو يقدم درسًا في علم التشريح ، حيث يرفع الملقط الموجود في يده اليمنى وترًا من الذراع المقطوعة جزئيًا لرجل تم إعدامه بسبب سطو مسلح في وقت سابق من ذلك الصباح. ينظر تولب نحو الرجال السبعة المجتمعين حول الجثة بينما تشير يده اليسرى لشرح نقطة تشريحية. ينظر الرجال بأطواقهم البيضاء وملابسهم الجميلة التي تدل على ثروتهم في اتجاهات مختلفة. يميل الثلاثة الأقرب إلى المركز إلى الأمام كما لو كانوا يراقبون يدي تولب ، بينما ينظر الاثنان في الخلف نحو المشاهد. الاثنان في أقصى اليسار ، الموصوفان في الملف الشخصي ، يواجهان Tulp لكن يبدو أنهما ينظران إلى ما وراءه ، خارج إطار الصورة. ينتج عن ذلك إحساس بالحركة الديناميكية والتعقيد النفسي ، حيث لا أحد يعيد نظرة تولب أو ينظر مباشرة إلى الجثة الشاحبة. اليملأ ظل الموت ، أو ظل الموت ، وسط اللوحة. يستحضر جسد الرجل ، وأعضائه التناسلية المغطاة بقطعة من الكتان الأبيض ، أيقونات موت المسيح ، وإن كان الجسد هنا منسيًا ، وفي نفس الوقت فإن ذراعه المشرحة تنقل حقيقة الموت.

في هذا العمل ، قام رامبرانت بتحويل صورة المجموعة بشكل مبتكر من خلال التركيز بشكل كبير على الحدث في منتصف الحركة ، بدلاً من مجرد تقديم مشهد مطروح. ونتيجة لذلك ، أصبح العمل مشهدًا بسيطًا ، نوعًا من الأفلام الوثائقية الرسومية ، وصورة شخصية بارعة.

قامت نقابة الجراحين في أمستردام بتكليف صورة جماعية ، وهي أول صورة رامبرانت مهمة في المدينة. حضر الرجال التشريح العام السنوي للنقابة في عام 1632 والذي ترأسه الدكتور تولب ، عالم تشريح المدينة. في 17^{هولندا القرن} ، كانت الدروس التشريحية ملحوظة في الأحداث الاجتماعية ، مصحوبة بالموسيقى ، والمحادثة ، والطعام والنبيذ ، التي تجري في غرف المحاضرات المسرحية ، ويحضرها أولئك الذين يستطيعون تحمل رسوم الدخول. المظهر الأنيق لهؤلاء الرجال ، أطواقهم البيضاء وعباءاتهم الجميلة ، يشهد على أهميتهم الاجتماعية ، ومع ذلك ، يتم تقديمهم وكأنهم مثيرون ومشتتون ، وتطغى إنسانيتهم ​​على مكانتهم.

رسم مانيه نسخة من هذه اللوحة في عام 1856 بعد دراستها في رحلة إلى هولندا ، كما تأثر الواقعي الأمريكي توماس إيكنز بها في رسمه The Gross Clinic (1875). اتخذ الرجل الذي تم إعدامه Kindt أيضًا نوعًا من الحياة الثقافية اللاحقة ، المشار إليها في WG Sebald’s The Rings of Saturn(1999) وفي درس التشريح لنينا سيغال (2014) ، والذي يحكي قصته.

زيت على لوحة – موريتشويس ، لاهاي ، هولندا

ج. 1649

الكثبان الرملية بالقرب من هارلم

الفنان: Jacob van Ruisdael

يُظهر هذا المشهد صيادًا وكلابه وهم يتسلقون الكثبان الرملية على اليمين ، ويركز بشكل أساسي على الشجرة العظيمة في وسط الإطار. يتأرجح حجمه السميك إلى اليسار ، ويلفت انتباهنا إلى أفق هارلم البعيد. على يمين الشجرة ، ينحني الطريق المضاء بنور الشمس نحو الأفق ويوجه نظرنا إلى الأعلى إلى السحب الركامية التي تعكس أشكالها المتدفقة والحيوية أوراق الشجر الكثيفة. ينتج عن الشعور بالطاقة العظيمة ، في الوقت نفسه ، ينقل العنصر الرمزي للصياد وكلابه شعورًا بالحياة العادية في وئام مع الطبيعة أثناء رحلتهم نحو منزل المزرعة الذي يلمح في نهاية الطريق المنحني.

مع إحساسه القوي بالتكوين ، يمثل هذا العمل المرحلة الكلاسيكية لرويسديل. تضمنت تقنيته المبتكرة تطبيق الطلاء بشكل كثيف لبناء طبقات من الضوء والظل لخلق إحساس بالعمق ووفرة الغطاء النباتي. في الوقت نفسه ، استخدم الملاحظة العلمية ، التي تصور الأشجار التي يمكن التعرف عليها نباتيًا ، مما دفع مؤرخ الفن كينيث كلارك إلى وصفه بأنه “أعظم معلم في الرؤية الطبيعية قبل كونستابل”.

غزير الإنتاج ، عمل فان رويسدايل في جميع أنواع رسم المناظر الطبيعية الهولندية من العصر الذهبي تقريبًا. ساعد في الريادة بزخارف مميزة مثل تصوير طواحين المياه. كان له تأثير على الفنانين في عصره وكان لعمله تأثير ملحوظ على مدرسة باربيزون ومدرسة نهر هدسون. درس الفنانون توماس جينسبورو وجون إم دبليو تيرنر وجون كونستابل مناظره الطبيعية ونسخوها. كما أثر على الانطباعيين بما في ذلك مونيه وما بعد الانطباعية فينسينت فان جوخ.

زيت على قماش – متحف اللوفر ، باريس

1654

بثشبع في حمامها

الفنان: رامبرانت فان راين

تُعرف هذه اللوحة أيضًا باسم بثشبع برسالة الملك داود ، وهي تصور بثشبع عارية في حمامها بينما تتأمل رسالة الملك في يدها اليمنى. تؤكد الألوان الغنية ، والستائر النحاسية والذهبية في الخلفية ، التي يتردد صداها بالذهب اللامع لمجوهرات بثشبع ، على التوهج المضيء لجسدها العاري. استخدام chiaroscuroتظهر في الكتان الأبيض المتناقض مع الخلفية الداكنة وتضفي اللمسات البارزة على بشرتها المتناقضة مع طيات القماش المظللة بهدوء حضوراً حسيًا. الجسد هنا يكاد يكون محسوسًا ، مما يلفت نظر المشاهد. تستند اللوحة إلى رواية الكتاب المقدس عن كيف أن الملك داود ، بعد أن رأى بثشبع تستحم ، أمرها بالحضور إلى قصره ، على الرغم من أنها كانت متزوجة من أحد جنرالاته ، أوريا. عندما أطاعت وحملت نتيجة لذلك ، أرسل ديفيد زوجها إلى الصفوف الأمامية للمعركة ليُقتل حتى يتمكن من الزواج منها. بعد ذلك ، وُلد ابنهما ميتًا ، وأدرك داود خطيته ، فجلس في الخرق والرماد عند باب المدينة لمدة عام. للمشاهدين الدينيين في ذلك الوقت ، كانت القصة التوراتية المألوفة ستضيف إحساسًا بالمصير ينذر باللحظة الموضحة هنا ، كما لو أن بثشبع كانت تفكر ليس فقط في معضلاتها الأخلاقية والشخصية ، ولكن أيضًا في ما سيتبعها. كانت الخادمة جاثية إلى اليسار لتغسل قدمها ، وقد غطت بصرها في الظلام ، وكأنها تدرك ما تعنيه هذه الرسالة.

خلافًا لتيار عصره ، كان رامبرانت الفنان الوحيد العظيم للعراة في العصر الذهبي الهولندي ، على الرغم من أنه غير هذا النوع من خلال ، كما أشار سيمون شاما ، وخلق “أول تصوير لتفكير المرأة”. يُعتقد أن نموذج هذه اللوحة هو هندريكجي ستوفيلز ، رفيق حياة رامبرانت ، على الرغم من أن هذا الإسناد لا يزال محل نقاش. ومع ذلك ، فإن العمل ينقل ألفة الحضور والفكر.

أثر هذا العمل على Manet’s The Surprised Nymph (1859-1861) ، وتمشيط نساء ديغا لشعرها (حوالي 1885) ، وفريديريك بازيل لا تواليت (1870) ، وبيكاسو جالس عارية وشخصية أخرى(1963). تأثر بيكاسو بشكل خاص برامبرانت ، الذي اعتبره نوعًا من الأنا المتغيرة ، قائلاً “كل رسام يأخذ نفسه لرامبرانت”.

زيت على قماش – متحف اللوفر ، باريس

1654

الحسون

الفنان: Carel Fabritius

تُصوِّر هذه اللوحة الصغيرة طائرًا أوروبيًا طائر الحسون ، مرسومًا بمقياس يبلغ طوله حوالي أربع بوصات ، جاثمًا على صندوق التغذية الخاص به ، والذي تم ربطه بسلسلة ذهبية رفيعة تدور على الحلقة النحاسية التي تثبت الصندوق في مكانه. يتجه الطائر ، الذي يظهر في الملف الشخصي ، نحو المشاهد بتعبير تنبيه ومثير للذكريات.

اشتهر فابريتيوس برسمه المبتكر لتأثيرات الضوء ، حيث استخدم الضوء والظل في نغمات دقيقة لخلق تأثير ثلاثي الأبعاد. كما استخدم trompe d-oeilلجعل اللوحة تبدو حقيقية كما تم تعليقها في المطبخ ، فوق مستوى العين بقليل ، حيث احتفظ الهولنديون في كثير من الأحيان بطائر الحسون كحيوانات أليفة. كما كتب ماركو ديلا كافا عن العمل ، فإنه “عرض حداثي صارخ وباهت” ، بفوريته الجديدة والبسيطة ، لكن الجمهور الكالفيني في تلك الحقبة كان سيرى أيضًا طائر الحسون كرمز للبعث ، مثله باللون الأحمر. البقع وتغذيتها على الأشواك ارتبطت بآلام المسيح.

كان فابريتيوس يبلغ من العمر اثنين وثلاثين عامًا فقط عندما قُتل ودمرت معظم أعماله في انفجار البارود عام 1654 في دلفت الذي دمر ربع المدينة. ومع ذلك ، كان من بين أكثر طلاب رامبرانت إثارة للإعجاب وسيستمر في التأثير على فيرمير.

هذه اللوحة الغامضة في قلب دونا تارت ‘(2013) ، والذي يتم تحويله إلى فيلم روائي طويل يحمل نفس العنوان.

زيت على لوحة – موريتشويس ، لاهاي ، هولندا

1659

تصوير شخصي

الفنان: رامبرانت فان راين

تُصوِّر هذه الصورة الذاتية الفنان ، وهو يرتدي قبعة ومعطفًا رفيعًا بياقة مقلوبة ، وجسده في عرض جانبي بثلاثة أرباع ، وهو يواجه المشاهد بنظرة معقدة. ينقل جبينه المجعد قليلاً وعيناه العميقة قوة وشدة حازمة ، في حين أن الضوء ، الذي يضيء وجهه بتنوعات غنية من درجات لون اللحم مع لمسات من اللون الوردي ، يثير الحيوية. اللوحة مؤلفة بقوة ، وشكله هرمي يؤكده التوهج على كتفه الأيسر ويداه المشابكتان المضاءة ، مما يجعله انطباعيًا إلى حد ما. على الرغم من أن الخلفية البنية داكنة ، إلا أنها غنية ومتنوعة من حيث الغلاف الجوي وتتعارض مع الألوان الداكنة لمعطفه. يبدو أنه محاط بنوع من الجاذبية التي تؤكد على وجهه المضيء وتضيف جوًا من الكرامة.

كان رامبرانت قد اقترب من الانهيار المالي في عام 1659 ، حيث تم بيع منزله وممتلكاته في المزاد العلني في العام السابق لدفع رواتب دائنيه ، والجودة المثقلة لهذا العمل بينما يعكس ، ربما ، التقييم الذاتي العميق الذي أعقب ذلك ، هو بيان في نفس الوقت من الإتقان الفني. في عام 1639 ، التقى رامبرانت بلتازار كاستيجليون لرافائيل (1514-1515) ، وهي صورة مشهورة للباحث الإنساني ، والمعروفة باسم الممثل المثالي لعصر النهضة العالي “إتقان غير مبال”. بعد ذلك ، رسم رامبرانت العديد من الرسومات التخطيطية للعمل ، بالإضافة إلى نقش صورة ذاتية مائلة على عتبة حجرية(1639) ، يصور نفسه في وضع مماثل ، يرتدي ملابس مماثلة ، ولكن أكثر حداثة ، بيريه وملابس داكنة. يصبح هذا العمل ، في الواقع ، رد رامبرانت على عصر النهضة العالي.

كان رامبرانت أعظم رسام بورتريه في العصر الذهبي الهولندي ، وحديثًا تقريبًا في تركيزه على الصور الذاتية ، تم رسمه باستمرار طوال حياته المهنية. ^{لقد أثر على فان جوخ ورودين} وكان له تأثير ملحوظ في العشرينأثر القرن على فرانك أورباخ ، الذي أشاد بما أسماه “الحقيقة الخام” للفنان ، وفرانسيس بيكون. كما لاحظت مؤرخة الفن بيلار أوردوفاس ، “كان رامبرانت حاسمًا لبيكون من حيث صنع العلامات والتعامل مع الطلاء.” في هذا العمل المتأخر ، كانت رسوماته فضفاضة وانطباعية تقريبًا ، كما كتب الناقد الفني مارك هدسون ، “ومع ذلك ، فهو أيضًا المسار الذي نتوقع أن يسلكه الفن: بعيدًا عن الضيق والنظام والسيطرة ، نحو التعبيرية والتجريد. كما يخترع رامبرانت نفسه في الرسم ، لذلك يخترع الفن الحديث كما يذهب “.

زيت على قماش – المتحف الوطني للفنون ، واشنطن العاصمة

ج. 1660 – 61

منظر ديلفت

الفنان: Johannes Vermeer

تُظهر هذه المناظر الطبيعية المرصودة بدقة مباني مسقط رأس الفنان دلفت ، وسقوفها وأبراجها ، الملتقطة في الظل والضوء ، تحت السحب المتراكمة في سماء زرقاء. تتلألأ مياه قناة Schie مع التيارات المتموجة وانعكاسات المباني. يتجمع عدد من الأشخاص المفصولين بدقة على الشاطئ في اليسار ، كل منهم ممثل لحياة Delft. ومع ذلك ، فإن ما يهم هنا هو الضوء ، حيث تشغل السماء ما يقرب من ثلثي اللوحة ، وتخلق ألوانها المتناقضة مناطق متوهجة من الإضاءة وظلال الفجر. كما كتب مؤرخ الفن Adriaan Waiboer ، بينما “كان فيرمير يلتقط حقًا ما رآه أمامه ،” أراد في المقام الأول أن يخلق وهمًا خاصًا … أراد أن يرسم الضوء. ” باستخدام فقط الأبيض ، فوق البحر ، المغرة الصفراء ، وبحيرة الفوة ،

رسم فيرمير ثلاثة مناظر طبيعية لبلدته ، ويعتبر هذا المشهد للمدينة من روائعه. كما كتب مؤرخ الفن مارييت ويسترمان ، “تبدو تأثيرات الضوء المتنوعة للمشهد طبيعية جدًا … لدرجة أن العين تتجاهل ما يعرفه العقل: أن هذا الضوء هو حرفة عالية ، وأنه عمل من أعمال الرسم.” أدت اللوحة إلى إعادة اكتشاف Vermeer عندما رآها الناقد الفرنسي Thoré-Bürger في عام 1842 ، ونتيجة لذلك ، استمر في التأثير على الفنانين اللاحقين ، بما في ذلك Camille Pissarro و Manet و Edgar Degas و Henri Fantin Latour. هذه اللوحة هي أيضًا واحدة من أكثر اللوحات شعبية ، كما يتضح من إعادة إنتاجها من قبل دار سك العملة الملكية الهولندية على العملات الذهبية التذكارية لعام 2011 في عام 2011. قال الروائي الفرنسي الشهير مارسيل بروست ، “منذ أن رأيت منظر ديلفتفي المتحف في لاهاي ، عرفت أنني رأيت أجمل لوحة في العالم ، “مما جعله يدرج العمل في روايته الأساسية ذكرى الأشياء الماضية (1908).

زيت على قماش – موريتشيس ، لاهاي ، هولندا

ج. 1665

الفتاة صاحبة حلق اللؤلؤ

الفنان: Johannes Vermeer

تُظهر هذه الصورة الشهيرة ذات الشهرة العالمية امرأة شابة في عرض ثلاثة أرباع وهي تلتفت لتنظر إلى المشاهد بنظرة حميمة ولكن غامضة. تتناقض لوحة ألوان زيها ، التي تقتصر على درجات الأصفر والأزرق والأبيض بهدوء مع درجات لون وجهها وشفتيها الحمراء ، مما يلفت انتباهنا إلى عينيها المضيئة. تنظر إلى المشاهد كما لو كانت مرسومة بكلمة عنوان ، قرط من اللؤلؤ يلمع على الظلال الناعمة لعنقها. من خلال إبراز اللؤلؤة بشكل بارز ، شدد الفنان بمهارة على الرمزية المسيحية للؤلؤ كرموز للعفة. في الوقت نفسه ، يخلق استشراق عمامتها ورداءها عنصرًا متباينًا من الإثارة الجنسية الغريبة. نظرًا لعدم وجود لؤلؤة معروفة بهذا الحجم ، فهي إما حبة زجاجية مغطاة بالصدف أو تخيلها الفنانة.

كان عمل فيرمير فريدًا من نوعه لضوءه السائل الذي تُرجم كتألق مميز. استخدم بشكل مبتكر كلاً من “pointillé” ، وهي تقنية تستخدم طلاءًا أكثر دقة في طبقات لخلق نوع من الشفافية والتزجيج. تم طلاء الخلفية في هذا العمل في الأصل بتزجيج أخضر تلاشى بمرور الوقت ولم يتبق سوى الطبقة السفلية الداكنة.

قام أيضًا بتحويل نوع العمل لأن هذا العمل هو tronie– تصوير لنوع معين أو لشخصية مخزون – يكون إما مثاليًا أو مبالغًا فيه ، ويرتدي الزي المناسب ، الذي يأخذ هنا شخصية معقدة. كما كتب الناقد الفني بيتر شجيلدال ، “أعاد صياغة الرسم التقليدي من حيث الواقعية الإدراكية بالشكل الذي يسمح به الوسيط. وقد امتد الاقتناع بالواقع الذي غمر لوحاته من خفايا الضوء إلى دلالات الشخصية.”

أُطلق على الصورة الحميمة والغامضة اسم “موناليزا الشمال” ، مما جذب الكثير من التكهنات حول هوية العارضة وعلاقتها بفيرمير. صوت الجمهور الهولندي عليها كأجمل لوحة هولندية في عام 2006 ، وموضوعها هو محور رواية تريسي شوفالييه ، الفتاة ذات القرط اللؤلؤي.(1999) ، والفيلم الذي يحمل نفس العنوان في عام 2004. أعاد بانكسي تصميم الصورة في جدارية تسمى Girl with a Pierced Eardrum (2015) في بريستول إنجلترا.

زيت على قماش – موريتشيس ، لاهاي ، هولندا

بدايات رسم العصر الذهبي الهولندي

سلف

استلهمت لوحة العصر الذهبي الهولندي من عدد من التأثيرات الفنية ، بما في ذلك المناظر الطبيعية ومشاهد القرية لبيتر بروغل الأكبر ، وعمل “سيد المناظر الطبيعية الصغيرة” المجهول ، وفناني عصر النهضة في أوروبا الشمالية (مثل جان فان إيك و Albrecht Dürer و Hieronymus Bosch و Utrecht Caravaggism). ومع ذلك ، فقد كان في الأساس انعكاسًا للهيمنة الثقافية والاقتصادية والعلمية للعصر الذهبي الهولندي.

بيتر بروغل الأكبر

كانت لوحات بيتر بروغل الأكبر لحياة القرية العادية ضمن مشهد بانورامي تأثيرًا أساسيًا على فن العصر الذهبي الهولندي ، مما حفز شعبية الأعمال الفنية ، والمناظر الطبيعية ، والتركيز الهولندي العام على التصوير الواقعي للوجود اليومي. غالبًا ما استخدم عمل بروغل “المشهد العالمي” ، وهو بناء يجمع بين عناصر مذهلة من المشهد الأوروبي ، يُنظر إليه من وجهة نظر مرتفعة ، كما رأينا في مثله عن الزارع (1557). غالبًا ما تم استخدام “المركب المثالي للعالم في لمحة أولمبية واحدة” ، كما وصفه مؤرخ الفن سيمون شاما ، في سياق توراتي أو تاريخي.

سيد المناظر الطبيعية الصغيرة

كان للفنان المجهول ، الملقب بـ “سيد المناظر الطبيعية الصغيرة” بعد نشر مجلدين من The Small Landscapes في عام 1559 و 1561 في أنتويرب ، تأثير ملحوظ على فناني العصر الذهبي الهولندي من خلال مناظره عن قرب لمواقع هولندية معروفة. التركيز على الخصائص الفريدة لميزات المناظر الطبيعية الهولندية والقرى والحياة الريفية المرتبطة بإحساس متزايد بالفخر بالهوية والقيم الهولندية. بينما كان على الرسامين في العصر الذهبي الهولندي استخدام كل من المناظر البانورامية والمقربة ، حتى الفنانين الذين استخدموا النهج البانورامي فعلوا ذلك لتصوير المواقع الفعلية بتفاصيل دقيقة.

نهضة شمال أوروبا

كان لمطبوعات ألبريشت دورر تأثير ملحوظ على ازدهار صناعة الطباعة في العصر الذهبي الهولندي. اعتمد رامبرانت فان راين على تقنياته وزخارفه وحتى أعاد تفسير حياة دورر للعذراء (1503-1505) في كتابه سمعان مع المسيح الطفل في المعبد (سي 1639). أثرت ممارسة تضمين المشاهد اليومية بالإضافة إلى الحياة الساكنة في أعمال روبرت كامبين وجان فان إيك على كل من تطوير نوع العمل ورسم الحياة الساكنة. اشتهر الفنانون الهولنديون بأخذ عنصر مثل الزنبق في إناء في كامبين البشارة بالثلاثي (حوالي 1425) وجعله الموضوع الوحيد للرسم.

أوتريخت كارافاجيزم

قضى عدد من الرسامين الهولنديين من أوتريخت ، بما في ذلك هندريك تير بروغين ، وديرك فان بابورين ، وماتياس ستومر ، وجيريت فان هورثورست أوائل القرن السابع عشر في روما حيث تأثروا بتقنية كارافاجيو للتلاعب بالضوء والظلام داخل اللوحة لخلق الوهم. من الأضواء ، وكذلك موضوعه. بالعودة إلى أوترخت ، أعادوا تفسير مشاهد كارافاجيو من الموسيقيين أو الغجر أو لاعبي البطاقات ، كما رأينا في ديرك فان بابورنالصورة The Lute Player (1622) ، والتي أثرت على فرانس هالز وجوديث ليستر ، من بين آخرين.

فرانس هالس

كان فرانس هالز من أوائل الرواد في الرسم الهولندي من العصر الذهبي ، سواء في فن البورتريه أو النوع الفني. اشتهر بصورته الجماعية The Banquet of the Officers of the St. أكد على لحظة التقاط الشخصية واستخدام الضوء الطبيعي المصور بضربة فرشاة مرئية لإضفاء الحيوية. كان عمله في هذا النوع رائدًا بنفس القدر ، كما هو موضح في فيلمه Y onker Ramp and His Sweetheart (1623) ، حيث يصور الفارس وحبيبته في لحظة فرح. لقد أثر على العديد من رسامي العصر الذهبي اللاحقين بما في ذلك Adriaen van Ostade و Adriaen Brouwer و Judith Leyster.

جان بروجل الاصغر

كان العصر الذهبي الهولندي رائداً حتى الآن ، أو الحياة الساكنة. تطور هذا العنصر المهيمن في الفن الهولندي إلى عدد من الأنواع الفرعية التي كانت الحياة الزهرية الأكثر شيوعًا فيها. كان جان بروجل الأكبر ، ابن بيتر بروغل ، رائدًا مبكرًا في الحياة الساكنة للزهور ، في أعمال مثل زهوره في سفينة خشبية(1606-1607). في ذلك ، صور باقة زهور باهظة الثمن في إطار بسيط ، تجمع بين الأزهار النادرة والمشتركة ، وعرض الإزهار دون تداخل لإظهار كل زهرة مقدمة بدقة علمية. غالبًا ما كان يسافر من أجل مراقبة ورسم أزهار نادرة ، وقد أدى حماسه للموضوع إلى لقب “زهرة Bruegel”. كانت الحياة الساكنة للزهور شائعة بشكل لا يصدق بين الهولنديين ، وقد تكرر حماسهم لجمع العينات النباتية العالمية في الأسواق التجارية كما يتضح من “ جنون التوليب ” ، وهي فترة باهظة للمزايدة والمضاربة على بصيلات الخزامى النادرة التي تباع بمبالغ باهظة.

العصر الذهبي الهولندي

في عام 1568 بدأت الحركة نحو الاستقلال الهولندي بالتمرد الديني للمقاطعات السبع البروتستانتية (هولندا الحديثة) ضد الحكم الكاثوليكي لإسبانيا هابسبورغ ، والتي أطلقت حرب الثمانين عامًا. تم إعلان الاستقلال عن إسبانيا رسميًا في عام 1581 ، على الرغم من عدم الاعتراف باستقلال هولندا من قبل الحكومة الإسبانية حتى عام 1648 في نهاية الحرب. لعب الدين دورًا رائدًا في الصراع ، وأبلغت كل من الكنيسة الهولندية الإصلاحية والشعور المتزايد بالقومية الهولندية العصر الذهبي. اتخذ الفن أيضًا اتجاهات مستقلة ، حيث طور التركيز على الموضوعات العلمانية ، التي لم تُصوَّر بعظمة كاثوليكية ، ولكن مع التركيز على الحياة البشرية العادية والعلاجات الواقعية.

أنتويرب ، مركز اقتصادي رئيسي ، مثل غيرها من المدن في العصر الحديث ، انضمت بلجيكا إلى التمرد ضد إسبانيا ولكن تم غزوها من قبل القوات الإسبانية في عام 1585. تضمنت شروط استسلام المدينة الحكم الذي يقضي بضرورة مغادرة أي بروتستانت المدينة في غضون عامين . نتيجة لذلك ، ذهب العديد من الحرفيين والتجار الأثرياء شمالًا إلى أمستردام ، مما أدى إلى تدفق الأعمال والعمالة الماهرة. أصبحت الجمهورية الهولندية أيضًا موطنًا للاجئين الآخرين ، بما في ذلك البروتستانت الهوغونوت من فرنسا ، واليهود السفارديم من إسبانيا والبرتغال ، والحجاج من بريطانيا العظمى ، وتطورت حياة ثقافية مزدهرة ومتسامحة. شددت الكنيسة الهولندية الإصلاحية على التعليم كجزء من دراسة الفرد للكتاب المقدس ، وأصبحت جامعة ليدن مركزًا للفلسفة والاستكشاف العلمي والاكتشاف. قاد المفكرون والعلماء الهولنديون العديد من المجالات ، بما في ذلك الفيلسوف الشهير باروخ سبينوزا ، والفيزيائي كريستيان هيغنز ، والمهندس الهيدروليكي يان أدريانسون ليغوات. كان المفكرون المشهورون الآخرون الذين خضعت أفكارهم للتدقيق الديني في الداخل ، بمن فيهم الفيلسوف الفرنسي رينيه ديكارت والإنجليزي جون لوك ، يجدون ملاذًا في التسامح الفكري للجمهورية.

كانت التجارة العالمية هي المحرك الذي دفع بالازدهار الهولندي ، حيث تم إنشاء شركة الهند الشرقية الهولندية ، وهي أول شركة متعددة الجنسيات لها أسهم أسست أول بورصة للأوراق المالية ، في عام 1602. وكان الهولنديون يتاجرون في كل من أوروبا حيث اشتروا مخزونات من الحبوب وفي آسيا حيث كان لديهم احتكار تجاري. أصبحت التوابل والخزف الصيني والأواني اليابانية والعينات النباتية النادرة جزءًا من أسلوب حياة مزدهر. كانت ثرواتهم أيضًا مصادر مأساوية أكثر ، مستمدة من الاستعمار في الأمريكتين ، واحتكار تجارة الرقيق للأمريكتين.

رعاية

أصبحت الطبقة الوسطى وطبقة التجار المستهلكين الأساسيين للفن ، كما كتب الكاتب البريطاني بيتر مونداي في عام 1640 ، “بالنسبة لفن الرسم ومودة الناس بالصور ، لا أعتقد أن أيًا آخر يتجاوزهم”. كانت معظم الأعمال صغيرة الحجم لتزيين المنازل. يقدر بعض العلماء أنه تم إنشاء ملايين الأعمال الفنية في ذلك العصر ، حيث أصبح الفن أيضًا وسيلة للإدلاء ببيان. علق العديد من الأشخاص أفضل أعمالهم الفنية في الغرف الأمامية الكبيرة لمنازلهم حيث التقوا بالجمهور أو قاموا بأعمال تجارية. بينما في أوائل القرن السابع عشر كان هناك طلب على المشاهد التوراتية ، بحلول منتصف القرن السابع عشر ، كان السوق يهيمن عليه الصور الشخصية والمناظر الطبيعية والأرواح الثابتة وأعمال النوع.

لوحة العصر الذهبي الهولندي: المفاهيم والأنماط والاتجاهات

باق على قيد الحياة

تم تطوير عدد من الأنواع الفرعية الملحوظة تحت مظلة الرسم الهولندي للحياة الساكنة ، والتي تشمل الفانيتاس ، والحياة الساكنة الزهرية ، و ontbijtjes (“قطع الإفطار”) ، “و Pronkstilleven (عرض تفاخر للطعام وأدوات المائدة باهظة الثمن).

كانت لوحات فانيتاس لا تزال عبارة عن حياة تجمع بين العناصر المصنوعة بدقة والرمزية المسيحية لنقل رسالة أخلاقية عن زوال الحياة الأرضية. استند فانيتاس ، الذي يعني “الغرور” ، إلى التحذير التوراتي في سفر الجامعة بأن “كل شيء هو الغرور” ، وكانت اللوحات من النوع البروتستانتي في المقام الأول. أصبحت ليدن ، وهي مدينة هولندية ، تشتهر بجامعتها التي لعبت دورًا لاهوتيًا مهمًا ، مركزًا فنيًا مبكرًا لرسم فانيتاس ، كما رأينا في حياة هارمن ستينويك الثابتة: قصة غرور الحياة البشرية(ج 1640). أصبح الرسم شائعًا في جميع أنحاء هولندا ، على الرغم من أن كل مدينة كانت تفضل إدراج الأشياء ، حيث فضلت أمستردام الزهور ، وفضلت لاهاي ، المعروفة باسم السوق ، إدراج الطعام ، وخاصة الأسماك.

كانت المشاهد التي تصور الطاولات الفخمة تحظى بشعبية كبيرة لدى الرعاة الهولنديين ، وتم تطوير عدد من الأنواع الفرعية ، والتي تُظهر قطع العشاء ، وقطع الإفطار المتأخرة ، ومشهد السوق. تعتبر قطع الإفطار من أكثر القطع الفنية شهرة ، بسبب تركيزها على التكوين ومعالجة الضوء. كان ويليم كلاش هيدا هو القائد الشهير لهذا النوع ، كما رأينا في حياته الساكنة مع المحار والرومر والليمون ووعاء فضي (1634). كان Pieter Claesz مؤيدًا رائدًا آخر للأسلوب ، على الرغم من أن عمله غالبًا ما شدد على موضوع Vanitas .

بدأت برونكستيلفن ، التي تعني الحياة الساكنة المتفاخرة ، في أنتويرب وسرعان ما استولت عليها الجمهورية الهولندية. غالبًا ما يتم تضمين الأشياء النادرة أو المرغوبة التي يتم الحصول عليها عن طريق التجارة ، من بين مجموعة كبيرة من الأشياء بما في ذلك الأطباق باهظة الثمن والفواكه والزهور النادرة والشائعة والأطعمة الشهية واللعبة ، وكلها ترمز إلى أسلوب حياة غني. كان Jan Davidsz de Heem قائدًا للأسلوب في أمستردام كما يظهر في كتابه A Table of Desserts (1640). لعب ويليم كالف أيضًا دورًا في تطوير هذا النوع ، على الرغم من أن عمله ركز على مجموعات صغيرة من الأشياء النادرة ، كما رأينا في Pronk Still Life with Holbein Bowl و Nautilus Cup و Glass Goblet و Fruit Dish (1678).

كان من بين الفنانين الأكثر شهرة في حياة الأزهار الثابتة الإناث ماريا فان أوسترويك ، وراشيل رويش ، وماريا سيبيلا ميريا. اشتهرت راشيل رويش دوليًا بحياتها الزهرية التي تستخدم تركيبات غير متكافئة وتأثيرات الضوء لخلق شعور بالحركة النشطة. كانت أيضًا ناجحة جدًا ، حيث جلبت أعمالها أسعارًا أعلى من أعمال رامبرانت فان راين. غالبًا ما أثارت قطع ماريا فان أوسترويك الزهرية معنى مجازيًا ودينيًا ، كما هو الحال في Vanitas-Still Life (1668) ، والتي جمعت بقوة بين النوعين الفرعيين. أكدت Maria Sibylla Meria على النهج العلمي لتصويرها للعينات النباتية والحيوانية ، وهي الآن مشهورة كمؤسس مبكر لعلم الحشرات ، كونها أول من سجل دورة الحياة الفعلية للفراشة والأنواع الأخرى.

رسم مناظر طبيعية

سيطر على المناظر الطبيعية في أوائل القرن السابع عشر “النمط اللوني” الذي ابتكره Esaias van de Velde. النمط ، كما رأينا في عرضه لـ Zierikzee (1618) ، أكد على السماء ورسم المناظر الطبيعية بخطوط غير واضحة ، وكلها تغمرها لون وجو موحد. تم تبني الأسلوب على نطاق واسع ، وعلى وجه الخصوص من قبل تلميذه جان فان جوين الذي سيواصل إنشاء أعمال في هذا السياق مثل Dune Landscape (1629).

في منتصف القرن السابع عشر الميلادي ، اتخذ المشهد الهولندي ما يسمى بـ “النمط الكلاسيكي” ، الذي تم استنباطه وتجسيده من خلال أعمال جاكوب فان رويسدايل. مع الاحتفاظ بتأثير الغلاف الجوي ، ركزت أعماله على التكوين ، وغالبًا ما تركز على طاحونة أو شجرة أو برج “بطولي” ، وتناقضات قوية بين الظلام والضوء ، كما رأينا في طاحونة الهواء في Wijk bij Duurstede . في نفس الوقت استخدم الملاحظة العلمية. كان عمل Van Ruisdael غزير الإنتاج ومتنوعًا ، حيث لم يرسم المناظر الطبيعية الهولندية والمناظر البحرية فحسب ، بل رسم مشاهد غابات وجبال الشمال. كان أيضًا مدرسًا مشهورًا ، حيث أصبح تلميذه مينديرت هوبيما فنانًا مشهورًا للمناظر الطبيعية.

كانت المناظر الطبيعية شائعة جدًا لدرجة أن العديد من الأنواع الفرعية تم تطويرها ، بما في ذلك الأنواع الفرعية العامة مثل مشهد ضوء القمر ، ومشهد القرية ، ومشهد المزرعة ، ومشاهد الغابات بالإضافة إلى الأنواع الخاصة بالموقع مثل Haerlempjes ، والمناظر الطبيعية التي تضمنت منظرًا لمدينة هارلم ، والتي كانت في السابق تم تهجئة Haerlem. كان Jacob von Ruisdael’s Haarlem with Bleaching Fields (c.11670-1675) مثالاً بارزًا على هذا النوع.

كانت أهم الأنواع الفرعية ، حيث أثرت في الحركات الفنية والفنانين لاحقًا ، هي مناظر المدينة ، والمناظر الطبيعية مع الحيوانات في المقدمة ، والمناظر الطبيعية الإيطالية. غالبًا ما شددت مناظر المدينة الهولندية على مناظر الحياة الحضرية ، كما هو موضح في Pieter de Hooch’s The Courtyard of a House in Delft (1658). تضمنت مناظر المدينة القليلة لـ Jan Vermeer منظرًا بانوراميًا أكثر للأفق ، كما يظهر في كتابه The View of Delft (حوالي 1660-61) ، ومنظره لشارع المدينة ، في The Little Street (حوالي 1658).

كان يان بوث هو الرائد في المناظر الطبيعية الإيطالية الذي تأثر بكلود لورين الذي درس معه في روما. أنتج كلا الرسامين مناظر للمناظر الطبيعية الإيطالية المثالية ، وغالبًا ما تحتوي على أطلال كلاسيكية يغمرها الضوء الذهبي. كان النمط ، الذي تم تجسيده في المناظر الطبيعية الإيطالية في كلاهما مع إطلالة على المرفأ (1640-1652) مفضلاً بشكل خاص من قبل الرعاة الأرستقراطيين ، وكانت النقوش التي تعيد إنتاج المناظر الطبيعية الإيطالية من بين الأكثر شعبية اليوم.

يظهر عدد من الفنانين المتخصصين في رسم المناظر الطبيعية بالحيوانات الأليفة ، عادة الأبقار والخيول ، بشكل بارز في المقدمة. كان إيلبرت كويب أستاذًا بارزًا في هذا النوع ، كما رأينا في كتابه الأبقار في النهر (حوالي 1650). غالبًا ما كانت المناظر الطبيعية للرعاة الهولنديين مرتبطة بشعور من الفخر الوطني ، وتضمنت عناصر ترمز إلى القيم الهولندية المختلفة. على سبيل المثال ، كان يُنظر إلى البقرة على أنها ترمز إلى ازدهار وفضائل الحياة الريفية الهولندية. وبالمثل ، أثار تركيز رامبرانت الدراماتيكي على طاحونة الهواء في The Mill (1645-1648) رمزًا لتعريف هولندا.

الطباعة

بالاعتماد على تقاليد الطباعة في أوروبا الشمالية ، كان صانعو الطباعة المشهورون في العصر الذهبي الهولندي هم هرقل سيجرز ، وجاكوب فان رويسدايل ، ورامبرانت ، الشاهق فوق كل صانعي الطباعة تقريبًا في ذلك العصر. اشتهر رامبرانت بنقوشه ولوحاته الرائعة ، وكان مبتكرًا وغزير الإنتاج. لقد تعامل مع اللوحة مثل القماش ، تاركًا الحبر على اللوحة لتغيير الانطباعات المختلفة لنفس النقش. كما قام أيضًا بإعادة صياغة اللوحات بشكل مبتكر عن طريق كشط المناطق المحفورة ثم إعادة الرسم بنقطة الجفاف. كانت موضوعاته متنوعة على نطاق واسع مثل لوحاته ، بما في ذلك المشاهد التوراتية ، والمناظر الطبيعية ، وصور مثل جان لوتما (1656) ، ومشاهد النوع مثل جولدسميث (1655) ، والعراة بما في ذلك مستلق أنثى عارية (1658).

مبتكرًا في كل من مناظره الطبيعية الخيالية وتقنياته الرائدة في الطباعة ، وقد وصفه مؤرخة الفن المعاصر نادين أورنشتاين ، بأنه “واحد من أكثر العقول الفنية خصوبة في عصره”. كان رائدًا في عملية النقش بثلاثة ألوان وطريقة مبكرة للطباعة الملونة الغامقة لإنشاء ما يسمى “اللوحات المطبوعة”. باستخدام ألوان مختلفة من الورق ، قام برسمها قبل الطباعة ، ثم رسم الطباعة نفسها بالألوان المائية لاحقًا ، ابتكر مناظر طبيعية مضيئة مرتبطة بالجو وضوء الوقت من اليوم. أعجب رامبرانت وجمع عددًا من مطبوعاته ، كما رأينا في طبعة سيغر التي أعاد نشرها توبياس والملاك (سي 1633) في كتابه الرحلة إلى مصر (1653).

كما حظيت رسومات جان فان روزديل للمناظر الطبيعية بإعجاب كبير وكان لها تأثير طويل الأمد على رسم المناظر الطبيعية في وقت لاحق. كان للملاحظة الدقيقة لمواقعه التي تم تقديمها بدقة جنبًا إلى جنب مع تأثيرها المضيء ، كما رأينا في فورست مارش مع مسافرين على الضفة (1640 – 1650) تأثير ملحوظ على الفنانين اللاحقين مثل جون كونستابل وتلك الخاصة بمدرسة باربيزون .

لوحة تاريخية

بينما نظرت الأكاديمية في الرسم التاريخي ، وهي فئة تضمنت أيضًا موضوعات توراتية وأسطورية واستعارية ، فإن أعلى شكل من أشكال الرسم ، فضل ذوق وإحساس العصر الذهبي الهولندي الأعمال التي تصور الموضوعات العادية. ومع ذلك ، تم إنشاء أعمال فنية رائعة للرسم التاريخي في ذلك العصر ، وأبرزها رامبرانت. ركز في الأصل على رسم التاريخ ، وحقق النجاح كرسام بورتريه ، على الرغم من أن اهتمامه برسم التاريخ لم يتلاشى أبدًا ، كما رأينا في كتابه أرسطو الذي يفكر في تمثال نصفي لهوميروس (1653) ولوكريتيا (1664). سمحت هذه الفئة أيضًا برسم العري ، وأعماله مثل بثشبع التي تحمل رسالة الملك داود (1654) هي روائع عارية قليلة من العصر.

اللوحة النوع

طور العصر الذهبي الهولندي فن اللوحات الفنية. وشمل ذلك أعمالًا تصور الموسيقيين ، ومشاهد الحانة ، وربات البيوت في مساحات داخلية هادئة ، ومشاهد التودد ، والمناسبات الاحتفالية ، ومشاهد بيوت الدعارة ، على سبيل المثال لا الحصر. أثرت مشاهد حياة القرية التي رسمها بيتر بروغل ، والتي غالبًا ما تشير إلى الحماقة البشرية ، على تطور ما كان يُسمى كلاين بيزلينجن ، أو تفاهات صغيرة. قاد فرانس هالز هذا التطور في الرسم النوعي ، كما رأينا في كتابه Merrymakers في Shrovetide (سي 1616-17). جوديث ليستر ، واحدة من امرأتين فقط تم قبولهما في ^{السابع عشر}نقابة رسامي القرن ، كانت أيضًا رسامًا من النوع المعروف ، وتخصصت في الموسيقيين ، والأطفال في اللعب ، والأزواج المرح. في كثير من الأحيان ، اتخذت لوحة النوع موضوعًا أخلاقيًا ، سواء كان تصوير الفساد الأخلاقي بتأثير كوميدي ، كما رأينا في Jan Steen’s The Dissolute Household (حوالي 1663-1664) ، أو التأكيد على الفضيلة ، كما رأينا في Pieter de Hooch’s Interior with a Young Couple ( ج.1662-1665).

التطورات اللاحقة – بعد رسم العصر الذهبي الهولندي

بدأ العصر الذهبي الهولندي في التدهور مع بداية الحرب الفرنسية الهولندية ، عندما غزا الفرنسيون هولندا عام 1672. ولطرد الغزاة ، قام الهولنديون بكسر السدود ، وإغراق معظم الأرض ، ونتيجة لذلك ، قام الهولنديون. لا يزال يشير إلى 1672 باسم “عام الكارثة”. مع انهيار الاقتصاد ، حدث ذلك أيضًا في سوق الفن ، مما أثر على الفنانين بما في ذلك فيرمير الذي أفلس. بحلول الوقت الذي انتهت فيه الحرب عام 1678 ، كانت القوة الهولندية قد تضاءلت بشدة ولم يتعاف سوق الفن أبدًا.

ومع ذلك ، أثرت أعمال النوع الهولندي على الرسامين الفرنسيين ، بما في ذلك جان سيميون شاردان ، وجان بابتيست غريوز ، وجان أونوريه فراغونارد ، حيث أصبح أسلوب الروكوكو ، بقيادة الفرنسيين ، مهيمنًا في أوائل القرن الثامن عشر. ومع ذلك ، بشكل عام ، لم تحظ أعمال العديد من الأساتذة الهولنديين ، بما في ذلك رامبرانت وهالز وفيرمير ، بالاهتمام في أواخر القرن السابع ^عشر حتى القرن ^الثامن عشر. نظرًا لأن الصقل الكلاسيكي كان مفضلاً ، فقد تم انتقاد أعمال هالز باعتبارها تسرعًا ، وأبدى النقاد استياءهم من النزعة الإنسانية الشجاعة لرامبرانت.

أعيد اكتشاف رامبرانت خلال الحركة الرومانسية في أوائل القرن التاسع عشر ، حيث وصفه الناقد ويليام هازليت بأنه “رجل عبقري” “أخذ أي شيء ، لم يكن يهتم بما هو ، كيف يعني ذلك في الشكل واللون والتعبير ، ومن النور والظل اللذان ألقى عليهما خرجا خلابا من يديه “. نتيجة لذلك ، أخبر رامبرانت يوجين ديلاكروا وجي إم دبليو تورنر ، بما أسماه تيرنر “حجابه ذو اللون الفريد”. استمر تأثيره على الفنانين طوال القرن ^التاسع عشر ، حيث أثر على فنسنت فان جوخ ، وأوغست رودين ، والأمريكي توماس إيكنز ، وحتى القرن ^{العشرين .}القرن حيث كان له تأثير على أعمال بابلو بيكاسو وفرانك أورباخ وفرانسيس بيكون وآخرين لا حصر لهم.

أعيد اكتشاف Jacob van Ruisdael في أواخر القرن الثامن عشر بواسطة جون كونستابل الذي امتلك أربعة من رسومات الفنان وقام بنسخ عدد من أعمال الفنان. بعد ذلك ، كان للمناظر الطبيعية لفان روسديل تأثير أساسي على مدرسة باربيزون ومدرسة نهر هدسون .

في عام 1842 ، أعاد الناقد الفني تيوفيل ثوري بورغر اكتشاف فيرمير الذي أطلق عليه اسم “أبو الهول في دلفت” ، إلى جانب رسامين آخرين من العصر الذهبي الهولندي بما في ذلك هالز وكاريل فابريتيوس . نتيجة لذلك ، تأثر عدد من الفنانين بما في ذلك جوستاف كوربيه ، وجيمس أبوت ماكنيل ويسلر ، وإدوارد مانيه ، وإدغار ديغا ، وكاميل بيسارو ، وكلود مونيه بتصوير الفنان الواقعي للحياة العادية ، ورسمه لتأثيرات الضوء. كان لأسلوب هالس الخام تأثير ملحوظ على الفنانين اللاحقين للحركة الواقعية ، بما في ذلك غوستاف كوربيه ومانيه ، وكذلك الانطباعيين مونيه وماري كاسات .

بالإضافة إلى ذلك ، كان للحياة الهولندية تأثير ملحوظ على الفن الغربي ، حيث ظل الموضوع شائعًا في العصر الحديث ، كما رأينا في أعمال فنسنت فان جوخ ، وبول سيزان ، وإميل نولد ، وجورجيو موراندي ، وتنوع هنري ماتيس على حياة ساكنة بواسطة دي هيم (1915). أثرت لوحة المناظر الطبيعية الهولندية على تطوير مدرسة باربيزون ، ومدرسة نهر هدسون ، والنغمية ، والإضاءة .